插画风格
1、扁平风
扁平风侧重于用几何图形和特别的颜色对画面进行组合，强调构图的美感和画面冲击力。
2、渐变风
多渐变色风格是当下十分流行的一种风格，比较适合运用在特定的场景环境中。
3、MBE风格
MBE风格最大的特点就是，比原本插画更粗更大的线条光环，一般把作品诠释的更加闪耀。
4、矢量插画
矢量插画是使用直线和曲线来描述图形。这些图形的元素由点、线、矩形、多边形、圆和弧线等等组成。
5、2.5D插画
2.5D插画也称为立体插画，也就是在二维的空间里表现三维的事物，很多电商类的APP会选择使用这种风格。
6、涂鸦白描
涂鸦白描更多的是一线性插画来表现出来，由各种各样的创意来表现，也会产生较为抽象一点的插画。
7、森系风
森系风格的插画有着小清新、淡雅的特点，森系所代表的生活态度便是崇尚自然、舒适，也代表着对待生活的热爱，追求直接的处事态度。
8、治愈系
治愈系插画以暖色系为主，画面温馨具有象征性意义，能够引起人们的共鸣。
9、水彩风
水彩风插画，色彩明亮，画面生动写实。
10、暗黑风
暗黑风插画整体偏暗，有搏击现实、变形扭曲的意义。
11、儿童绘本
绘本插画具有叙事性且图文完美结合，内容充满趣味性、主题富含哲理。
12、噪点肌理风
肌理插画就是给插画加上了些肌理质感和光感,本质也和扁平插画差不多,一些想体现质感的页面会用到这种风格。
13、新国风
国潮风插画以中国风的传统颜色为基色调，低调深沉且不失庄，在人物刻画上也会偏向中式审美，色彩主要集中在红，黄、绿、蓝几种色调，饱和度高，色彩鲜艳。
插画历史
插画艺术的发展，有着悠久的历史。从世界最古老的插画洞窟壁画到日本江户时代的民间版画浮世绘，无一不演示着插画的发展。

插画最先是在十九世纪初随着报刊、图书的变迁发展起来的。而它真正的黄金时代则是二十世纪五六十年代首先从美国开始的。

当时刚从美术作品中分离出来的插图明显带有绘画色彩，而从事插图的作者也多半是职业画家，以后又受到抽象表现主义画派的影响，从具象转变为抽象。直到70年代，插画又重新回到了写实风格。
插画理念
不同的插画师有不同的插画理念，有些是温馨的，有些是黑暗的，还有些事讽刺的，这也许与他们的咸亨张环境与生平经历有关，这也决定了他们的插画风格。

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杉本博司这套书终于再版了，他是我很喜欢的一位艺术家。曾看过他一些作品，尤其喜欢他的《海景》系列，以及在濑户内海的几个装置艺术。

这两天在看这本《现象》，收录的是他在《新潮》杂志上的连载专栏。看杉本博司讲佛教、雕塑、摄影、日本文化很有意思，他不是片面地去介绍，而是会结合自己的经历去聊。

有两段让我印象很深，一段是他谈自己的拍摄的海景系列。

杉本博司拍海景都是用的老式的大画幅相机，这样拍出的照片可以容纳更细微的部分，他说自己的这些照片全无可看之处，但又正是可看之处。如果视线集中，会看到摇荡的波涛，再凑近看，会看到越来越细节的部分，甚至有可能看到其中的银颗粒。“这些银颗粒与光的颗粒合为一体，能够直接透过这薄薄的纸张表面，穿透观者的内心。”世界的无限丰饶又充满细节，那些丰富的层次，就这么展现在了照片上。而完全建立在0与1的基础上的数字技术，是没有神存在的空间的。

另一段是他将塔尔博特100多年前的底片冲印了出来。

我们常说达盖尔发明了摄影术。但几乎在同一时间，有个叫塔尔博特的英国人也在进行类似的研究。他后来的研究成果跟达盖尔的有所不同，他的摄影术可以在一张负片上印刷出无数的正片，但当时用的光感纸很难获得清晰的正片，所以塔尔博特留存下来的都是负片。杉本博司和藏有塔尔博特初期重要底片的保罗·盖蒂博物馆一起进行共同研究，在时隔100多年以后，将塔尔博特的底片冲印了出来。图3就是塔尔博特所拍摄的，他居住的拉考克修道院的屋脊，这是连他自己都没看到过的照片。

杉本博司说，数字时代已经到来，银盐摄影已经到了弥留之际。他很希望自己在有生之年能目睹这些底片的容颜，这种愿望就像是给骨肉亲人送葬一样。

我发现我喜欢的艺术家，都是那种会扣问世界本质，并且对时间的留存与流逝有诸多解读的人。杉本博司在书里还有一段话非常棒：

“我作为一名当代艺术家，并不是为了自我表现而创作。
我心中的自我，步履蹒跚地来到这漫长的民族尽头，只为了窥视彼方迷失了的远祖之地。
我心中的自我，不过是盲人手中的盲杖，只能一点一点地敲打着那通向历史的道路，依靠回声的引导来从事我的创作。”

这段话被印在了书的封底上。

#阿细的书架#