景德镇有一位手艺人，用十余年的时间，研究唐宋手艺“绞胎”，用泥土做出大自然最美的花纹，细腻的荷花，流动的海浪，天上的明月，和飘忽不定的烟云。
他让泥土变成了中国人才懂的浪漫。
对于爱莲之人，没有见过荷花的夏天，是不完整的。
我见过一瓣“粉荷”，在景德镇陶瓷大学附近一幢民宅里，像婴儿脸颊的细粉，花瓣里长出条条红丝、黄丝、白丝，嫩得如同徐志摩的那句：“最是那一低头的温柔，仿佛一朵水莲花不胜凉风的娇羞。”令人温软，不忍触碰。
这是一瓣茶则，不能说是像，而是相信它是真的荷花瓣，从池塘里采来，施个法就成了一件器。
这条条细腻的纹路，不是画出来的，更是绘画、任何陶瓷技法都没办法达到的，是将不同颜色的泥土组合而成，这门工艺，叫绞胎。花纹由胎而生，内外相透，一胎一面，被称为“君子之瓷”。
这像从泥土里长出的花纹，总有一种奔放的真实的生命力，如同创作它的人，祝琛，十几年如一日地挑战绞胎的极限。
在祝琛身上有许多反差，第一次见到他根本想不到，这位从北方来的兄台，长得壮硕，手指健粗，却做出了最细腻的荷花瓣，怀着一颗玲珑心，把南方虚无缥缈的山水美学留在绞胎里。
或者根本想象不到这是一位艺术家，或者也说不清艺术家该是怎么样的，但有一种该是祝琛这样的：在粗糙的世界里，做着细腻的事情。
初来祝琛的工作室，吓了一跳，隐没在城中村的一幢民宅里，拾阶而上，台面泥灰渐多，正困惑着会有个怎么样的会见时，一个低沉浑厚的声音响在耳边：“来啦！”
穿着短T、拖鞋的祝老师领我们去向他的工作室，门前闲闲散散摆着些绞胎瓷的碎片，积上了厚厚的泥灰，我想他的工作室应该不会比这更朴素了吧。
触目所及，一层一层的架子上，只有杯盘碗碟、泥土、碎瓷，和刮片、割泥的弓、扫尘的刷子的工具，还有一张喝茶的桌子，这几乎是工作室的全部，乱中有序，让人有一种实在的从容。
遇上断电，祝老师无暇顾及，任我们随意看看摸摸。架子上零落散着各种绞胎瓷，胸中顿生惊奇：“这绞胎可真像两色阿尔卑斯糖”。
蓝泥或者红棕泥与白泥揉和，做出独立山峰的轮廓，层层叠叠，从盏心到盏沿；或者深褐、浅褐与白泥一起，搅拌出树木的纹理，或江水的波纹；或者一些具有现代风格的几何花纹......
在陶瓷上画草木虫鱼、人物故事是一种“装饰艺术”，用得最多的是画、彩绘，绞胎也是装饰工艺，唐宋时就已有，但在后来的历史中日渐没落消逝，没有了传承。
现在绞胎的花纹要能做到比画好，非常难，因为它是不同颜色的泥土，诞生不同的花纹。此时坐在对面的祝琛拿起茶杯，看着窗外，沉沉露出一句话：“终归到底就是好好做东西，把东西做好，不用去想那些。”好到什么的程度？“其他陶瓷技术都达不到的程度。”
茶桌上有一个银杏叶碗，碗底是一瓣银杏叶。扇形的叶瓣上有一丝丝宛如叶脉的细丝，从叶根通达到叶尖，却并不僵直死板，而像活了一样。而在它的底部，是同一片银杏叶。
绞胎的“极致细腻”，除了银杏，还有前头提到的花瓣茶则，以及荷花碗。一条条红丝，若藕丝般细腻，却不僵硬，有伸展、散发，像是从荷花的枝枝蔓蔓中活着生长出来一样。
这种宛如从泥土里长出来一样的花纹，是浅浅一层绘画做不到的。但对于祝琛，这里还有对绞胎的技法克服。
高温之下，泥土并不听话，不同颜色泥土的伸展、发散的程度不同，有的大点儿，有的小点儿，有的收缩厉害，有的扩张，各有各的想法。调和好了皆大欢喜，不好就是开裂、歪、凹凸不平。
当极致细腻、极致微观的花纹都能做出来的时候，就是一种成功，最后“别人看到的就不再是工艺，而是震惊于绞胎竟然这样美。”
这种极致的美，来自死磕，用祝琛的话来说：“我是一个比较犟的人”。犟对于美，或许是一件好事。
祝琛的生活很简单，不做绞胎的时候，“就这样坐着、喝茶、空想”。但在做绞胎这件事情上，却是一个很跳跃的人。
“我做花纹的时候想追求花纹的复杂程度，做技法，当做出来之后，就不再去追求了。”极致细腻、规律的另一个极端，是否可以不规律，但又很美。
“浪”一个极具起伏的动作，海面上，它乘风而起，水花朵朵，有时簇得高，有时簇得低。祝琛做海浪，只给它一个飞扬的走向，可是有多高、多弯、浪尖多细，都是炉火里泥土最终去完成的。
祝琛工作室那一排“海上明月杯”，每一个都不一样。海浪高耸者，浪花簇簇，天上月影遥遥，颇有些“海上生明月，天涯共此时”的关怀。
有的浪却只低低地起伏了一下，显得低沉，像“举杯邀明月，对影成三人”的孤单，或者“人散后，一钩新月天如水”的落寞。
泥有了千变万化，美就有了千形万象。然而自由的背后，面对的是意外。祝琛做了一个盘子，唯有中间一道黄褐的花纹横穿而过，其余都是紫砂泥。
一块泥土上，花纹复杂但规律时，每个方向拉扯的力度是均匀的，开裂的可能性相对小。但这样孤零零一道不同颜色的泥搅合一起，仿佛一个拳头打进去，极易破裂。
做好一件，要比均匀的花纹花很多时间，一个周期一个周期地尝试。成功以后，那紫砂土上的一道花纹，令人惊艳，孤独又利落，一圈一圈如宇宙的星轨，摄人心魄。
相比规律鲜亮的花纹，这黑漆漆的一件，孤单单的纹路，很少人喜欢。祝琛喜欢做这样的尝试，一方面，挑战简单，是对绞胎的更高要求。
另一方面泥土带来的不确定与变化，却让他感到惊奇，享受惊喜是他的快乐。至于结果，“不稳定是考验，也是意外”，有好，也有坏。
中国的留白对祝琛有着迷之吸引力，但一个在北方长大的人对这种意境，缺乏想象。
“北方的山和南方的山不一样，北方是石头山，下雨后它不会有雾气，但是南方就不一样，我看见它下雨后飘着东西。”那是云烟、和未散的水汽，青山隐约其中。
话到此处，祝老师胸中欢喜，他爱上这里的山，喜欢骑着摩托车在风里跑，余云散山显。早在天津读本科时，他就想把有一天可以用绞胎做出山的诗意，但是“那时候我做不出来的”。
做过五颜六色的泥土，千遍百遍摸过泥水，有了底气，祝琛才有了时机。他终于知道有两种白泥，可以融合一块，烧制后，上下各一道，如同光与影，似雨停云散后，日影初漏，深深浅浅，带着点飘忽不定，这便是南方的山。
慢慢地，会做山峰的青绿色，远黛色，一条条山线、云脉，形成山林的起伏，云雾的朦胧，雨丝的断续。祝琛的绞胎迎来了诗意之美。
“我个人很喜欢这种意境的东西，很简单，也比较复杂。”以无胜有，是中国人最浪漫的美好。
渐渐明白，留白原来那么不容易做到。不是看不懂的书法，叫留白；看不懂的画，叫诗意；读不明的诗，叫意境。留白不粗糙，更不该被粗糙地理解。
诚如祝琛所言：“这必须经过很长的一个探索，不是一步就达到的状态，不可能。”
未曾对花纹做过复杂、细腻，未曾把把技艺做到极致，未拥有过丰富，如何减，如何留。留白不是什么都没有，什么都没有经历，而是存在后，沉沥出来的简单。
茶喝到最后，祝琛说自己做过一条鱼，跃在盘上、盘底，如飘如飞，但他以后不会再做了。
“因为我觉得绞胎做出来的没有画的好看，工笔画出来的可能比它更生动，那就没有做的必要。”要做只能是绞胎才能表达的美，这样它才有“存在”。
心中欣喜，不为了讨好任何而存在，把全部的身心集中起来去做，用一个饱满的状态去抵达，这种存在才深刻，美才有了唯一。
迎合是一件容易却粗糙的事情，真实与细腻地对它最好的反击，好在依然有着心怀美好的人们。但愿世界的粗糙，没有埋没美好。#弘耑纪录##弘耑访谈#
他让泥土变成了中国人才懂的浪漫。
对于爱莲之人，没有见过荷花的夏天，是不完整的。
我见过一瓣“粉荷”，在景德镇陶瓷大学附近一幢民宅里，像婴儿脸颊的细粉，花瓣里长出条条红丝、黄丝、白丝，嫩得如同徐志摩的那句：“最是那一低头的温柔，仿佛一朵水莲花不胜凉风的娇羞。”令人温软，不忍触碰。
这是一瓣茶则，不能说是像，而是相信它是真的荷花瓣，从池塘里采来，施个法就成了一件器。
这条条细腻的纹路，不是画出来的，更是绘画、任何陶瓷技法都没办法达到的，是将不同颜色的泥土组合而成，这门工艺，叫绞胎。花纹由胎而生，内外相透，一胎一面，被称为“君子之瓷”。
这像从泥土里长出的花纹，总有一种奔放的真实的生命力，如同创作它的人，祝琛，十几年如一日地挑战绞胎的极限。
在祝琛身上有许多反差，第一次见到他根本想不到，这位从北方来的兄台，长得壮硕，手指健粗，却做出了最细腻的荷花瓣，怀着一颗玲珑心，把南方虚无缥缈的山水美学留在绞胎里。
或者根本想象不到这是一位艺术家，或者也说不清艺术家该是怎么样的，但有一种该是祝琛这样的：在粗糙的世界里，做着细腻的事情。
初来祝琛的工作室，吓了一跳，隐没在城中村的一幢民宅里，拾阶而上，台面泥灰渐多，正困惑着会有个怎么样的会见时，一个低沉浑厚的声音响在耳边：“来啦！”
穿着短T、拖鞋的祝老师领我们去向他的工作室，门前闲闲散散摆着些绞胎瓷的碎片，积上了厚厚的泥灰，我想他的工作室应该不会比这更朴素了吧。
触目所及，一层一层的架子上，只有杯盘碗碟、泥土、碎瓷，和刮片、割泥的弓、扫尘的刷子的工具，还有一张喝茶的桌子，这几乎是工作室的全部，乱中有序，让人有一种实在的从容。
遇上断电，祝老师无暇顾及，任我们随意看看摸摸。架子上零落散着各种绞胎瓷，胸中顿生惊奇：“这绞胎可真像两色阿尔卑斯糖”。
蓝泥或者红棕泥与白泥揉和，做出独立山峰的轮廓，层层叠叠，从盏心到盏沿；或者深褐、浅褐与白泥一起，搅拌出树木的纹理，或江水的波纹；或者一些具有现代风格的几何花纹......
在陶瓷上画草木虫鱼、人物故事是一种“装饰艺术”，用得最多的是画、彩绘，绞胎也是装饰工艺，唐宋时就已有，但在后来的历史中日渐没落消逝，没有了传承。
现在绞胎的花纹要能做到比画好，非常难，因为它是不同颜色的泥土，诞生不同的花纹。此时坐在对面的祝琛拿起茶杯，看着窗外，沉沉露出一句话：“终归到底就是好好做东西，把东西做好，不用去想那些。”好到什么的程度？“其他陶瓷技术都达不到的程度。”
茶桌上有一个银杏叶碗，碗底是一瓣银杏叶。扇形的叶瓣上有一丝丝宛如叶脉的细丝，从叶根通达到叶尖，却并不僵直死板，而像活了一样。而在它的底部，是同一片银杏叶。
绞胎的“极致细腻”，除了银杏，还有前头提到的花瓣茶则，以及荷花碗。一条条红丝，若藕丝般细腻，却不僵硬，有伸展、散发，像是从荷花的枝枝蔓蔓中活着生长出来一样。
这种宛如从泥土里长出来一样的花纹，是浅浅一层绘画做不到的。但对于祝琛，这里还有对绞胎的技法克服。
高温之下，泥土并不听话，不同颜色泥土的伸展、发散的程度不同，有的大点儿，有的小点儿，有的收缩厉害，有的扩张，各有各的想法。调和好了皆大欢喜，不好就是开裂、歪、凹凸不平。
当极致细腻、极致微观的花纹都能做出来的时候，就是一种成功，最后“别人看到的就不再是工艺，而是震惊于绞胎竟然这样美。”
这种极致的美，来自死磕，用祝琛的话来说：“我是一个比较犟的人”。犟对于美，或许是一件好事。
祝琛的生活很简单，不做绞胎的时候，“就这样坐着、喝茶、空想”。但在做绞胎这件事情上，却是一个很跳跃的人。
“我做花纹的时候想追求花纹的复杂程度，做技法，当做出来之后，就不再去追求了。”极致细腻、规律的另一个极端，是否可以不规律，但又很美。
“浪”一个极具起伏的动作，海面上，它乘风而起，水花朵朵，有时簇得高，有时簇得低。祝琛做海浪，只给它一个飞扬的走向，可是有多高、多弯、浪尖多细，都是炉火里泥土最终去完成的。
祝琛工作室那一排“海上明月杯”，每一个都不一样。海浪高耸者，浪花簇簇，天上月影遥遥，颇有些“海上生明月，天涯共此时”的关怀。
有的浪却只低低地起伏了一下，显得低沉，像“举杯邀明月，对影成三人”的孤单，或者“人散后，一钩新月天如水”的落寞。
泥有了千变万化，美就有了千形万象。然而自由的背后，面对的是意外。祝琛做了一个盘子，唯有中间一道黄褐的花纹横穿而过，其余都是紫砂泥。
一块泥土上，花纹复杂但规律时，每个方向拉扯的力度是均匀的，开裂的可能性相对小。但这样孤零零一道不同颜色的泥搅合一起，仿佛一个拳头打进去，极易破裂。
做好一件，要比均匀的花纹花很多时间，一个周期一个周期地尝试。成功以后，那紫砂土上的一道花纹，令人惊艳，孤独又利落，一圈一圈如宇宙的星轨，摄人心魄。
相比规律鲜亮的花纹，这黑漆漆的一件，孤单单的纹路，很少人喜欢。祝琛喜欢做这样的尝试，一方面，挑战简单，是对绞胎的更高要求。
另一方面泥土带来的不确定与变化，却让他感到惊奇，享受惊喜是他的快乐。至于结果，“不稳定是考验，也是意外”，有好，也有坏。
中国的留白对祝琛有着迷之吸引力，但一个在北方长大的人对这种意境，缺乏想象。
“北方的山和南方的山不一样，北方是石头山，下雨后它不会有雾气，但是南方就不一样，我看见它下雨后飘着东西。”那是云烟、和未散的水汽，青山隐约其中。
话到此处，祝老师胸中欢喜，他爱上这里的山，喜欢骑着摩托车在风里跑，余云散山显。早在天津读本科时，他就想把有一天可以用绞胎做出山的诗意，但是“那时候我做不出来的”。
做过五颜六色的泥土，千遍百遍摸过泥水，有了底气，祝琛才有了时机。他终于知道有两种白泥，可以融合一块，烧制后，上下各一道，如同光与影，似雨停云散后，日影初漏，深深浅浅，带着点飘忽不定，这便是南方的山。
慢慢地，会做山峰的青绿色，远黛色，一条条山线、云脉，形成山林的起伏，云雾的朦胧，雨丝的断续。祝琛的绞胎迎来了诗意之美。
“我个人很喜欢这种意境的东西，很简单，也比较复杂。”以无胜有，是中国人最浪漫的美好。
渐渐明白，留白原来那么不容易做到。不是看不懂的书法，叫留白；看不懂的画，叫诗意；读不明的诗，叫意境。留白不粗糙，更不该被粗糙地理解。
诚如祝琛所言：“这必须经过很长的一个探索，不是一步就达到的状态，不可能。”
未曾对花纹做过复杂、细腻，未曾把把技艺做到极致，未拥有过丰富，如何减，如何留。留白不是什么都没有，什么都没有经历，而是存在后，沉沥出来的简单。
茶喝到最后，祝琛说自己做过一条鱼，跃在盘上、盘底，如飘如飞，但他以后不会再做了。
“因为我觉得绞胎做出来的没有画的好看，工笔画出来的可能比它更生动，那就没有做的必要。”要做只能是绞胎才能表达的美，这样它才有“存在”。
心中欣喜，不为了讨好任何而存在，把全部的身心集中起来去做，用一个饱满的状态去抵达，这种存在才深刻，美才有了唯一。
迎合是一件容易却粗糙的事情，真实与细腻地对它最好的反击，好在依然有着心怀美好的人们。但愿世界的粗糙，没有埋没美好。#弘耑纪录##弘耑访谈#
#健康养生##中医##中医养生# 【“望、闻、问、切”，正确认识中医四诊！】
中医门诊上也经常看到这样的场景：患者一进门，坐下之后的第一件事，就是把胳膊伸出来，说：“大夫，给我号号脉，看我有什么病。”
难道中医诊病只靠号脉吗？其实不然。中医讲究的是“四诊合参”，脉诊只是其中一种，中医临床诊治时光靠号脉是远远不够的。下面详细介绍一下中医四诊。
所谓中医四诊，是指望、闻、问、切。这是我国古代名医扁鹊在总结前人经验的基础上所提出的四种诊法。当时扁鹊称之为“望色、听声、写影及切脉”。我国现存最早的中医理论著作《黄帝内经》载：“诊法何如……切脉动静而视精明，察五色，观五脏有余不足，六腑强弱，形之盛衰，以此参伍，决死生之分。”可见诊法是对人体进行全面诊察的方法，借以判断人的健康与疾病状态。中医四诊法一直沿用至今，是中医诊断疾病和辨证施治的重要依据。
望诊
望诊，顾名思义就是用眼睛看，包括观察形体、精神状态、面色、舌头、排出物等，通过对患者进行观察来了解病情。中医学长期的实践证明，人体外部和五脏六腑有着密切关系，特别是人的脸部、舌部，因此通过对外部的观察，可以了解整体病变，即《黄帝内经》中所言：“视其外应，以知其内藏，则知所病矣。”望全身情况包括望神、望色、望形、望态四个方面。望局部情况包括望头面、望五官、望颈项、望躯体、望四肢、望二阴及望皮肤等。望舌包括望舌质、望舌苔两部分，望排出物包括望分泌物、望呕吐物及望排泄物等。另外，儿科还有专门诊法，即望小儿食指络脉。
以望色为例，一个患者走进诊室，中医大夫一眼望去，看到其面色发黄，枯槁无光，就知道这个患者有可能脾虚失运，气血不足。再比如望舌，不同人的舌头各不相同，若舌苔黄厚，还有剥脱，一看就知道这个患者湿热内盛，同时还有胃阴不足。
闻诊
闻诊，包括听声音和嗅气味，通过这两种手段来了解健康状况，诊察疾病。听声音指的是诊察患者的呼吸、咳嗽、呕吐、喷嚏、肠鸣等各种声响。嗅气味指的是嗅患者体内发出的各种气味以及分泌物、排泄物等气味。人体的各种声音和气味，都是内在脏腑的生理活动和病理变化过程中产生的，能反应脏腑的生理和病理变化。比如有的患者咳嗽声重浊沉闷，多属实证，为寒痰湿浊停聚于肺，肺失肃降所致。再比如嗅病室之气，如一进病房就能闻到烂苹果样气味，多见于糖尿病重症。
问诊
问诊是医生与患者直接进行语言交流的临床信息采集方法，在疾病诊察过程中具有十分重要的地位。对于疾病的很多情况如病史、家族史等，只有通过问诊才能得到。了解这些情况，可以为医生分析病情，判断病位，掌握病性，进而辨证论治提供可靠的依据。特别是患者尚未出现客观体征，仅有自觉症状时，只有通过问诊，医生才能抓住疾病的线索，做出诊断。中医“十问歌”，把需要问诊的内容归纳在了一起，非常详尽，这也是每个中医人的必会歌诀之一。
切诊
切，即接触、靠近、按压的意思。切诊就是医生用手指或手掌对患者的某些部位进行触、摸、按、压，从而了解病情，诊察疾病的方法。切诊作为中医四诊之一，在获取患者的健康与疾病信息、获得重要的辨证资料方面，起着非常重要作用。切诊包括按诊和切脉。
按诊，指医生用手给患者做检查，以了解患者身体局部是冷是热，是润是燥，是软是硬，以及有无压痛、肿块等其他异常变化，从而推断疾病的部位、性质和病情轻重等。
切脉，就是常说的号脉、把脉、摸脉等。医生用手指对患者某些特定部位的浅表动脉进行切按，体会脉动应指的形象，进而了解身体状况。中医学认为，人体血脉贯通全身，内连脏腑，外系肌表。心主血脉，脉为血府，心的阳气能推动气血运行在脉管中。因此，脉象能够反映全身脏腑的功能、气血、阴阳等综合信息。关于脉诊部位，历史上有很多种，应用最广泛的有三种。一是三部九候诊法，二是三部诊法，三是寸口诊法。现在临床最常用的是第三种。脉诊在长期医疗实践中得到了历代中医大家的重视，其理论和应用也不断得以发展和完善，形成了中医学最具特色的诊断方法之一。
望、闻、问、切是中医调查、了解疾病的四种方法，各有其独特作用，不能相互取代。疾病是一个复杂的过程，其临床表现可体现在多个方面的千变万化，若仅以单一诊法进行诊察，会造成辨证信息的残缺，进而对论治产生影响。而且，中医四诊之间有相互参照、补充、证明的作用。要想全面了解病情，保证临床资料的准确性、全面性，必须将所有诊法有机结合起来，望时有闻，闻时有问，问时有切，不可仅凭一种诊法来断病。医生若是对切诊、望诊等单一诊法情有独钟，甚或有研究或专长，当然值得称道，但是取一法而舍三法，以一诊而代四诊，不可取。只有做到“四诊合参”，综合全面地考察患者病情，才能做出正确的诊断。
文｜中国中医科学院望京医院 李光宇
中医门诊上也经常看到这样的场景：患者一进门，坐下之后的第一件事，就是把胳膊伸出来，说：“大夫，给我号号脉，看我有什么病。”
难道中医诊病只靠号脉吗？其实不然。中医讲究的是“四诊合参”，脉诊只是其中一种，中医临床诊治时光靠号脉是远远不够的。下面详细介绍一下中医四诊。
所谓中医四诊，是指望、闻、问、切。这是我国古代名医扁鹊在总结前人经验的基础上所提出的四种诊法。当时扁鹊称之为“望色、听声、写影及切脉”。我国现存最早的中医理论著作《黄帝内经》载：“诊法何如……切脉动静而视精明，察五色，观五脏有余不足，六腑强弱，形之盛衰，以此参伍，决死生之分。”可见诊法是对人体进行全面诊察的方法，借以判断人的健康与疾病状态。中医四诊法一直沿用至今，是中医诊断疾病和辨证施治的重要依据。
望诊
望诊，顾名思义就是用眼睛看，包括观察形体、精神状态、面色、舌头、排出物等，通过对患者进行观察来了解病情。中医学长期的实践证明，人体外部和五脏六腑有着密切关系，特别是人的脸部、舌部，因此通过对外部的观察，可以了解整体病变，即《黄帝内经》中所言：“视其外应，以知其内藏，则知所病矣。”望全身情况包括望神、望色、望形、望态四个方面。望局部情况包括望头面、望五官、望颈项、望躯体、望四肢、望二阴及望皮肤等。望舌包括望舌质、望舌苔两部分，望排出物包括望分泌物、望呕吐物及望排泄物等。另外，儿科还有专门诊法，即望小儿食指络脉。
以望色为例，一个患者走进诊室，中医大夫一眼望去，看到其面色发黄，枯槁无光，就知道这个患者有可能脾虚失运，气血不足。再比如望舌，不同人的舌头各不相同，若舌苔黄厚，还有剥脱，一看就知道这个患者湿热内盛，同时还有胃阴不足。
闻诊
闻诊，包括听声音和嗅气味，通过这两种手段来了解健康状况，诊察疾病。听声音指的是诊察患者的呼吸、咳嗽、呕吐、喷嚏、肠鸣等各种声响。嗅气味指的是嗅患者体内发出的各种气味以及分泌物、排泄物等气味。人体的各种声音和气味，都是内在脏腑的生理活动和病理变化过程中产生的，能反应脏腑的生理和病理变化。比如有的患者咳嗽声重浊沉闷，多属实证，为寒痰湿浊停聚于肺，肺失肃降所致。再比如嗅病室之气，如一进病房就能闻到烂苹果样气味，多见于糖尿病重症。
问诊
问诊是医生与患者直接进行语言交流的临床信息采集方法，在疾病诊察过程中具有十分重要的地位。对于疾病的很多情况如病史、家族史等，只有通过问诊才能得到。了解这些情况，可以为医生分析病情，判断病位，掌握病性，进而辨证论治提供可靠的依据。特别是患者尚未出现客观体征，仅有自觉症状时，只有通过问诊，医生才能抓住疾病的线索，做出诊断。中医“十问歌”，把需要问诊的内容归纳在了一起，非常详尽，这也是每个中医人的必会歌诀之一。
切诊
切，即接触、靠近、按压的意思。切诊就是医生用手指或手掌对患者的某些部位进行触、摸、按、压，从而了解病情，诊察疾病的方法。切诊作为中医四诊之一，在获取患者的健康与疾病信息、获得重要的辨证资料方面，起着非常重要作用。切诊包括按诊和切脉。
按诊，指医生用手给患者做检查，以了解患者身体局部是冷是热，是润是燥，是软是硬，以及有无压痛、肿块等其他异常变化，从而推断疾病的部位、性质和病情轻重等。
切脉，就是常说的号脉、把脉、摸脉等。医生用手指对患者某些特定部位的浅表动脉进行切按，体会脉动应指的形象，进而了解身体状况。中医学认为，人体血脉贯通全身，内连脏腑，外系肌表。心主血脉，脉为血府，心的阳气能推动气血运行在脉管中。因此，脉象能够反映全身脏腑的功能、气血、阴阳等综合信息。关于脉诊部位，历史上有很多种，应用最广泛的有三种。一是三部九候诊法，二是三部诊法，三是寸口诊法。现在临床最常用的是第三种。脉诊在长期医疗实践中得到了历代中医大家的重视，其理论和应用也不断得以发展和完善，形成了中医学最具特色的诊断方法之一。
望、闻、问、切是中医调查、了解疾病的四种方法，各有其独特作用，不能相互取代。疾病是一个复杂的过程，其临床表现可体现在多个方面的千变万化，若仅以单一诊法进行诊察，会造成辨证信息的残缺，进而对论治产生影响。而且，中医四诊之间有相互参照、补充、证明的作用。要想全面了解病情，保证临床资料的准确性、全面性，必须将所有诊法有机结合起来，望时有闻，闻时有问，问时有切，不可仅凭一种诊法来断病。医生若是对切诊、望诊等单一诊法情有独钟，甚或有研究或专长，当然值得称道，但是取一法而舍三法，以一诊而代四诊，不可取。只有做到“四诊合参”，综合全面地考察患者病情，才能做出正确的诊断。
文｜中国中医科学院望京医院 李光宇
光束游戏RAyinGallery摄影空间 | 1400㎡ 太原
“我们生于光。我们通过光感受四季。”——路易斯·康
路易斯·康是建筑设计中光影运用的开拓者，他认为空间应该是一个能让人在精神感受纯粹的地方。在这里，让一些空间可以是“无限的”，但也有一些空间就应该完全地“有限”。不同光引发空间的不同节奏感，室内空间随着光环境的变化而产生丰富的表情。
空间与光是不可分离的，因为所有对建筑的空间体验都要有光。即使在完全的黑暗中，仅凭听、摸或闻所掌握的具体的空间体验，其实也参照了通过视觉和光线建立的对空间的理解。
本案项目位于太原市万柏林区，紧邻万柏林生态园。项目希望围绕品牌“留住此刻”，打造一家以故事性来记录当下生活的摄影空间。“光”是摄影和空间两个不同艺术领域中相通的元素，摄影就是光的艺术，而对于空间体验也同样重要。
光是组成摄影的重要部分，有光才有影。摄影就是用光来作画，如何利用光与影的关系来构成影像和影调，是摄影创作中的一大关键。
太阳从日出到日落，一分一秒都在改变位置，因此，照射在被摄体上的光也会随着太阳位置的推移而不断改变角度。随着角度的改变，被摄体表面的质感描写，阴影的均衡都会直接影响整体的表现效果。
原建筑为一个层高8米的钢结构建筑体，设计从光的三原色——“蓝、红、绿”的概念出发，由这三种不能再分解的基本色彩可以组合成无数其他色彩，以这三种颜色作为不同区域空间的主题色，预示着空间未来更多的变化。
设计方案从“来自美术馆的一束光”为主题，在空间上让光为建筑的体量、空间和表面赋予性格和表现力，显示出材料的形状、重量、硬度、肌理、温度、光滑度、温度等方面，在拍摄的同时以光为主题的空间也能帮助灵感不断迸发。
光控制着生物体的生命进程，甚至人类的某些激素活动也依赖于光。光影响着我们的情绪、活跃性和体能水平。
设计构思以展示作为所有空间的内核，从“光之画廊”搭建整个空间形态，通过建筑语言引入室内，形成高辨识度的视觉效果和空间记忆。设计上打破常规适用区域“一室一用”，使其满足“一室多用”，赋予空间多重属性，更大限度的促进空间与人的互动性，形成品牌在空间上的记忆。
通过前厅吧台对面圆形公共区，可以看到悬挑的空间盒子，彼此独立但又充满一定的私密感。顺着台阶往里走，立刻置身于一个层次更加复杂的空间之中，红色配合灯光将空间点亮。每个空间都设有开口，保证其功能的同时又保留体验的趣味。
在一层的公共空间中，光妥帖的透过结构的开口洒在区域内，通过设计的手法将建筑体块进行融合与穿插，让人的活动在此更加多样，设计将室外交往活动中最基础的人际交往方式（散步、停留、小坐、观赏、倾听、交谈）在室内进行规划，保障最基础的活动才能自然而然变化为更大型、更复杂的活动。
设计中，不对光线进行均匀分布，增强场所感和私密感，营造出一种抚慰人心的拍摄体验。光透过玻璃照在墙壁上，仿佛放慢了速度，使太阳光和照明设施在弧形墙的表面和边缘之间顽皮地跳跃反射。在墙壁中设计的狭缝，是为了把光挤压成具有方向性的薄片，使它变成触不到的一层刀刃，从而切断空间中的黑暗。
在空间中放置的“球”，运用弧形的白色表面来发射光线，这些圆形转角的表面所创造出的明暗对比为光赋予了一种体验上的物质性和造型感，也增强了光的在场感。这是经过铸造的光，通过“球”让光具有了物质的体征。
光只有被包含在空间中，或通过它所照亮的表面而得以具化时，它才能使人在体验中的情感上感受到它的存在。在二楼的走道里，从外立面透进的自然光让人感觉像是一件上天赐予过道的美好礼物，在黯淡背景的衬托下，幻化成了一幅氛围感十足的油画。
设计时也在建筑内部引入光线，利用窗洞的剖面性质，在解决视觉舒适度的同时创造出一种神圣的照明体验。墙体的厚实感、窗洞的深度感，以及窗洞的剖面形式结合在一起，共同创造出一幅丰富多变的光影图画。
二层作为主要的拍摄区域，通过一大一小两个体块作为主要拍摄区域来进行使用。在这个纵向的空间里，设计将空间挑高，让拍摄也可以更加“自由”。半私密性的空间结构，让拍摄活动也可以进行展示，让等候区的客人也可以提前了解拍摄流程。
在此案例中，光线通过浅灰色水泥顶面得以强调，在二层公共天井区域中，体块间的融合、穿插、分离与叠加，让空间灵活且赋予变化。在与阴影和黑暗发生关系的过程中，光的价值和情感力量都获得了提升。
为了保证空间的连续，在设计上避免掉漫长而笔直的步行线路，蜿蜒和富于变化的小路为空间增添趣味，丰富的过渡空间使不同形式和氛围的空间加以融合，为情境之间创造无形的秩序。设计利用中国传统匠师的手法去营造空间氛围，让人产生“游”的欲望，身处其中也能领略到空间的丰富。
通过动线的规划，将人际交往的接触强度随着空间体验逐步递增。不仅通过空间区域设计使探店、咨询、拍摄等不同人群的活动保持了私密性，也将空间边界柔性处理，去掉了传统意义上的门，也以建筑体块的视觉差做了半私密的处理，让空间得已“流动”。设计希望以一种轻松自在的方式让相互交流有更多的机会。
#设计美学##室内设计##设计##建筑设计##室内装修##空间设计##艺术设计#
“我们生于光。我们通过光感受四季。”——路易斯·康
路易斯·康是建筑设计中光影运用的开拓者，他认为空间应该是一个能让人在精神感受纯粹的地方。在这里，让一些空间可以是“无限的”，但也有一些空间就应该完全地“有限”。不同光引发空间的不同节奏感，室内空间随着光环境的变化而产生丰富的表情。
空间与光是不可分离的，因为所有对建筑的空间体验都要有光。即使在完全的黑暗中，仅凭听、摸或闻所掌握的具体的空间体验，其实也参照了通过视觉和光线建立的对空间的理解。
本案项目位于太原市万柏林区，紧邻万柏林生态园。项目希望围绕品牌“留住此刻”，打造一家以故事性来记录当下生活的摄影空间。“光”是摄影和空间两个不同艺术领域中相通的元素，摄影就是光的艺术，而对于空间体验也同样重要。
光是组成摄影的重要部分，有光才有影。摄影就是用光来作画，如何利用光与影的关系来构成影像和影调，是摄影创作中的一大关键。
太阳从日出到日落，一分一秒都在改变位置，因此，照射在被摄体上的光也会随着太阳位置的推移而不断改变角度。随着角度的改变，被摄体表面的质感描写，阴影的均衡都会直接影响整体的表现效果。
原建筑为一个层高8米的钢结构建筑体，设计从光的三原色——“蓝、红、绿”的概念出发，由这三种不能再分解的基本色彩可以组合成无数其他色彩，以这三种颜色作为不同区域空间的主题色，预示着空间未来更多的变化。
设计方案从“来自美术馆的一束光”为主题，在空间上让光为建筑的体量、空间和表面赋予性格和表现力，显示出材料的形状、重量、硬度、肌理、温度、光滑度、温度等方面，在拍摄的同时以光为主题的空间也能帮助灵感不断迸发。
光控制着生物体的生命进程，甚至人类的某些激素活动也依赖于光。光影响着我们的情绪、活跃性和体能水平。
设计构思以展示作为所有空间的内核，从“光之画廊”搭建整个空间形态，通过建筑语言引入室内，形成高辨识度的视觉效果和空间记忆。设计上打破常规适用区域“一室一用”，使其满足“一室多用”，赋予空间多重属性，更大限度的促进空间与人的互动性，形成品牌在空间上的记忆。
通过前厅吧台对面圆形公共区，可以看到悬挑的空间盒子，彼此独立但又充满一定的私密感。顺着台阶往里走，立刻置身于一个层次更加复杂的空间之中，红色配合灯光将空间点亮。每个空间都设有开口，保证其功能的同时又保留体验的趣味。
在一层的公共空间中，光妥帖的透过结构的开口洒在区域内，通过设计的手法将建筑体块进行融合与穿插，让人的活动在此更加多样，设计将室外交往活动中最基础的人际交往方式（散步、停留、小坐、观赏、倾听、交谈）在室内进行规划，保障最基础的活动才能自然而然变化为更大型、更复杂的活动。
设计中，不对光线进行均匀分布，增强场所感和私密感，营造出一种抚慰人心的拍摄体验。光透过玻璃照在墙壁上，仿佛放慢了速度，使太阳光和照明设施在弧形墙的表面和边缘之间顽皮地跳跃反射。在墙壁中设计的狭缝，是为了把光挤压成具有方向性的薄片，使它变成触不到的一层刀刃，从而切断空间中的黑暗。
在空间中放置的“球”，运用弧形的白色表面来发射光线，这些圆形转角的表面所创造出的明暗对比为光赋予了一种体验上的物质性和造型感，也增强了光的在场感。这是经过铸造的光，通过“球”让光具有了物质的体征。
光只有被包含在空间中，或通过它所照亮的表面而得以具化时，它才能使人在体验中的情感上感受到它的存在。在二楼的走道里，从外立面透进的自然光让人感觉像是一件上天赐予过道的美好礼物，在黯淡背景的衬托下，幻化成了一幅氛围感十足的油画。
设计时也在建筑内部引入光线，利用窗洞的剖面性质，在解决视觉舒适度的同时创造出一种神圣的照明体验。墙体的厚实感、窗洞的深度感，以及窗洞的剖面形式结合在一起，共同创造出一幅丰富多变的光影图画。
二层作为主要的拍摄区域，通过一大一小两个体块作为主要拍摄区域来进行使用。在这个纵向的空间里，设计将空间挑高，让拍摄也可以更加“自由”。半私密性的空间结构，让拍摄活动也可以进行展示，让等候区的客人也可以提前了解拍摄流程。
在此案例中，光线通过浅灰色水泥顶面得以强调，在二层公共天井区域中，体块间的融合、穿插、分离与叠加，让空间灵活且赋予变化。在与阴影和黑暗发生关系的过程中，光的价值和情感力量都获得了提升。
为了保证空间的连续，在设计上避免掉漫长而笔直的步行线路，蜿蜒和富于变化的小路为空间增添趣味，丰富的过渡空间使不同形式和氛围的空间加以融合，为情境之间创造无形的秩序。设计利用中国传统匠师的手法去营造空间氛围，让人产生“游”的欲望，身处其中也能领略到空间的丰富。
通过动线的规划，将人际交往的接触强度随着空间体验逐步递增。不仅通过空间区域设计使探店、咨询、拍摄等不同人群的活动保持了私密性，也将空间边界柔性处理，去掉了传统意义上的门，也以建筑体块的视觉差做了半私密的处理，让空间得已“流动”。设计希望以一种轻松自在的方式让相互交流有更多的机会。
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