#漫威电影#为什么这么多人喜欢漫威电影？
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。
在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。
上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。
而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。
1、好莱坞电影工业头一号
随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。
更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。
用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。
可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。
好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：
改编自童话、漫画或小说；
以儿童或少年为主角；
没有裸露或交欢场景；
都有长相怪异的配角适合做成玩具；
有大的动作场面，但不血腥；
大团圆结局；
采用身价未到一线的演员等。
这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。
今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。
比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。
领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。
2、技术前沿的领头羊
从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。
在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。
21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。
所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。
漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。
从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。
电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。
卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。
推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。
体现在数据上就是票房。
商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。
然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。
无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。
正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。
《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。
独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。
这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。
在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。
《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。
《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。
甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。
小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。
正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。
漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。
如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。
3、地位超然的“剪辑师”
漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。
好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。
吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。
剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。
而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。
就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”
从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。
《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。
火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。
“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。
微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。
在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。
如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。
剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。
看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。
这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。
这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。
在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。
当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。
《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。
在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。
上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。
而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。
1、好莱坞电影工业头一号
随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。
更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。
用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。
可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。
好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：
改编自童话、漫画或小说；
以儿童或少年为主角；
没有裸露或交欢场景；
都有长相怪异的配角适合做成玩具；
有大的动作场面，但不血腥；
大团圆结局；
采用身价未到一线的演员等。
这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。
今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。
比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。
领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。
2、技术前沿的领头羊
从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。
在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。
21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。
所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。
漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。
从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。
电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。
卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。
推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。
体现在数据上就是票房。
商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。
然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。
无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。
正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。
《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。
独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。
这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。
在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。
《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。
《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。
甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。
小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。
正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。
漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。
如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。
3、地位超然的“剪辑师”
漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。
好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。
吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。
剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。
而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。
就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”
从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。
《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。
火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。
“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。
微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。
在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。
如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。
剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。
看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。
这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。
这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。
在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。
当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。
《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。
#扬名立万#
看完我直呼
喜剧悬疑犯罪剧本杀加上调侃电影行业
谁能想到这是刘循子墨导演的处女作呢[赞]
笑点密集看得我好开心
一点都不会觉得无聊！
看到了很多致敬的场面和句子
我看出来的有：
最明显的«闪灵»中斧头砍门的场面
某部或多部香港动作电影中的打戏场面
«无间道»中的“对不起，我是警察。”
«英雄本色»中的“我等了三年，就是要等一个机会，我要争一口气，不是证明我了不起，我是要告诉大家，我曾经失去的我一定要拿回来。”
总体来说想夸的有
1.结构层次清晰，内核坚实的剧本
题材优良，剧情丰满，多重反转，导演和编剧的剧作能力相当不错。
2.沉浸式剧本杀+密室杀人迷雾
很喜欢这些元素，个人喜欢它将重点放在“为什么要密室杀人”而不是“怎样密室杀人”。作为一部悬疑喜剧，我是喜欢看它情感胜于行动的。
3.影像的场面调度，每一个镜头各有其用
镜头语言上看着蛮丝滑的，反复出现而强调雕塑和油画的隐喻，刀啊邀请函啊细节也有看到，人物之间快速的切换令观众深度沉浸。
4.精湛演技的各位演员
在剧情的不断推进中，揭露出各个人物的背景过往和行为动机，最后升华到主角团的人性美。能使观众如此沉浸在剧情中，极大归功于演员们高超的入戏与带戏能力。
5.一些小亮点
精致的服化道，富有年代感的还原，致敬经典的场面，笑点梗以及张口即来的金句。
喜欢扬名立万的电影表达：
“从编剧被剥夺署名权，‘烂片之王’和‘过气明星’的互相掌掴，再到女性面临的生存处境，以及电影的创作机制、面临的层层困阻……诸如此类的话题，都是逐步从电影界延展出去，面向更为广阔的大众。”
——
“一个人说出去，就会成为千万个人的记忆。”
看完我直呼
喜剧悬疑犯罪剧本杀加上调侃电影行业
谁能想到这是刘循子墨导演的处女作呢[赞]
笑点密集看得我好开心
一点都不会觉得无聊！
看到了很多致敬的场面和句子
我看出来的有：
最明显的«闪灵»中斧头砍门的场面
某部或多部香港动作电影中的打戏场面
«无间道»中的“对不起，我是警察。”
«英雄本色»中的“我等了三年，就是要等一个机会，我要争一口气，不是证明我了不起，我是要告诉大家，我曾经失去的我一定要拿回来。”
总体来说想夸的有
1.结构层次清晰，内核坚实的剧本
题材优良，剧情丰满，多重反转，导演和编剧的剧作能力相当不错。
2.沉浸式剧本杀+密室杀人迷雾
很喜欢这些元素，个人喜欢它将重点放在“为什么要密室杀人”而不是“怎样密室杀人”。作为一部悬疑喜剧，我是喜欢看它情感胜于行动的。
3.影像的场面调度，每一个镜头各有其用
镜头语言上看着蛮丝滑的，反复出现而强调雕塑和油画的隐喻，刀啊邀请函啊细节也有看到，人物之间快速的切换令观众深度沉浸。
4.精湛演技的各位演员
在剧情的不断推进中，揭露出各个人物的背景过往和行为动机，最后升华到主角团的人性美。能使观众如此沉浸在剧情中，极大归功于演员们高超的入戏与带戏能力。
5.一些小亮点
精致的服化道，富有年代感的还原，致敬经典的场面，笑点梗以及张口即来的金句。
喜欢扬名立万的电影表达：
“从编剧被剥夺署名权，‘烂片之王’和‘过气明星’的互相掌掴，再到女性面临的生存处境，以及电影的创作机制、面临的层层困阻……诸如此类的话题，都是逐步从电影界延展出去，面向更为广阔的大众。”
——
“一个人说出去，就会成为千万个人的记忆。”
“好饭不怕晚，好话不嫌慢”这句俗语用来形容德云社团综第三期来说是再合适不过的了！作为当前大火的相声团体，德云社的相声还是有口皆碑的。而班主郭德纲却被扣上了“烂片之王”的名号。在相声之外郭德纲拍了不少的电影《三笑才子佳人》、《祖宗十九代》等等，但无一例外口碑票房双扑街，因此郭德纲被戴上了“烂片之王”的称号。然而，团综第三期郭德纲带领徒弟们拍摄的《龙门饭店》以一己之力摘掉了郭德纲“烂片之王”的称号。第三期的播出路程还是比较坎坷的，明明上午官方还在为晚上第三期的播出造势做宣传，而下午官方就发布公告表示团综第三期将要延期播出。突如其来的消息“打懵”了不少德云社的粉丝们，尤其是在公告里除了通知粉丝播出延期外，对于延期的原因和时间只字未提。官方的态度毫无意外地点燃了德云社粉丝们的怒气。当然了，粉丝们生气也是理所应当的，毕竟为了能够观看德云社团综不少的粉丝都充了会员，现在官方在临门一脚的时候宣布延期，甚至连一个延期的解释都没有，不少粉丝都感觉自己受到了来自官方的戏耍，自然高兴不起来。不过幸好，团综第三期在延期两天后就播出了。第三期的《龙门饭店》着着实实给了观众们一个大大的惊喜。这部长达两个半小时的《龙门饭店》以当代年轻人的最喜欢的推理烧脑游戏剧本杀的形式，以抗战地下党斗争为主题，其中德云社演员们的真情投入，感染了不少屏幕前的观众。故事发生在一家名为龙门饭店的地方，由于“龙门饭店”发生了一场“命案”；凡是德云社团综的相声演员都有着重大的“嫌疑”，而之后便是德云社团综众人为了保护样本以及身为微生物专家的阎鹤祥纷纷牺牲自己的情节，中间上演了一场大型谍战大戏，整个过程一直在反转反转再反转。直到身份被各个击破，虽然最后的结局十分悲惨，但整场电影的情节十分紧凑，过程也是十分烧脑，不看到最后都不知道结局系列。看的网友直呼过瘾！直到看到电影最后，网友才恍然大悟。德云社的演员们以精湛的演技向我们展示了在那个战火纷飞的年代，有多少没有被后世记住的英雄为了家国情怀，心中的国家大义而英勇牺牲，慷慨就义。让我们仿佛置身于那个特殊的年代，也让我们看到无数的先辈为了我们幸福的今天作出的贡献。虽然这一期让观众等了很长的时间，但是这一期的内容让网友看到了德云社影视方面的未来。可以说是自从郭德纲涉足影视业以来最好的一部电影，第三期的《龙门饭店》不仅口碑炸裂更是让郭德纲摆脱了烂片之王的名号。对此不少网友表示，如果以后每期节目的质量都像这一期一样高，那么多等一会又有什么关系呢！
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