面包店侯麦作为长期在喜剧领域着力的大鹏，悄然的拍出这么一部《吉祥如意》自然是引人好奇的。这是大鹏作为自己商业片路途的一个小插曲还是对自我风格的一种挑战？让人充满疑问，也让人充满期待。电影来自于大鹏真实记录的一段家庭故事，大鹏回到东北农村老家，恰逢三舅母的去世，家里只有一个老年痴呆的三舅，一家人围绕谁来抚养三舅而争论不休。电影半真半假，真在事实为真，镜头背后的人物是鲜活的，而且是用纪录片的拍摄手法去拍摄的，而唯一假的地方在于三舅的女儿丽丽是演员扮演的，这也造就了这部电影的独特性。我认知中的纪录片讲究的是隐藏拍摄者，因为一旦拍摄者的出现就意味着这个事件的叙述不是客观的了，肯定带着主观的色彩，所以优秀的纪录片把摄像机变成观众的一双眼睛，让你自己去看。材料、事实和陈述都在那，导演只用少量的剪辑串联起杂乱的素材，而镜头之外的一切被隔绝才能保证纪录片的“真”和“私”。而所谓的家庭私影像则更得做好隐藏，因为一旦暴露自己的身份存在就会破坏观众的代入感。17年陆庆屹导演拍摄的纪录片《四个春天》在小众范围内掀起了观影潮，观众对于这样的家庭纪录片还是喜爱的，因为它真实的记录了生活和情感。但我作为观众却认为它在某些地方是破坏了纪录片的美感，因为导演为了尽可能好看，在剪辑和摄影上排布出了动人的家庭亲情，但这不是纪录片的本质，摄像机纯粹的沦为了工具化的应用。纪录片里四个春天的片段，可能大部分观众看完了收获的只是动人的家庭日常，而生命无常的窥悟和家庭隐秘的一面都被隔断了。观赏它会让人感动和愉悦，但是作为一部电影的影后反思，它是一部不成熟的电影，作为家庭私影像纪录片人物只有了“动”（行为动作）而没了私（内心深层的记录），况且摄像机暴露的也太多了.同为拍摄家庭故事的纪录片《生活而已》系列就抓住了“私”这个点，纪录片的每一个题材的元素其实都很明显，如果不能产生连续性，那就是跨越了纪录片的界限，甚至让人怀疑这是不是是枝裕和电影的纪实版。而《四个春天》处于这样一个边界，不伦不类的特质越发明显，但好在导演之于乡土的热爱还是诚挚的，是足以打动观众的。说回《吉祥如意》，电影最让人纠结的一个部分在于一次家庭聚餐的戏份，家人为了推诿三舅的抚养归属而争吵起来，作为演员的丽丽情绪奔溃中止拍摄，而真正的丽丽却像局外人一样在一边玩着手机，对外面的一切漠不关心。这一刻的戏剧感达到了一个高潮。三舅作为一个没有生活自理能力的人在老伴去世后成了家庭的累赘，每个人都想丢掉他，甚至女儿丽丽也不甚关心，在这场家庭争吵中扮演丽丽的女演员和丽丽进行了一次真实和虚假的替换。这是一个绝佳的创意，利用人物的替代劈开两种可能并存的空间，但恰好问题也在于此，在这场戏份中大鹏不仅自废武功般的告诉观众这一切是虚假的，也刻意的暴露了摄像机背后的自己。电影于此开始崩坏，摄像机一旦暴露，私密带来的震撼就消减了，观众注意到镜头之外的导演肯定会指责你的冷血和消费家人情感的冷漠，掌镜者的情感和私密的情感一交融则会让观众极度不适。《吉祥如意》也不再是记录而是两个伪纪录片的套片，观众是以对纪录片情感方式去观看的，在此则有被欺骗的失落，而大鹏模糊的不是真实和虚假的界限，而是纪录片和故事片的界限，我们跳脱出摄像机的思绪宛如得知自己在摄影棚中的楚门，电影从一开始传达给我们的真实情感开始变味。那大鹏这是不是讲不好故事而偷懒的鸡贼方式呢。编创故事给人的情感波动和真实故事给人的情感波动是完全不同的。我能在《吉祥》里体验到的些许家庭矛盾的纠结在《如意》里却转变成对导演个人困境的质疑，这样的观影体验是让人不大舒服的。在幕后和大鹏对此片的访谈中，可以看出大鹏是想极力探索着这个长久以来想拍摄的题材，但面对一堆自己拍摄的素材又有些迷惘，而最终给观众呈现的这样一部作品他本人也是有些彷徨的。可以说大鹏的想法到呈现这部电影的姿态都是值得赞赏的，电影里的点点也可以看出大鹏付出的创作心血和一些个人想法，甚至拿出这样的一个私人家庭题材去讲述而没过多担心流言蜚语也是勇敢的。也正是一些不太成熟的想法和不知所措的处理方式而破坏了电影的结构和观众的情感归属，我能想到大鹏到最后一刻都还没定义清楚自己到底拍摄的是剧情片还是纪录片，在最早安排女演员去扮演丽丽时无疑是想当某种创新的剧情片去拍摄的，但随着家庭矛盾和情感的碰撞，大鹏在真实的情感下也自我动摇和怀疑了。有很多伟大的导演都有记录私密影像的自我笔法，比如皮亚维奥利的生命三部曲，像诗一样的记录了家庭、生命和人生，也比如克里斯·马克的《日月无光》用日记的方式记录了东京的旅游见闻，这些伟大的作品都有一个共同的特点，导演都在用某种清晰的题材格式选择去编排自己拍摄的成堆素材，因为时间和情感是无形的，你可以像诗一样宏观的去讲述它也可以像日记一样夹杂大量的私人情感去记叙它。大鹏的这部《吉祥如意》我不能说它是成功的，但之于当下这个浮躁的年代，我看见大鹏诚挚的、对电影热忱的探索之心还是有些感动的，而这样附有真实家庭情感的电影也是我们观众久违的一份感动。
刷完#爱死亡和机器人第二季# ，个人比较喜欢溺毙的巨人、高草和沙漠中的史诺。
巨人的基调很文艺，过程很浪漫，有诗的味道。
高草则是小时候会喜欢听的那类惊悚夜间旅行故事，作死求刺激者的最爱。
史诺商业感比较强，最后合成人与不死人的一吻还是有浪漫到我。
另外圣诞满屋看完真的露出会心一笑，很俏皮的一集，像是一个可爱怪大叔的恶作剧。
巨人的基调很文艺，过程很浪漫，有诗的味道。
高草则是小时候会喜欢听的那类惊悚夜间旅行故事，作死求刺激者的最爱。
史诺商业感比较强，最后合成人与不死人的一吻还是有浪漫到我。
另外圣诞满屋看完真的露出会心一笑，很俏皮的一集，像是一个可爱怪大叔的恶作剧。
历史上的今天
42年前的今天【机动战士高达】开播！
1979年荧屏开播，今年已经42岁的《机动战士高达》，作为给机甲动画带来变革的里程碑式作品经久不衰，如今依然人气坚挺。
～动画粉丝的成长与成熟～
日本商业动画片经过多年发展，形成了百花齐放的局面，现在也依然在进化中。促使其发展的一个巨大契机就是《机动战士高达》。
动画片在很长一段时间内被认为是“小孩子看的玩意儿”。即便是1963年30分钟的TV动画《铁臂阿童木》大热，动画制作开始了稳定的量产之后，大众也依然是这样的看法。颠覆大众这一观念的是1974年的TV动画《宇宙战舰大和号》。虽然播出时收视率并不理想，但1977年上映的重制剧场版却掀起热潮，受众人群已经长大成十几岁的少男少女一事也受到媒体报道。至此开启了新的时代——要求动画作品内容丰富，经得起多次重刷。
以往日本很多动画片都是漫画的动画版，不过1978年月刊杂志《Animage》创刊后，这一状况发生了改变。杂志专业性极高的报道让一直以来认为“是漫画家的助手们在制作动画片”的大众了解到了，其实是“有专门制作动画片的公司，动画片是这些公司的专业创作者们共同努力的结晶”。其结果就是让更多的动画粉丝知道了，在动画片的世界，有着与漫画迥然不同的影像创作流程和技法。然后，大众才慢慢知道了，存在一大批立志创作原创作品的动画人，他们有独立的思考，并以此为基础创作人物角色和故事。就在粉丝追问“有没有更好的作品？”，对好作品的期待不断高涨的时候，1979年，《机动战士高达》闪亮登场了。它来得正是时候。
这部作品是完全原创的动画片，没有原作漫画或小说。原作兼总导演是富野由悠季，负责人物设定和动画导演的是安彦良和，机甲设定是大河原邦男，主创都是动画人。因此，这部动画给了观众“只能从动画影像中获得的兴奋感和未知故事带来的惊喜”，粉丝为之疯狂。构思巧妙的厚重的世界观和故事，让观众不得不费尽心思解读，但包括这种晦涩和隐喻在内，整部作品都让粉丝收获了快乐。
助推这股热潮的是当时正处于普及扩大期的家用录像机。它让观众能够多次重刷动画，去挖掘第一次观看时忽略或没理解的伏笔和细节，也让观众能够将喜欢的动画片推荐给朋友。这算是80年代中期“视频软件销售时代”的先驱吧。即使从这个意义来说，《机动战士高达》也算是一部符合时代节点特色的具有象征性的动画作品了。
～基于真实世界观的机甲动画～
史无前例的厚重作品创作的核心人物，自然非富野由悠季导演莫属。从零开始构筑世界观和故事，将创作者的成果巧妙融合，最后凝结为一部作品展现出来。从2019年6月起举办的美术馆主导的展会“富野由悠季的世界”（福冈市美术馆等）海量的物料，也能多少窥见到这个创作过程。本来《机动战士高达》是为了促销主角机甲的合金玩具而衍生的作品。因此，“只要玩具能卖得好就行”的理念就给了故事极高的自由度。富野导演将这一绝佳机会看作是一个“发挥作家性的平台”并将之发挥到了极致。
最初是从“用现实主义分解和再定义以往的机甲动画”的思路切入的。是一种“再发明”。创意的原点是“想要让全长20米级别的人型机甲设定成立，它就必须是投入巨资的兵器”。以往机甲动画的套路大多是谜之敌对势力（多数是外星人）来攻击地球，然后人类用科学家悄悄准备好的合体机甲迎敌......富野导演对此表示质疑。
既然有战争，那敌我双方就都是人类。为了展现出与过去机甲动画的不同，他把巨大的人型兵器称为“Mobile Suit（机动战士）”。Suit是Space Utility Instruments Tactical 的缩写，意思为战术泛用宇宙机动机械。从质量来看，按理说应该是用在宇宙空间的。从现有科学技术的发展来看，机动战士能够派上用场的地方也仅限于地球和月球一带。考虑到“宇宙VS地球”的这种战争的对立图，于是就采用了美国G·K· 奥尼尔博士（Gerard K.O'Neil）提出的、可行性较高的未来构造物“Space Colony（宇宙殖民地）”作为故事的舞台。
高达的世界观就是在这种浓厚现实色彩的“联想”的基础上创作出来的。因此观众会从影像中获得“可信的强烈真实感”。
～在杀伐硝烟中描写的希望的星星之火～
这部作品长寿的秘诀在于“高达的历史感”。除了“从宏大的时间和空间中截取一部分展示给观众看”的“叙事诗般的视角”，还有将宇宙移民者时代的“宇宙世纪（Universal Century:UC）”设定为“新历法”的操作都是具有划时代意义的。于是作品完结之后，也能够继续编写“宇宙世纪年表”。在动画播出后大卖的周边“高达塑料模型”和年表的协同效应下，“作品里没有描述的世界”也开始扩大了边界。不同于合金玩具，塑料模型是一种可以通过涂装和改造，创造出“用户原创性”的素材。并且还出了漫画、小说版的原创故事，然后这些集体智慧补充的细节都在“一年战争”（吉翁公国(*1)为谋求独立而向地球联邦政府发起的独立战争）中体现了出来。
“高达世界”可以进一步扩大的原因，还是在于原创作品才有的自由度。有原作的动画片大家普遍不接受“魔改”，但如果是原创作品的话，对于没有描写的部分，大家就可以自由地展开想象，因此粉丝也能够积极参与到作品世界中去。于是大家不满足于仅仅作为观众来欣赏作品，还出现了很多人努力地想把高达描绘的东西作为食粮来改变三次元世界。文章开头的那个项目就是一个例子。此外，无论添加什么设定也不会动摇根本的“故事强韧度”也是高达被一代又一代人喜欢的决定性因素。主人公阿姆罗·雷是个十多岁的青涩少年，面对战争带来的压倒性的暴力和成人社会各种不讲理的行为，他的心情非常复杂，时不时就会爆发一次。同时，在战斗中不断找到无可替代的“小伙伴”......
这个具有普遍性的少年的成长故事，最终发展到“进军宇宙的人类的进化”这种“New type(*2)论”上。将宇宙这种接近无限的空间和可能性掌握在手的人类，最终或许能为战争时代拉下帷幕，达成相互理解。这种微小的“希望”在故事的最后展现了出来。无论时代如何发展，只要人的本质不变，这种“无法相互理解”的“绝望”就理应存在。然而，只需要人的认识发生一丁点改变，或许就能离“希望”越来越近了。这种“愿望”，在以机动战士的战斗为中心所描写的杀伐战争中，像星星之火一样闪耀着点点光芒。
《机动战士高达》，聚焦了一群被卷入未来战争的少男少女，用纪录片的笔触来描绘充满亲近感的青春群像剧。但是它并未止步于此，通过战争展现“改变现状的力量”，从而反衬出人类的可能性，给人一种向上的希望，这才是高达最大的魅力。正因为有了这些元素的支撑，高达才能经久不衰。大概如此严谨的结构正是高达独一无二、历久弥新的根本原因吧。
全文请看 日本网 https://t.cn/AikTr1P3
#日本# #高达# #漫画# #动画#
42年前的今天【机动战士高达】开播！
1979年荧屏开播，今年已经42岁的《机动战士高达》，作为给机甲动画带来变革的里程碑式作品经久不衰，如今依然人气坚挺。
～动画粉丝的成长与成熟～
日本商业动画片经过多年发展，形成了百花齐放的局面，现在也依然在进化中。促使其发展的一个巨大契机就是《机动战士高达》。
动画片在很长一段时间内被认为是“小孩子看的玩意儿”。即便是1963年30分钟的TV动画《铁臂阿童木》大热，动画制作开始了稳定的量产之后，大众也依然是这样的看法。颠覆大众这一观念的是1974年的TV动画《宇宙战舰大和号》。虽然播出时收视率并不理想，但1977年上映的重制剧场版却掀起热潮，受众人群已经长大成十几岁的少男少女一事也受到媒体报道。至此开启了新的时代——要求动画作品内容丰富，经得起多次重刷。
以往日本很多动画片都是漫画的动画版，不过1978年月刊杂志《Animage》创刊后，这一状况发生了改变。杂志专业性极高的报道让一直以来认为“是漫画家的助手们在制作动画片”的大众了解到了，其实是“有专门制作动画片的公司，动画片是这些公司的专业创作者们共同努力的结晶”。其结果就是让更多的动画粉丝知道了，在动画片的世界，有着与漫画迥然不同的影像创作流程和技法。然后，大众才慢慢知道了，存在一大批立志创作原创作品的动画人，他们有独立的思考，并以此为基础创作人物角色和故事。就在粉丝追问“有没有更好的作品？”，对好作品的期待不断高涨的时候，1979年，《机动战士高达》闪亮登场了。它来得正是时候。
这部作品是完全原创的动画片，没有原作漫画或小说。原作兼总导演是富野由悠季，负责人物设定和动画导演的是安彦良和，机甲设定是大河原邦男，主创都是动画人。因此，这部动画给了观众“只能从动画影像中获得的兴奋感和未知故事带来的惊喜”，粉丝为之疯狂。构思巧妙的厚重的世界观和故事，让观众不得不费尽心思解读，但包括这种晦涩和隐喻在内，整部作品都让粉丝收获了快乐。
助推这股热潮的是当时正处于普及扩大期的家用录像机。它让观众能够多次重刷动画，去挖掘第一次观看时忽略或没理解的伏笔和细节，也让观众能够将喜欢的动画片推荐给朋友。这算是80年代中期“视频软件销售时代”的先驱吧。即使从这个意义来说，《机动战士高达》也算是一部符合时代节点特色的具有象征性的动画作品了。
～基于真实世界观的机甲动画～
史无前例的厚重作品创作的核心人物，自然非富野由悠季导演莫属。从零开始构筑世界观和故事，将创作者的成果巧妙融合，最后凝结为一部作品展现出来。从2019年6月起举办的美术馆主导的展会“富野由悠季的世界”（福冈市美术馆等）海量的物料，也能多少窥见到这个创作过程。本来《机动战士高达》是为了促销主角机甲的合金玩具而衍生的作品。因此，“只要玩具能卖得好就行”的理念就给了故事极高的自由度。富野导演将这一绝佳机会看作是一个“发挥作家性的平台”并将之发挥到了极致。
最初是从“用现实主义分解和再定义以往的机甲动画”的思路切入的。是一种“再发明”。创意的原点是“想要让全长20米级别的人型机甲设定成立，它就必须是投入巨资的兵器”。以往机甲动画的套路大多是谜之敌对势力（多数是外星人）来攻击地球，然后人类用科学家悄悄准备好的合体机甲迎敌......富野导演对此表示质疑。
既然有战争，那敌我双方就都是人类。为了展现出与过去机甲动画的不同，他把巨大的人型兵器称为“Mobile Suit（机动战士）”。Suit是Space Utility Instruments Tactical 的缩写，意思为战术泛用宇宙机动机械。从质量来看，按理说应该是用在宇宙空间的。从现有科学技术的发展来看，机动战士能够派上用场的地方也仅限于地球和月球一带。考虑到“宇宙VS地球”的这种战争的对立图，于是就采用了美国G·K· 奥尼尔博士（Gerard K.O'Neil）提出的、可行性较高的未来构造物“Space Colony（宇宙殖民地）”作为故事的舞台。
高达的世界观就是在这种浓厚现实色彩的“联想”的基础上创作出来的。因此观众会从影像中获得“可信的强烈真实感”。
～在杀伐硝烟中描写的希望的星星之火～
这部作品长寿的秘诀在于“高达的历史感”。除了“从宏大的时间和空间中截取一部分展示给观众看”的“叙事诗般的视角”，还有将宇宙移民者时代的“宇宙世纪（Universal Century:UC）”设定为“新历法”的操作都是具有划时代意义的。于是作品完结之后，也能够继续编写“宇宙世纪年表”。在动画播出后大卖的周边“高达塑料模型”和年表的协同效应下，“作品里没有描述的世界”也开始扩大了边界。不同于合金玩具，塑料模型是一种可以通过涂装和改造，创造出“用户原创性”的素材。并且还出了漫画、小说版的原创故事，然后这些集体智慧补充的细节都在“一年战争”（吉翁公国(*1)为谋求独立而向地球联邦政府发起的独立战争）中体现了出来。
“高达世界”可以进一步扩大的原因，还是在于原创作品才有的自由度。有原作的动画片大家普遍不接受“魔改”，但如果是原创作品的话，对于没有描写的部分，大家就可以自由地展开想象，因此粉丝也能够积极参与到作品世界中去。于是大家不满足于仅仅作为观众来欣赏作品，还出现了很多人努力地想把高达描绘的东西作为食粮来改变三次元世界。文章开头的那个项目就是一个例子。此外，无论添加什么设定也不会动摇根本的“故事强韧度”也是高达被一代又一代人喜欢的决定性因素。主人公阿姆罗·雷是个十多岁的青涩少年，面对战争带来的压倒性的暴力和成人社会各种不讲理的行为，他的心情非常复杂，时不时就会爆发一次。同时，在战斗中不断找到无可替代的“小伙伴”......
这个具有普遍性的少年的成长故事，最终发展到“进军宇宙的人类的进化”这种“New type(*2)论”上。将宇宙这种接近无限的空间和可能性掌握在手的人类，最终或许能为战争时代拉下帷幕，达成相互理解。这种微小的“希望”在故事的最后展现了出来。无论时代如何发展，只要人的本质不变，这种“无法相互理解”的“绝望”就理应存在。然而，只需要人的认识发生一丁点改变，或许就能离“希望”越来越近了。这种“愿望”，在以机动战士的战斗为中心所描写的杀伐战争中，像星星之火一样闪耀着点点光芒。
《机动战士高达》，聚焦了一群被卷入未来战争的少男少女，用纪录片的笔触来描绘充满亲近感的青春群像剧。但是它并未止步于此，通过战争展现“改变现状的力量”，从而反衬出人类的可能性，给人一种向上的希望，这才是高达最大的魅力。正因为有了这些元素的支撑，高达才能经久不衰。大概如此严谨的结构正是高达独一无二、历久弥新的根本原因吧。
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