陈奕天孝顺为父母写歌又获全能艺人奖却如此低调 爱了！说到现在的娱乐圈中，不乏着有一些全能型的艺人，比如鹿晗、王一博等，那小星今天就来讲讲特殊的一位多重技艺但为人却很低调全能型艺人，此时此刻待在画面前的你一定想要知道他是谁了吧，小星来告诉你，他就是全能型艺人陈奕天，他曾用名陈一天、陈旭天、陈奕。
陈奕天是一位从小就很优秀的人，这或许就是大家口中说的这就是“别人家的孩子”吧，从高中毕业陈一天就已经开始创业，于是他决定先从他能做到的开始，说到这，他可是第一份工作是卖报哦，就这样陈旭天每天一个人挎着报纸穿梭在大街小巷的士之中，叫喊着当时的口号“广州日报，比太阳更早比往年更好”。看到这里相信大家一定有画面了，就是电视剧中上海滩看到的那种小孩喊着口号卖报的场景。陈奕在之后更是创造出了自己的一个概念品牌“诚忆”，不得不说陈一天就是妥妥的货真价实创业牛人。陈奕天敢于去拼搏创新的精神在他身上可谓是体现得淋漓尽致，透亮透亮的。
那么说到陈奕天怎么进到娱乐圈的，陈奕天的方式还真是不得不说有点让人觉得很优秀，其实陈奕天本是学设计的美术生，要说到表演的话也就顶多有一点点的舞台表演经历，就这样
陈奕天是一位从小就很优秀的人，这或许就是大家口中说的这就是“别人家的孩子”吧，从高中毕业陈一天就已经开始创业，于是他决定先从他能做到的开始，说到这，他可是第一份工作是卖报哦，就这样陈旭天每天一个人挎着报纸穿梭在大街小巷的士之中，叫喊着当时的口号“广州日报，比太阳更早比往年更好”。看到这里相信大家一定有画面了，就是电视剧中上海滩看到的那种小孩喊着口号卖报的场景。陈奕在之后更是创造出了自己的一个概念品牌“诚忆”，不得不说陈一天就是妥妥的货真价实创业牛人。陈奕天敢于去拼搏创新的精神在他身上可谓是体现得淋漓尽致，透亮透亮的。
那么说到陈奕天怎么进到娱乐圈的，陈奕天的方式还真是不得不说有点让人觉得很优秀，其实陈奕天本是学设计的美术生，要说到表演的话也就顶多有一点点的舞台表演经历，就这样
画家背后一定有自己的人与文，而人文合起来就是他的世界观，就是他对生命的态度，也是他生活的方式。他追求的理想、审美的境界都与此息息相关。通过作品可以看出他背后的文化意蕴，看出他背后的人文支撑，看出他表达出来的民族精神和代表的知识阶层的文化趣味。如果通过作品看不到这些，作品背后是一片苍白，那么作品则没有深厚的内容，不值得我们品玩，因为中国画最强调的就是内在神韵。《出水芙蓉图》 也许不是纯粹的文人画家的作品，也许就是一个职业画家画的，然而它背后却有一种既深又淡的生命情怀。人们可以将它作为中国画的范型，作为中国画的代表作来理解，进而通过它来体悟中国文化的精神，这也是一种享受。其实标准很简单，方法也很简单，无论看古人还是今人的作品，只要通过作品能感受到画家的文化趣味和生活态度，能感受到他对生命的感悟，就有所得，否则这件作品就是无足轻重的。
这幅画表达的不只是一花一叶的美，更要表达的是神韵。中国画崇尚的是主体和客体的高度合一，形与神的高度合一，心与物的高度合一。王国维在《人间词话》中说：“美成《青玉案》词，‘叶上初阳乾宿雨，水面清圆，一一风荷举’，此真能得荷之神理者。”这就是得神韵又得道理。清人刘熙载在《艺概书概》中说：“书贵入神，而神有我神他神之别。入他神者，我化为古也；入我神者，古化为我也。”半坡彩陶中的很多彩绘纹样既抽象又具象；战国帛画上的龙凤、人物图也是既抽象又具象，中国画自古以来就有一套自己的“意象”表现传统，是主与客、虚与实、有与无高度合一的产物。“神”在中国文化中有特殊的含义。神圣、神秘、神灵、神通、神明、神话都是中国文化中非常有内蕴的词。“神”在文化领域被广泛采用，中国画始终把对神韵的追求、对精神实质的追求放在第一位，所谓“阴阳不测之谓神”，即无法用常态来把握的东西均称之为“神”。在中国的俗语中“神”的使用率也很高：神品、神来之笔、下笔如有神……都与中国古代哲学中的“神”概念有许多相关性。
第二是尚气尚势。
海德格尔说，艺术是先于艺术家和作品而存在的，我们通过作品去感受艺术，去体认存在的敞开。海德格尔是西方存在主义的大师，他认为艺术通过作品体认存在的敞开，通过欣赏艺术去感受存在，理解存在。作品是一个世界，是一个世界的敞开，这对于欣赏或理解中国传统绘画是有帮助的。中国画的发展从一开始就受到了中国哲学的影响，中国画的辉煌时期都是中国哲学或中国文化极为发达的时期，先秦、汉魏、唐宋、明清等都是中国哲学史和文化史上思想极为活跃的时期。马王堆一号汉墓帛画所描述的三界——天界、人界、地狱界与汉代盛行的黄老学非常一致。中国文化中所谓的“四方神”——南有朱雀、北有玄武、东有青龙、西有白虎，在汉代艺术中常出现，成为一种文化的符号，从某种意义上说，它们是中国文化的图腾。汉画中普遍存在的云气纹，与当时崇尚的天界神仙思想也相关。著名美学家邓以蛰曾说：“在汉代，气韵原为画中表现之实体。”南朝谢赫“六法论”的第一法是“气韵生动”。追求气韵生动、追求整体的生命律动是中国汉唐艺术、秦汉艺术非常突出的一个特点。神仙家、阴阳家、儒道思想混杂而成的汉朝人的世界观，这种世界观反映到美术作品中，就表达了一种浓郁的超越现实的思想。他们向往神仙世界，经常表达三界的概念及人天合一的概念。先秦哲学普遍认为宇宙是互相关联的整体，阴阳五行的思想体系以及古典哲学的“五运六气”概念对中国画的影响非常大。所有这些思想与绘画的联系在于，通过自然物对“气”进行描绘，从而能够理解万物的气机，也就是万物皆有的美。古人说，“通天地一气耳”，他们认为天地万物都是气的运化。中国画尚气，以气为生命。吴昌硕说自己“画气不画形”，哲学家张岱年曾指出中国哲学最早的本根论是道论，其后乃有气论，气论言理为“理”论，又言“理”论唯于心，又导出主观的唯心论，认为“理”即为心，心为一切之所本。先秦文人所说的道理落实到宋儒就是气，张岱年所说的气论就是“理”论，“理”就是气，在古代，气就是万物。南朝谢赫“六法论”的“气韵生动”就是“万物皆有生机”。
与“气”相关联的词汇有“气势”，“笔所未到气已吞”，唐朝怀素的狂草与吴道子的画都是如此。当然还有气机、气势、气象、气韵、气质，由于不同画家倾向的角度不同而各有千秋。重视气势的，更重视画面的空间结构，比如吴昌硕的梅花画得有气势，钟情于作对角的构图；重视气韵的则是用笔痕与笔痕之间微妙的味道来表达。汉唐艺术有气势，到宋元以后开始追求静气和文气，这也是中国文化从昂扬磅礴、浑厚雄健转而为宁静、阴柔、优雅的时期。绘画本身的演变，与时代风气、思潮都有关系，文人画就与宋元文人文化的勃兴有密切关系。文人画不是中国绘画的全部内容，不能用文人画的概念取代中国画的概念，但中国画包含着文人画这个重要的内容，包含着这个重要的流派。近千年来的中国画论基本上谈的都是文人画，对于画家画则是比较忽略的。文人贬低画工，画工本身也缺乏文化方面的论述，只留下了一些绘画的诀窍，口传心授给自己的徒弟，没能像文人那样有著作留世，所以画家画在这方面是有欠缺的。
“气势”绝对不是中国画所独有的。欣赏雕塑和建筑可以说有气势，欣赏油画也可以说有气势，《基督下十字架》很有气势，鲁本斯的《阿马松之战》等都是很有气势的西方油画。但西方油画的气势之美更体现在逻辑学上，体现在写实主义的真实严谨上，有一种体量的美，更富有一种质感的美。在中国画里，有气势的画也并不是把质感作为主要目的，不以真实性为目的。中国画里的气势美更为空灵飞动。中国画对静物的观照使得气势从动态美变成了一种哲学关怀，最后复归于静，以静悟为最终目的。
第三是尚意尚趣。
贯穿中国画传统的是“气”的哲学。从战国帛画到战国铜器、漆器以至汉代的帛画、墓壁画、画像砖到后来的中国画，在这种精神性上都是一脉相通的，这一脉相通的就是“写意”，写意不只是一个样式，更是中国传统艺术的灵魂。中国画在本质上是写意的。宋人的《出水芙蓉图》形式上写实，但内在精神仍然是写意，画家有所取也有所弃，不是照本宣科。画“我”心仪的东西，画思想理念中的东西，这是中国画秉持的一个原则。如果我们对“写意”进行深究，会发现它其实是对世界的认识，是一种世界观和认识论，是对认识的一种表现，而“意”是对世界之象的“想”。
强调人的主观创造性也是画家们所主张的，石涛说：“夫画者，从于心者也”。“从于心”正是中国画的写意性。在中国的诗词里，“文要立意”，练中国武功也要练意，所有外在的运动都受心意的指挥，意念到了，气也就到了。人是小宇宙，天地是大宇宙。只有把自己彻底敞开，把自己彻底放空，与宇宙融为一体，这时宇宙万物的灵气才可以汇集，你才会切身感觉到“意”在中国文化艺术中的重要性，这就是天人合一。太极拳理论和书画理论异曲同工，都是重意不重力。书画用笔要有意，王羲之谈书法说：“心意是将军。”中国文化对意很重视，认为气是由意来指挥的。赵孟的 《枯木竹石图》，用侧峰勾勒石头，他以石头、枯木、野草的质感来表达自己的“意”，这是中国绘画很本质的东西。写意实际上是写气机的运动，是对气质的传达，不同的气质有不同的表现手法。竹子挺拔的意和枯木、石头的意是不一样的。 https://t.cn/RJZk0ky
这幅画表达的不只是一花一叶的美，更要表达的是神韵。中国画崇尚的是主体和客体的高度合一，形与神的高度合一，心与物的高度合一。王国维在《人间词话》中说：“美成《青玉案》词，‘叶上初阳乾宿雨，水面清圆，一一风荷举’，此真能得荷之神理者。”这就是得神韵又得道理。清人刘熙载在《艺概书概》中说：“书贵入神，而神有我神他神之别。入他神者，我化为古也；入我神者，古化为我也。”半坡彩陶中的很多彩绘纹样既抽象又具象；战国帛画上的龙凤、人物图也是既抽象又具象，中国画自古以来就有一套自己的“意象”表现传统，是主与客、虚与实、有与无高度合一的产物。“神”在中国文化中有特殊的含义。神圣、神秘、神灵、神通、神明、神话都是中国文化中非常有内蕴的词。“神”在文化领域被广泛采用，中国画始终把对神韵的追求、对精神实质的追求放在第一位，所谓“阴阳不测之谓神”，即无法用常态来把握的东西均称之为“神”。在中国的俗语中“神”的使用率也很高：神品、神来之笔、下笔如有神……都与中国古代哲学中的“神”概念有许多相关性。
第二是尚气尚势。
海德格尔说，艺术是先于艺术家和作品而存在的，我们通过作品去感受艺术，去体认存在的敞开。海德格尔是西方存在主义的大师，他认为艺术通过作品体认存在的敞开，通过欣赏艺术去感受存在，理解存在。作品是一个世界，是一个世界的敞开，这对于欣赏或理解中国传统绘画是有帮助的。中国画的发展从一开始就受到了中国哲学的影响，中国画的辉煌时期都是中国哲学或中国文化极为发达的时期，先秦、汉魏、唐宋、明清等都是中国哲学史和文化史上思想极为活跃的时期。马王堆一号汉墓帛画所描述的三界——天界、人界、地狱界与汉代盛行的黄老学非常一致。中国文化中所谓的“四方神”——南有朱雀、北有玄武、东有青龙、西有白虎，在汉代艺术中常出现，成为一种文化的符号，从某种意义上说，它们是中国文化的图腾。汉画中普遍存在的云气纹，与当时崇尚的天界神仙思想也相关。著名美学家邓以蛰曾说：“在汉代，气韵原为画中表现之实体。”南朝谢赫“六法论”的第一法是“气韵生动”。追求气韵生动、追求整体的生命律动是中国汉唐艺术、秦汉艺术非常突出的一个特点。神仙家、阴阳家、儒道思想混杂而成的汉朝人的世界观，这种世界观反映到美术作品中，就表达了一种浓郁的超越现实的思想。他们向往神仙世界，经常表达三界的概念及人天合一的概念。先秦哲学普遍认为宇宙是互相关联的整体，阴阳五行的思想体系以及古典哲学的“五运六气”概念对中国画的影响非常大。所有这些思想与绘画的联系在于，通过自然物对“气”进行描绘，从而能够理解万物的气机，也就是万物皆有的美。古人说，“通天地一气耳”，他们认为天地万物都是气的运化。中国画尚气，以气为生命。吴昌硕说自己“画气不画形”，哲学家张岱年曾指出中国哲学最早的本根论是道论，其后乃有气论，气论言理为“理”论，又言“理”论唯于心，又导出主观的唯心论，认为“理”即为心，心为一切之所本。先秦文人所说的道理落实到宋儒就是气，张岱年所说的气论就是“理”论，“理”就是气，在古代，气就是万物。南朝谢赫“六法论”的“气韵生动”就是“万物皆有生机”。
与“气”相关联的词汇有“气势”，“笔所未到气已吞”，唐朝怀素的狂草与吴道子的画都是如此。当然还有气机、气势、气象、气韵、气质，由于不同画家倾向的角度不同而各有千秋。重视气势的，更重视画面的空间结构，比如吴昌硕的梅花画得有气势，钟情于作对角的构图；重视气韵的则是用笔痕与笔痕之间微妙的味道来表达。汉唐艺术有气势，到宋元以后开始追求静气和文气，这也是中国文化从昂扬磅礴、浑厚雄健转而为宁静、阴柔、优雅的时期。绘画本身的演变，与时代风气、思潮都有关系，文人画就与宋元文人文化的勃兴有密切关系。文人画不是中国绘画的全部内容，不能用文人画的概念取代中国画的概念，但中国画包含着文人画这个重要的内容，包含着这个重要的流派。近千年来的中国画论基本上谈的都是文人画，对于画家画则是比较忽略的。文人贬低画工，画工本身也缺乏文化方面的论述，只留下了一些绘画的诀窍，口传心授给自己的徒弟，没能像文人那样有著作留世，所以画家画在这方面是有欠缺的。
“气势”绝对不是中国画所独有的。欣赏雕塑和建筑可以说有气势，欣赏油画也可以说有气势，《基督下十字架》很有气势，鲁本斯的《阿马松之战》等都是很有气势的西方油画。但西方油画的气势之美更体现在逻辑学上，体现在写实主义的真实严谨上，有一种体量的美，更富有一种质感的美。在中国画里，有气势的画也并不是把质感作为主要目的，不以真实性为目的。中国画里的气势美更为空灵飞动。中国画对静物的观照使得气势从动态美变成了一种哲学关怀，最后复归于静，以静悟为最终目的。
第三是尚意尚趣。
贯穿中国画传统的是“气”的哲学。从战国帛画到战国铜器、漆器以至汉代的帛画、墓壁画、画像砖到后来的中国画，在这种精神性上都是一脉相通的，这一脉相通的就是“写意”，写意不只是一个样式，更是中国传统艺术的灵魂。中国画在本质上是写意的。宋人的《出水芙蓉图》形式上写实，但内在精神仍然是写意，画家有所取也有所弃，不是照本宣科。画“我”心仪的东西，画思想理念中的东西，这是中国画秉持的一个原则。如果我们对“写意”进行深究，会发现它其实是对世界的认识，是一种世界观和认识论，是对认识的一种表现，而“意”是对世界之象的“想”。
强调人的主观创造性也是画家们所主张的，石涛说：“夫画者，从于心者也”。“从于心”正是中国画的写意性。在中国的诗词里，“文要立意”，练中国武功也要练意，所有外在的运动都受心意的指挥，意念到了，气也就到了。人是小宇宙，天地是大宇宙。只有把自己彻底敞开，把自己彻底放空，与宇宙融为一体，这时宇宙万物的灵气才可以汇集，你才会切身感觉到“意”在中国文化艺术中的重要性，这就是天人合一。太极拳理论和书画理论异曲同工，都是重意不重力。书画用笔要有意，王羲之谈书法说：“心意是将军。”中国文化对意很重视，认为气是由意来指挥的。赵孟的 《枯木竹石图》，用侧峰勾勒石头，他以石头、枯木、野草的质感来表达自己的“意”，这是中国绘画很本质的东西。写意实际上是写气机的运动，是对气质的传达，不同的气质有不同的表现手法。竹子挺拔的意和枯木、石头的意是不一样的。 https://t.cn/RJZk0ky
《一直游到海水变蓝》——文字之美
年度第10场电影，文学纪录片，贾樟柯作品。 看到片名，就想着一定要去看，完全猜不出这是什么类型的电影。人们常问，海水啊，你为啥这样蓝，海水不就是天生蓝色的吗，怎么还变蓝。一直，这里有坚持。蓝色，蓝色忧郁、蓝调孤独，反正应该很文艺。
给文章以标题，有人说要直接，让看到的人一下子明白主题内容。还有人说标题就是要捉迷藏，让看到的人不明所以，这样才会有看下去的兴趣。如今的标题都是问句，把最关键的字隐而不露，以引诱读者点开。
影片选取了四个不同年代跨越70年的作家，三男一女，由他们自己或他们的亲属讲述他们是如何走上文学艺术创作之路的，在我看来是揭开写作的秘密。
这四个作家分别是上世纪二十年代出生的马烽，由美术而文学。四十年代的贾平凹，六十年代的余华和七十年代的梁鸿。不知道贾导为何选择这四个作家来讲述，四个乡村文字的作者？网上说贾导最初给出的片名是《一个村庄的文学》。此刻一个有趣的发现是，他们共同的特点是出生地域都略偏北，最南的也就是出生于杭州的余华了。也许在那些年代，南方有点文化沙漠。在他们的讲述中，感受中国的变迁。
影片没有情节，为了使内容连贯，用了十八个小标题，可谁又能记住这些小标题呢。好在影片中的四个作家为我这个热爱文字的人所熟悉。对于普通观众，小众到不知所云。且作一堂写作课来看吧。
开头的老人食堂，让观众误以为是反映老年生活的题材，或者是华西村式的改革先锋。慢慢明白是吕梁，是马烽《吕梁英雄传》的诞生地，真诚希望吕梁的老人能永远享受衣食无扰的生活。不知是不是要见证文字与生活的互动影响。后来知道贾导也是吕梁人，为吕梁办了文化节。是马烽后的又一个文化推动地方发展改变？
正如莫言在影片中看戏时所说：演员是当地群众的老师；生活，和作家紧密相连的故事，童年生活是作家的老师。作品和生活，互相滋养。 马烽，在创作止步不前时回到刚解放不久的农村新生活，为农民解决实际问题的同时也创作了贴近新生活的作品。成为当时文坛的一股新风。 贾平凹，生活、创作的不易和坚守。 梁鸿，纪实文学梁庄系列的作者。梁鸿农村的原生家庭正是困苦时代的缩影与挣扎。讲述者几度哽哑失声，画面转而模糊。
余华，未染黑白夹杂的头发略显苍桑。四个讲述者中余华的作品从未读过，但名字一直耳边回荡。《徐三多卖血记》、《活着》都是很苦难的书名，躲着不看。没想到片中余华不乏调味的讲述口吻和略带玩世不恭的讲述态度，让观众看到了悲苦后的乐观生活态度，也许这就是生活。 余华的讲述中，点出了片名，“小的时候，看到的海水是黄色的。每年夏天都在这游泳，有一天我就想一直游，然后我发现自己已经进入一个海流了，我就知道我不能挣扎，我只能跟着海流走……”
这正如余华的创作历程，高考失利在县城做了牙医，为过上在文化局工作人员上班时可以街上随意行走的日子，拿起笔。不停的书写投稿，也许天生的创作天赋，也许带有强敏感的嗅觉能力，让他不几年就实现了作家梦，成为了闻名全国的作家。
作品的最后出现了已远离农村生活之外的梁鸿的儿子，一个都市少年，让他学说梁庄话，只是略显尴尬的语调不由让人疑惑，乡村，真的能重回吗？
影片中余华去北京改作品的细节颇奈人寻味，他需要改动的是结尾，因为编辑认为结尾不够明亮。这也是余华第一次近距离接触并成为真正意义上的文艺人，也是从那里，余华进入了全国级的作家圈。用余华的话说，这也是大多数作品要修改的原因。余华现身说法：“要我改得多明亮我就可以改得多明亮，只要能给我发表。”作品本身是没有生命力的，作品只是按需而编。
影片中还出现了2020年诗坛比较火热的人物贾平凹的女儿贾浅浅。影片拍于2019年，不知道摄者贾导是否会想到某一天这个人物会引起大众的热议。当然，这里只是一个镜头，贾平凹教育女儿的镜头。女人首先要是一个好妻子，好母亲，其次才是自己的追求——优秀的诗人。看得人有点晕，不知这是贾平凹对女人人生的真实认知态度，还是表态自己对女儿的诗歌之路漠不关心，以免提挈之兼。也许是他的真实感受，在作家中，他无疑是成功的，可这成功，让他脸上写满幸福了吗？一幅“白眼看世”的书法反复出现在大幕上。浅浅，这个名字，也许含着贾平凹对人生幸福与否的真实认知。不管味道如何，这就是生活。
年度第10场电影，文学纪录片，贾樟柯作品。 看到片名，就想着一定要去看，完全猜不出这是什么类型的电影。人们常问，海水啊，你为啥这样蓝，海水不就是天生蓝色的吗，怎么还变蓝。一直，这里有坚持。蓝色，蓝色忧郁、蓝调孤独，反正应该很文艺。
给文章以标题，有人说要直接，让看到的人一下子明白主题内容。还有人说标题就是要捉迷藏，让看到的人不明所以，这样才会有看下去的兴趣。如今的标题都是问句，把最关键的字隐而不露，以引诱读者点开。
影片选取了四个不同年代跨越70年的作家，三男一女，由他们自己或他们的亲属讲述他们是如何走上文学艺术创作之路的，在我看来是揭开写作的秘密。
这四个作家分别是上世纪二十年代出生的马烽，由美术而文学。四十年代的贾平凹，六十年代的余华和七十年代的梁鸿。不知道贾导为何选择这四个作家来讲述，四个乡村文字的作者？网上说贾导最初给出的片名是《一个村庄的文学》。此刻一个有趣的发现是，他们共同的特点是出生地域都略偏北，最南的也就是出生于杭州的余华了。也许在那些年代，南方有点文化沙漠。在他们的讲述中，感受中国的变迁。
影片没有情节，为了使内容连贯，用了十八个小标题，可谁又能记住这些小标题呢。好在影片中的四个作家为我这个热爱文字的人所熟悉。对于普通观众，小众到不知所云。且作一堂写作课来看吧。
开头的老人食堂，让观众误以为是反映老年生活的题材，或者是华西村式的改革先锋。慢慢明白是吕梁，是马烽《吕梁英雄传》的诞生地，真诚希望吕梁的老人能永远享受衣食无扰的生活。不知是不是要见证文字与生活的互动影响。后来知道贾导也是吕梁人，为吕梁办了文化节。是马烽后的又一个文化推动地方发展改变？
正如莫言在影片中看戏时所说：演员是当地群众的老师；生活，和作家紧密相连的故事，童年生活是作家的老师。作品和生活，互相滋养。 马烽，在创作止步不前时回到刚解放不久的农村新生活，为农民解决实际问题的同时也创作了贴近新生活的作品。成为当时文坛的一股新风。 贾平凹，生活、创作的不易和坚守。 梁鸿，纪实文学梁庄系列的作者。梁鸿农村的原生家庭正是困苦时代的缩影与挣扎。讲述者几度哽哑失声，画面转而模糊。
余华，未染黑白夹杂的头发略显苍桑。四个讲述者中余华的作品从未读过，但名字一直耳边回荡。《徐三多卖血记》、《活着》都是很苦难的书名，躲着不看。没想到片中余华不乏调味的讲述口吻和略带玩世不恭的讲述态度，让观众看到了悲苦后的乐观生活态度，也许这就是生活。 余华的讲述中，点出了片名，“小的时候，看到的海水是黄色的。每年夏天都在这游泳，有一天我就想一直游，然后我发现自己已经进入一个海流了，我就知道我不能挣扎，我只能跟着海流走……”
这正如余华的创作历程，高考失利在县城做了牙医，为过上在文化局工作人员上班时可以街上随意行走的日子，拿起笔。不停的书写投稿，也许天生的创作天赋，也许带有强敏感的嗅觉能力，让他不几年就实现了作家梦，成为了闻名全国的作家。
作品的最后出现了已远离农村生活之外的梁鸿的儿子，一个都市少年，让他学说梁庄话，只是略显尴尬的语调不由让人疑惑，乡村，真的能重回吗？
影片中余华去北京改作品的细节颇奈人寻味，他需要改动的是结尾，因为编辑认为结尾不够明亮。这也是余华第一次近距离接触并成为真正意义上的文艺人，也是从那里，余华进入了全国级的作家圈。用余华的话说，这也是大多数作品要修改的原因。余华现身说法：“要我改得多明亮我就可以改得多明亮，只要能给我发表。”作品本身是没有生命力的，作品只是按需而编。
影片中还出现了2020年诗坛比较火热的人物贾平凹的女儿贾浅浅。影片拍于2019年，不知道摄者贾导是否会想到某一天这个人物会引起大众的热议。当然，这里只是一个镜头，贾平凹教育女儿的镜头。女人首先要是一个好妻子，好母亲，其次才是自己的追求——优秀的诗人。看得人有点晕，不知这是贾平凹对女人人生的真实认知态度，还是表态自己对女儿的诗歌之路漠不关心，以免提挈之兼。也许是他的真实感受，在作家中，他无疑是成功的，可这成功，让他脸上写满幸福了吗？一幅“白眼看世”的书法反复出现在大幕上。浅浅，这个名字，也许含着贾平凹对人生幸福与否的真实认知。不管味道如何，这就是生活。
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