刘润老师的《底层逻辑》登上了各个平台的销售榜首，其中有一个章节让我感受颇深。

原文是这么说的：“如果你问一家做得不错的写字楼餐厅老板，做好生意最重要的诀窍是什么？他们大都会说：“哪有什么诀窍，唯有全心全意为顾客着想，做最好吃、性价比最高的饭菜。”

在这个故事的推演里，老板的餐厅可能很快就经营不下去了。

文中的分析是 “写字楼餐厅与顾客的交易结构是：用租金买流量。” 因为外卖平台的兴起，写字楼里的客户不再需要到楼下餐厅就能吃到性价比更高的菜了。餐厅老板需要流量，也许把餐厅搬到离写字楼更远的租金更便宜的地方，专注外卖生意，反而能够活得更久。 如果他执着于把写字楼里的餐厅装修好，服务做好，也许还没等都做好，客户就都没有了。

在我们的行业，交易结构也在发生着微妙的变化，以前的传统批发分贸易商和展厅批发商。贸易商是上游，展厅是下游，大家相安无事。现在展厅被线上直播种草抢走了很多流量，很多新客户不再是各地的珠宝店采购经理，而是被种草的顾客，他们有一些是自媒体创业者，更多是消费者。展厅的传统思维收到了巨大挑战，不是靠豪华的装修和充足的库存就可以占有份额了。而是更多的话语权被流量带走了，谁有了流量，谁就能左右展厅。这和写字楼的餐厅很像啊。

要把展厅化整为零，还是搬到更远的地方，各有利弊。总之，需要一些变化才好啊。#读书笔记# https://t.cn/RVJk9aF

某大师喜欢笔记小说，他说最烦小说里写某甲怎么想，某乙怎么想，你作家怎么会知道人家怎么想呢？这种全知视角会误导读者，以为人是可以了解另一个人的，其实哪有，人是非常复杂的。同意，所以才有真实社会事件比小说故事更离奇的现象，小说家的想象力毕竟是有限的。古代笔记小说都是写人的行动的，把事情摆一摆，所以叫做笔记嘛，这样就给读者留下了想象余地。这让我想起另一位大师讲的故事与小说的区别，笔记小说属于故事，而这位大师所说的小说是现代才出现的东西。理解。现代小说在西方从十八世纪发展到二十一世纪，越来越转向心理层面，很多作家痴迷于描写人的心理活动，所谓意识流，整篇都是某人怎么想。因为现代小说是作家独自一人闭门造车、胡思乱想的产物。不过于此同时也一直存在着另一路记录事情的小说，继承古代的讲故事传统，只是由作家一人承担了从前集体创作的功能，而且慢慢发展到碎片化散文化，也许可以说是一种高段数的笔记小说吧。

#漫威电影#为什么这么多人喜欢漫威电影？
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。

在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。

上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。

而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。

1、好莱坞电影工业头一号

随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。

更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。

用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。

可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。

好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：

改编自童话、漫画或小说；

以儿童或少年为主角；

没有裸露或交欢场景；

都有长相怪异的配角适合做成玩具；

有大的动作场面，但不血腥；

大团圆结局；

采用身价未到一线的演员等。

这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。

今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。

比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。

领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。

2、技术前沿的领头羊

从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。

在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。

21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。

所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。

漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。

从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。

电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。

卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。

推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。

体现在数据上就是票房。

商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。

然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。

无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。

正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。

《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。

独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。

这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。

在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。

《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。

《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。

甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。

小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。

正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。

漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。

如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。

3、地位超然的“剪辑师”

漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。

好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。

吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。

剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。

而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。

就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”

从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。

《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。

火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。

“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。

微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。

在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。

如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。

剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。

看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。

这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。

这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。

在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。

当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。

《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。