「OCAT深圳馆 | 特别公共项目」王子月：世事恰如溪流
报名链接：https://t.cn/A6KvJbi4
在全球化时代，深圳作为改革开放的经济特区城市面对着迅速的发展，“三天一层楼的”建设速度不仅仅是口号，而是落到实处的呈现。面对如此般的发展速度，那聚集在城市中的人是怎样的生活状态呢？“问题剧场”是一个围绕当代社会，面向不同地域开展的参与性艺术实践计划，在最初对于深圳站的调研过程中，以“速度”作为关键词，展开田野调研，采集民众生活经验作为样本，去探寻在如此快节奏的移民城市中，人们有怎样的自我认知，如何构建自己与这座城市的关系，又如何在当下的不确定中艰难的保持平衡？剧场也许不会带来答案，但剧场经历终将植入身体，融入生命。
“问题剧场”深圳站把在本地公开招募的20到60多岁的八名参与者汇集在一起，他们来自全国不同省市，在深圳生活时间也长短不一，但都是“来了就是深圳人”。王子月试图呈现一个由“速度”为中心向四周扩散的同心圆的关系模型，通过六次剧场工作坊，打通年龄代际，跨越行业领域，围绕“深圳速度”等关键词的扩散，面向自我、他人、深圳提出近千个问题，最终形成剧场表演——“世事恰如溪流”。在一次次的推进中，是向内的思索，也是对周遭生活的发问。
王子月希望在面对现实问题时通过剧场营造一个可以自由对话和释放自我情感的空间，激发参演者与观众之间的想象，同时建构新的“集体记忆”。剧场演出之后，我们将演出现场布置成展览空间，演出装置、道具，以及在剧场表演基础上创作的同名三频录像装置作品，将在OCAT工作室A以展览的方式开放。世间万事如溪水般涓涓流淌，时急时缓。在恒定的不确定之中，找到自洽的支点，在不知所终的旅途里，找到自我的方向，在当今的现实之下，如雕塑般，安静地保持自己的形状。
#艺术[超话]# #艺术家# #当代艺术# #展览# #访谈##雕塑#深圳·OCAT深圳馆[地点]# #周末去哪儿#
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在全球化时代，深圳作为改革开放的经济特区城市面对着迅速的发展，“三天一层楼的”建设速度不仅仅是口号，而是落到实处的呈现。面对如此般的发展速度，那聚集在城市中的人是怎样的生活状态呢？“问题剧场”是一个围绕当代社会，面向不同地域开展的参与性艺术实践计划，在最初对于深圳站的调研过程中，以“速度”作为关键词，展开田野调研，采集民众生活经验作为样本，去探寻在如此快节奏的移民城市中，人们有怎样的自我认知，如何构建自己与这座城市的关系，又如何在当下的不确定中艰难的保持平衡？剧场也许不会带来答案，但剧场经历终将植入身体，融入生命。
“问题剧场”深圳站把在本地公开招募的20到60多岁的八名参与者汇集在一起，他们来自全国不同省市，在深圳生活时间也长短不一，但都是“来了就是深圳人”。王子月试图呈现一个由“速度”为中心向四周扩散的同心圆的关系模型，通过六次剧场工作坊，打通年龄代际，跨越行业领域，围绕“深圳速度”等关键词的扩散，面向自我、他人、深圳提出近千个问题，最终形成剧场表演——“世事恰如溪流”。在一次次的推进中，是向内的思索，也是对周遭生活的发问。
王子月希望在面对现实问题时通过剧场营造一个可以自由对话和释放自我情感的空间，激发参演者与观众之间的想象，同时建构新的“集体记忆”。剧场演出之后，我们将演出现场布置成展览空间，演出装置、道具，以及在剧场表演基础上创作的同名三频录像装置作品，将在OCAT工作室A以展览的方式开放。世间万事如溪水般涓涓流淌，时急时缓。在恒定的不确定之中，找到自洽的支点，在不知所终的旅途里，找到自我的方向，在当今的现实之下，如雕塑般，安静地保持自己的形状。
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他是唯一受杰克逊邀请，同台演出的中国明星，至今依然人气不减互联网的记忆只有7秒钟，那些网络红人们如果没有更多的作品便会被观众所遗忘，但是对于某些巨星来说，这样的事情绝对不会发生，不管去世多少年，观众都会记得这位影响力巨大的明星，他们曾经的辉煌不会被人们所遗忘。香港的张国荣已经去世很多年了，但是每年忌日的时候都会有歌迷举办活动来纪念他，这些作品会被人们反复欣赏，这就是巨星的魅力。
技巧成就融于修养之中 ：略谈黄英的咏叹调与歌曲之夜
文：张可驹，原载《音乐周报》
当一个有魅力的人进入某一环境，人们可能很快会意识到他/她的存在，对演绎者来说也是一样的。但随着夸张的表现风格盛行，偏内在的演出渐渐不受重视。
如果能够以鲜明的魅力俘获听者，同时又有深厚的底蕴，那就再好不过了。11月5日，女高音歌唱家黄英与钢琴家薛颖佳合作，在上海东方艺术中心呈现的咏叹调与艺术歌曲音乐会，就是这样一场演出。
这些年里，多次聆听黄英的现场，都是难忘的体验。这位歌唱家有鲜明的感染力，又从不会曲高寡，听众的热烈反应非常引人注目。黄英对曲目的选择很用心，整场的品味高度、听众的关注点、不同作品之间的风格对比等，都有细致的关照。
曲目的设计是很重要的，有的演绎者单独推崇艺术性，而并不顾听者的接受度。这样有时可以，有时效果就不行。黄英的设计很科学，而当她一开口，我们便能体会纯正的古典声乐艺术的魅力。
当晚，歌唱家在上半场选择了亨德尔、普契尼等人的歌剧咏叹调，及法国与意大利的艺术歌曲，下半场是中国的艺术歌曲与民歌。风格跨度非常大，却是每一首都耐听，不仅传递出丰富的信息量，更在风格把握方面扣人心弦。
很有意思的一点是，歌唱家在上、下半场取得的成功，恰恰表现出美声艺术最为截然不同的两个方面。美声唱法本身发源于西方，用以表现西方古典声乐的杰作，自然考验歌者风格的纯正性。
有那么多经典演绎在，人们具备了充足的参照物。而通过美声来表现中文的歌曲，则是一种跨越，由此带来的困难，纵有几代歌唱家们的探索，也依旧存在着。
黄英的演出之所以具有示范性高度，一来是由于两边在艺术层面的要求，她都很好地完成了；二来，也甚至是更重要的，就是歌唱家显明前述两方面最深的本质，其实是同一样东西，即歌者如何把握声乐的修饰技巧，同作为声乐作品本源的语言之间的关系？
音乐和语言之间的关系，是一切杰出的声乐作品被建立的基础，演绎者如何审视，进而表现这样的基础，是至关重要的。循序渐进，是黄英所示范的最为根本的一个方向，恐怕，也是歌者都应该遵循的一个方向。先理想地建立技艺表现的基础，然后再根据不同作品，做出不同的运用。技巧和修养是无法分割的。
黄英自己说，她天然的嗓音号不大，因此主要在韵味方面探索。歌唱家确实为自己选择了最适宜的曲目范围，当晚除了《蝴蝶夫人》中的《晴朗的一天》，都是典型的抒情花腔女高音曲目。而“晴”这首，由于不需要面对乐队，也不必那么用力。
可倘若以为这仅是让歌唱家轻省，那就错了。东艺那个大厅，空间较大，钢琴独奏都不易控制，更何况是人声独唱？黄英的声音却能轻易罩住整个场地，听众们的反应是很好的证明。
并非真的“轻易”，只是歌唱家的控制力强，一边不触及自己范围之外的力度，因此损伤音质；另一边在声音的传送上，可说是尽显非凡功力。她的音质很美，清甜自然，没有任何强迫嗓音的痕迹，对于声线与分句的用心之深，为当代表率。
这其中，分句是歌唱家的构思，声线的刻画，似乎更像是技巧的一部分。其实不然，因为技巧越走向高处，就越需要同修养相辅相成。黄英塑造自己的嗓音线条，可说完美避开了时下一些歌者所流露的恶癖。
常规性的颤抖，唱高音时不顾及音质，长线的音质难以统一（时颤时不颤）等等，一样无有。我们面对的，却不仅是技巧的完善，而是精致的语言表现。黄英的吐字非常清晰，但又很自然，追寻语韵，而非那种“咬牙切齿”地镂刻辅音的唱法。
不时能听到，某些歌者在表现非母语的作品，尤其是艺术歌曲这样考验语言的作品时，为了体现自己能够唱清楚，而将辅音的轮廓刻意强化，以致同原作的旋律线貌合神离。但真正语言好的歌者，有人强调，有人不强调，却都不会出现这种不吻合。黄英恰恰能唱得清晰，更能捕捉语言音乐化的韵味。
一切的技巧成就，都融化在这份修养之中。表现亨德尔的《无尽的快乐》（选自歌剧《塞魅丽》），她并没有强化花腔，而是将焦点完全放在花腔装饰同语言流动的结合上，换言之，就是原作本身的方向。
演绎普契尼的三首作品，《晴朗的一天》、《漫步街头》（选自歌剧《波西米亚人》）和《多蕾塔做了什么梦》（选自歌剧《燕子》），黄英都呈现出细心揣摩原作的风格魅力。
普契尼虽然以优美的旋律见长，其实对细致划分乐句的构思，是相当有突破性之处。黄英的演绎，正是以她分句的修养，深入原作特点。《晴朗的一日》中，歌唱家对人物复杂的心理活动着墨之深，是罕见的。同时分句之细，力度层次之丰富，又从未影响大线条的走向与节奏的稳固，由此建立演奏的品格。
《漫步街头》常被表现得雍容华贵，黄英却不忘提醒人们，穆赛塔并非贵妇，也不能脱离轻浮的特点。这是真正刻画出人物的演绎。
表现中国的歌曲，这位歌唱家最大的成就，在于将美声唱法同中文容易掣肘之处，做了很好地解决。那样细致的处理，有时几乎有点像中国古典声乐艺术中的“切字”思维。
中文虽然是单音节字，却可依照声韵做出切分。黄英运用美声的修饰手法，从始至终，都完全建立在那样的声韵构思之上。表现民歌风格的作品时，这样的特点让她歌唱的魅力更为鲜活，也更为抓人。
图片版权：©美杰音乐 MajorMusic
文：张可驹，原载《音乐周报》
当一个有魅力的人进入某一环境，人们可能很快会意识到他/她的存在，对演绎者来说也是一样的。但随着夸张的表现风格盛行，偏内在的演出渐渐不受重视。
如果能够以鲜明的魅力俘获听者，同时又有深厚的底蕴，那就再好不过了。11月5日，女高音歌唱家黄英与钢琴家薛颖佳合作，在上海东方艺术中心呈现的咏叹调与艺术歌曲音乐会，就是这样一场演出。
这些年里，多次聆听黄英的现场，都是难忘的体验。这位歌唱家有鲜明的感染力，又从不会曲高寡，听众的热烈反应非常引人注目。黄英对曲目的选择很用心，整场的品味高度、听众的关注点、不同作品之间的风格对比等，都有细致的关照。
曲目的设计是很重要的，有的演绎者单独推崇艺术性，而并不顾听者的接受度。这样有时可以，有时效果就不行。黄英的设计很科学，而当她一开口，我们便能体会纯正的古典声乐艺术的魅力。
当晚，歌唱家在上半场选择了亨德尔、普契尼等人的歌剧咏叹调，及法国与意大利的艺术歌曲，下半场是中国的艺术歌曲与民歌。风格跨度非常大，却是每一首都耐听，不仅传递出丰富的信息量，更在风格把握方面扣人心弦。
很有意思的一点是，歌唱家在上、下半场取得的成功，恰恰表现出美声艺术最为截然不同的两个方面。美声唱法本身发源于西方，用以表现西方古典声乐的杰作，自然考验歌者风格的纯正性。
有那么多经典演绎在，人们具备了充足的参照物。而通过美声来表现中文的歌曲，则是一种跨越，由此带来的困难，纵有几代歌唱家们的探索，也依旧存在着。
黄英的演出之所以具有示范性高度，一来是由于两边在艺术层面的要求，她都很好地完成了；二来，也甚至是更重要的，就是歌唱家显明前述两方面最深的本质，其实是同一样东西，即歌者如何把握声乐的修饰技巧，同作为声乐作品本源的语言之间的关系？
音乐和语言之间的关系，是一切杰出的声乐作品被建立的基础，演绎者如何审视，进而表现这样的基础，是至关重要的。循序渐进，是黄英所示范的最为根本的一个方向，恐怕，也是歌者都应该遵循的一个方向。先理想地建立技艺表现的基础，然后再根据不同作品，做出不同的运用。技巧和修养是无法分割的。
黄英自己说，她天然的嗓音号不大，因此主要在韵味方面探索。歌唱家确实为自己选择了最适宜的曲目范围，当晚除了《蝴蝶夫人》中的《晴朗的一天》，都是典型的抒情花腔女高音曲目。而“晴”这首，由于不需要面对乐队，也不必那么用力。
可倘若以为这仅是让歌唱家轻省，那就错了。东艺那个大厅，空间较大，钢琴独奏都不易控制，更何况是人声独唱？黄英的声音却能轻易罩住整个场地，听众们的反应是很好的证明。
并非真的“轻易”，只是歌唱家的控制力强，一边不触及自己范围之外的力度，因此损伤音质；另一边在声音的传送上，可说是尽显非凡功力。她的音质很美，清甜自然，没有任何强迫嗓音的痕迹，对于声线与分句的用心之深，为当代表率。
这其中，分句是歌唱家的构思，声线的刻画，似乎更像是技巧的一部分。其实不然，因为技巧越走向高处，就越需要同修养相辅相成。黄英塑造自己的嗓音线条，可说完美避开了时下一些歌者所流露的恶癖。
常规性的颤抖，唱高音时不顾及音质，长线的音质难以统一（时颤时不颤）等等，一样无有。我们面对的，却不仅是技巧的完善，而是精致的语言表现。黄英的吐字非常清晰，但又很自然，追寻语韵，而非那种“咬牙切齿”地镂刻辅音的唱法。
不时能听到，某些歌者在表现非母语的作品，尤其是艺术歌曲这样考验语言的作品时，为了体现自己能够唱清楚，而将辅音的轮廓刻意强化，以致同原作的旋律线貌合神离。但真正语言好的歌者，有人强调，有人不强调，却都不会出现这种不吻合。黄英恰恰能唱得清晰，更能捕捉语言音乐化的韵味。
一切的技巧成就，都融化在这份修养之中。表现亨德尔的《无尽的快乐》（选自歌剧《塞魅丽》），她并没有强化花腔，而是将焦点完全放在花腔装饰同语言流动的结合上，换言之，就是原作本身的方向。
演绎普契尼的三首作品，《晴朗的一天》、《漫步街头》（选自歌剧《波西米亚人》）和《多蕾塔做了什么梦》（选自歌剧《燕子》），黄英都呈现出细心揣摩原作的风格魅力。
普契尼虽然以优美的旋律见长，其实对细致划分乐句的构思，是相当有突破性之处。黄英的演绎，正是以她分句的修养，深入原作特点。《晴朗的一日》中，歌唱家对人物复杂的心理活动着墨之深，是罕见的。同时分句之细，力度层次之丰富，又从未影响大线条的走向与节奏的稳固，由此建立演奏的品格。
《漫步街头》常被表现得雍容华贵，黄英却不忘提醒人们，穆赛塔并非贵妇，也不能脱离轻浮的特点。这是真正刻画出人物的演绎。
表现中国的歌曲，这位歌唱家最大的成就，在于将美声唱法同中文容易掣肘之处，做了很好地解决。那样细致的处理，有时几乎有点像中国古典声乐艺术中的“切字”思维。
中文虽然是单音节字，却可依照声韵做出切分。黄英运用美声的修饰手法，从始至终，都完全建立在那样的声韵构思之上。表现民歌风格的作品时，这样的特点让她歌唱的魅力更为鲜活，也更为抓人。
图片版权：©美杰音乐 MajorMusic
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