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【感想】
虚构作品看得多，有利有弊，好处是比较容易因为文娱作品成圈，和其他看这个作品的人产生话题和交集，坏处在于当今时代的流行作品，里面的戏剧逻辑和真实生活相去甚远。剧看多了容易搞不懂人生。
举个例子，大部分戏剧喜欢追求大喜大悲，反差。
喜欢塑造完美受害者，符合当时社会的完美道德要求，却仍然陷入不可反抗的绝境。
举个例子，类似于窦娥冤。
这种看多人容易对现实的恶意产生过度估计，导致没有必要的消极和畏缩。
换句话，现实逻辑里去看很多事情，是没有戏剧世界里的大起大落的，看起来更平淡，更客观，因此也显得更无聊，因为无法调动起情绪。
但现实的逻辑好处是：你照着它去做，是可以切实地改善你的处境的。
【经验】
观察来源于记录。
记录事情发生之初你的预估，试着猜测其中的因果，记录推演的结果，最后也要记住去复盘，看看真实事件和你的预估是否有大的差距。如果有差距，试着去思考为什么会有这种差距。
和别人聊天也可以这样做，在你有精力心态平和的时候，反而应该珍惜不同意见，去问“为什么”，通过为什么去挖掘你不知道的视角，试着拓展视野。
真实是无价之宝。
不对自己说谎的人因为看到真实而获利。

小敏家终于定了！12月11日！我等的好苦！看预告一开始就很有戏剧性，周迅黄磊饰演的角色在剧里谈恋爱没公开，儿子老妈突然来访搞的俩人手忙脚乱，社死的前任现任修罗场也笑到了！目前看完预告给大家理理人物关系：周迅周翊然是一家，李爸是小敏（周迅）的前夫。黄磊向涵之是一家，秦海璐是前妻，人物关系可以说相当微妙。不过黄磊+汪俊的都市剧从来没让人失望过，我率先占好《小敏家》第一排观众席嘻嘻[开学季]

#周迅黄磊意难忘续上了# .
#周迅黄磊秦海璐前任现任修罗场#

#经典电影#尽管已经过去四十年，《哪吒闹海》依然被很多人奉为经典中的经典电影！

尽管已经过去整整四十年，《哪吒闹海》依然被很多人奉为经典中的经典。尤其是影片中哪吒自刎的深沉悲壮，后来的中国动画电影再也不曾达到这样的戏剧高度。

四十年里，那个自由叛逆、充满悲剧色彩的小哪吒，成为了一代又一代青少年的守护神。没有一个孩子不曾为他大闹东海而快意，为他剜肉剔骨、断绝亲情而震撼落泪，也为他骑鹿远去而感到落寞孤独。

他还成为了摇滚精神的象征。在《哪吒闹海》上映20年后，5个“北漂”年轻人将电影里第432号镜头的一帧画面作为乐队LOGO——他们将自刎的哪吒印在衣服上，印在旗帜上，南征北战，高喊着：

“即便是苦痛，也无法阻止我们仰起的头颅。”

1978年夏，《哪吒闹海》摄制组在上海市万航渡路618号成立。

这部片子是上海美术电影制片厂筹备的献礼片，时间紧，任务重。为了保证按时完成高质量的创作，影厂不惜举全厂之力投入到剧组当中：

“参加这部影片创作的有三位导演，一位总美术设计师和四位美术设计师，15位原画设计师，27位动画人员，三位绘景师，三位摄影师，一位作曲家，两位剪辑师，一位录音师，一位拟音师，众多的技术人员和辅助人员以及一位制片主任，一位剧务。”

三位导演分别为：王树忱、严定宪和阿达（徐景达）。

严定宪是原画师出身。动画片《大闹天宫》里的孙悟空，就是由他从静态的漫画造型，一帧一帧落实到动画里去的。

王树忱和阿达是影厂的“三剑客”之二。其中王树忱不仅是《哪吒闹海》的导演，还是编剧。

早在1958年，王树忱就带着《哪吒闹海》的剧本跑去苏谈合作。

对故事很感兴趣，当即决定派《冰雪女王》的导演列夫·阿塔曼诺夫和王树忱联合执导《哪吒闹海》。双方计划在中国取景，在美术片厂进行绘制，要搞一部中国风+技术的鸿篇巨制。

为此，阿塔曼诺夫特地来考察，看山看水看名画，还上了当年的《大众电影》杂志。

他表示要把京剧艺术融入到动画人物的表演中——3年后，这一艺术构想在《大闹天宫》里倒是实现了。

眼看着合作要成了，双方在钱的问题上却没谈拢：“我们要他们派导演，派好的原画师来，多出钱；他们呢，相反，少出钱，要我们出力气。”

然后在剧本上也开始扯皮，曾经不能理解中国人的神话传说，“认为讲迷信啊，斯了又活了，活了又斯了”。

身为辽宁汉子、又有着近十年美术片从业经验的王树忱咽不下这口气，“还要听他的，一副老大哥腔调，把我们看作小老弟”。

最后干脆一个电话请示到美影厂厂长特伟那里，谈不拢，不谈了。

于是王树忱带着“哪吒”打道回国，默默等待机会。

文艺工作者们的春天到了。沉寂数年的美影厂重新恢复了美术片的创作，《哪吒闹海》正好赶上了这一时机。

自觉虚度了十年光阴的动画人们铆足了劲，想把《哪吒闹海》做成中国第一部宽银幕动画片。

在哪吒的故事背景中，“人、神、鬼、兽同台表演；关、海、洞、天景色齐全”，适合用宽银幕来呈现。

最终，他们首次尝试用2.35:1的宽幅来制作动画电影。三位导演满怀雄心壮志，他们一致决定：

《哪吒闹海》的艺术特色，必须是奇、绝、壮、美。

所谓奇，就是故事离奇。为此，王树忱在剧本上对原著进行了大胆的改动。

《哪吒闹海》电影开篇，四海龙王兴风作浪，搅得陈塘关不得安宁，这为日后哪吒闹海埋下了合理性。

但其实在原著中，哪吒的闹海有点蛮不讲理。

在《封神演义》第十二回“陈塘关哪吒出世”里，哪吒因天气炎热，到海边用混天绫蘸水洗澡，不想这宝贝法力无边撼动了龙宫。

龙王差夜叉李艮来问，哪吒仗着自己是“灵珠子应运下世”，口气十分嚣张：“你这畜生是什么东西，也配说话？”

等到火拼起来，哪吒一动怒就打斯了夜叉，抽了敖丙龙筋，却道“便打死他二命也是小事”。

这要放在现代，妥妥的就是一恶少二代啊。

在《封神演义》成书的明代，哪吒应天命扶周灭商就已经是正义之身。哪怕是沙了人，也是为了“磨炼本性”、“完成劫数”，一切都可用天数来解释。反正古人吃这一套。

但若想让现代的观众接受这样一个浑身戾气、恃强凌弱的哪吒，显然是不可能的。

于是王树忱化用民间传说中，龙王贪得无厌、索要童男童女的桥段，反过来将哪吒塑造成天真无邪又正义凛然的少年英雄。

便是后来哪吒自刎，也是忍不了妖龙再作恶，忍不了百姓再受难，忍不了亲生爹爹要沙自己，是他自己的主动牺牲。

这一幕戏是全片的最高潮。

李靖因“天命难违”，挥剑欲砍哪吒，却因哪吒一声“爹爹”而心有不忍，手中宝剑应声落地。

“老妖龙，你听着，我一人做事一人当，不许你们祸害别人！”

“爹爹，你的骨肉我还给你，我不连累你！”

几乎与此同时，乐器合奏的配乐响起，十二个全景、四个中景、六个近景的轮番切换将戏剧张力推向极致，越来越快，就在观众情绪抵达高潮的那一刻，哪吒反手挥剑自纹，音乐、画面戛然而止。

片刻停顿，我们只能看到哪吒的背影静止，剑在手中滑动了一下。哪吒睁眼，泪水滑落，染血的长剑坠向地面。不知多少人在这一刻流下眼泪。

背向观众自纹，这经典的影史一幕是原画师常光希设计的。

但在当时，他的创作如履薄冰。考虑到动画片的受众主要是孩子，导演要求不能太暴力、太血腥。

“反正这一剑总是要下去的，问题是怎么下。”

考虑来考虑去，决定让哪吒背过身去下剑，但又担心画面张力不太够。

原画组组长林文肖——也是后来动画片《舒克和贝塔》的导演跟他建议，让哪吒的头发竖起来后慢慢飘落，象征生命在哪吒的身体里消失。

最终呈现出来的效果，在剪辑的加成下，戏剧张力、表现力、感染力都很到位。

对于我们来说，这可能是童年最为撕心裂肺、肝肠寸断的观影体验。

曾这样评价：多少年后，哪吒长袖飘飘，白衣若雪，在暗如黑夜的暴风雨中，横剑自刎的一幕仍历历在目，这种深沉的悲壮意境，此后的中国动画片再也没有，也无法再现了。

《哪吒闹海》前后只用了一年零三个月就完成了从绘制、拍摄到剪辑的所有工作，一共画了五万八千多张原画，摄制了宽银幕和4:3普通银幕两种规格，可想而知整个团队有多拼。

所有人都自觉加班。在全片进行到精剪阶段，剪辑师肖淮海连着一个星期没有回家。那可是计划经济时代，大家拿的都是固定薪酬，能做到如此，当真是“用爱发电”。

但不疯魔不成活。这种对每一个细节都极致把握的态度，才让《哪吒闹海》成为了影史上大放异彩的经典。

拿一个细节举例。敖丙被哪吒抽了龙筋，龙王敖广气咻咻地去找李靖说道。这里有一场戏是李靖抚琴。

为了让李靖的神情、姿态甚至弹琴的指法都和音乐完美结合，曲子谱好后，主创团队请来专业琴师现场演奏。

琴师在中间抚琴，六位原画师呈扇形围成一圈，多角度速写记录下每个音节的指法。同时摄影师也将琴师演奏时的神态捕捉下来。

这本来只是一处和情节推进没什么关系的细节，他们却以十足的匠心来雕琢。

这做的哪里是动画，分明就是艺术品啊。

类似的惊喜比比皆是。

比如电影开场，随着“上海美术电影制片厂”几个大字浮现，一段青铜编钟音色的配乐响起，马上就把人拉入到中国古典神话的缥缈意境里。

对于出生在80、90年代，看着这部动画电影长大的孩子们来说，让我们震撼的，是少年哪吒对父权的激烈反抗和对自由的决然追求。只是这样的哪吒，在自刎那刻便死去了，纵然莲花复生，但那不再是哪吒。

正因为如此，相较于其他影视剧作品中，哪吒复活后被天庭招安的后续演绎，《哪吒闹海》的结尾处理才显得难能可贵。

快意复仇后的哪吒和家将、昔日伙伴一一告别，骑一匹梅花鹿逍遥远去，没有了血缘的羁绊，无来处无归途，自由自在，唯有此心，耿耿相随。

而那个仗义执言、一身反骨的少年英雄，成为了一代又一代青少年的守护神。

哪吒——这个由师父太乙真人起的名字，曾经被一支年轻的摇滚乐队化为己用。他们在一首名为《闹海》的歌里唱道：

忧郁的孩子们别怕，守护着你们的是哪吒，谁要是再来害人定不饶他。

闹海哪吒 - 他在时间门外