#漫威电影#为什么这么多人喜欢漫威电影？
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。

在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。

上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。

而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。

1、好莱坞电影工业头一号

随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。

更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。

用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。

可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。

好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：

改编自童话、漫画或小说；

以儿童或少年为主角；

没有裸露或交欢场景；

都有长相怪异的配角适合做成玩具；

有大的动作场面，但不血腥；

大团圆结局；

采用身价未到一线的演员等。

这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。

今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。

比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。

领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。

2、技术前沿的领头羊

从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。

在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。

21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。

所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。

漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。

从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。

电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。

卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。

推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。

体现在数据上就是票房。

商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。

然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。

无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。

正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。

《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。

独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。

这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。

在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。

《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。

《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。

甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。

小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。

正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。

漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。

如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。

3、地位超然的“剪辑师”

漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。

好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。

吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。

剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。

而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。

就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”

从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。

《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。

火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。

“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。

微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。

在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。

如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。

剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。

看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。

这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。

这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。

在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。

当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。

《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。

每天，我都会无端地想起一个人，她让你对明天有所期许，却再也没有出现在我的明天里。最深沉的爱总是无声，最长久的情总是无奈。每个人心里，都有一道最特殊的风景。有些人，走着走着就进了心里，有些人，走着走着就淡出视线，有些情，在岁月中慢慢消融，不再刻骨铭心，有些人，在生命里慢慢远离，逐渐无影无踪，有些心情，在时光中慢慢淡定，从此不再动心。曾经觉得相见是一种偶然，重逢是一种机缘。重逢后相知相恋，却不料成了匆匆而过的路人。如果是这样，我宁愿从未开始也从未相逢，那便不会相知，不会相爱，不会相互伤害。感情是奢饰品，只有少数人才能得到，而大部分人都在寻找，可即便是找到了，也没有能力保护好。我们相护一时，却不能相拥一生，每每想起便会心里刺痛。一份好的感情，是需要两颗心相依的温暖，是两个人相濡以沫的陪伴。最真宾的拥有，是我们都在彼此心中；最美好的感情，是我们彼此都懂对方。我以为我失去了，其实我从没得到过。我想要的余生是你，却变成了一种奢望，我只好带着回忆慢慢的向前走。可是那种放不下，忘不了的感觉，真的很痛苦。这一生，能让我笑的人有很多，但能让我哭的人却没有几个；也许想陪我的人也会有，但我想陪的人却只有一个，那就是你其实现实就是这样，永远不知道下一秒会遇见什么人，又会离开什么人。但是我希望下一个出现的人，还是你，你回来了就别走了

这张照片获得最佳照片奖，然而摄影者却陷入抑郁症不能自拨：两只豹追一只母鹿和两只鹿宝宝，以母鹿的奔跑速度可以轻松逃掉这场杀戮，但是她为了让两个宝宝能安全逃跑，只能是无畏地站着，眼眺远方逃离的宝宝，即使下一秒她即将被撕成碎片。
有一种本能的爱，能划过時空跨越生死。我们常常问，母爱有几分，母爱从来不需要我们相信，它就在那里，不来不去，母爱从来无言。