1905电影网讯香港国际电影节将于2023年展映西班牙超现实主义大师布努埃尔十八部经典作，以及美国MV新世代四位作者导演的十部杰作。

“逆道而行──布努埃尔的超现实电影”活动精选大师布努埃尔在西班牙、墨西哥及法国时期的代表作，让影迷全面综观其创领先河的超现实主义风格。从与画家达利合作的首部短片《一条安达鲁狗》（1929）及长片《黄金时代》（1930）开始，布努埃尔即以超乎想象的影像为超现实主义电影开天辟地。布努埃尔在被迫流亡墨西哥期间拍成享誉国际的《被遗忘的人们》（1950）、《他》（1953）、《纳萨林》（1959）及《泯灭天使》（1962）等杰作，打开了跨国合作的大门。

布努埃尔坚信潜意识的创作潜能、黑色幽默的品味，作品往往流露对僵化体制的鄙夷。《维莉蒂安娜》（1961）对宗教及人性极尽讽刺，一举摘下戛纳金棕榈奖；《白日美人》（1967）借凯瑟琳·德纳芙的扭曲情欲以批判传统道德的虚伪，夺下威尼斯金狮奖。由《银河》（1969）、奥斯卡得奖作《资产阶级的审慎魅力》（1972）及《自由的幻影》（1974）组成的三部曲被誉为布努埃尔巅峰作，以超现实的荒诞对中产阶级的讽喻臻至大成。最后遗作《朦胧的欲望》（1977），糅合爱情寓言与政治隐喻，给大家留下无尽想象空间。

上世纪八、九十年代冒起的MV作者影像与声音的混合处理，并以流行文化建构世界观。他们以另类想象力创新叙事，传达一新耳目的个性化主题，在“破格有理：MV作者新世代”的专题可见一斑。视觉特效出身的大卫·芬奇，其精雕细琢的镜头及剪接在《搏击俱乐部》（1999）及《十二宫》（2007）成了他的标签式风格；编剧查理·考夫曼与导演斯派克·琼斯拍档的《成为约翰·马尔科维奇》（1999）及《改编剧本》（2002），则以动感镜头和幽默扩展MV狂想。编而优则导，考夫曼首部执导的《纽约提喻法》（2008）反思创作者的存在焦虑，是名副其实的烧脑之作。

米歇尔·贡德里以复杂技巧实验出魔幻视觉效果，在《人性》（2001）、奥斯卡得奖作《暖暖内含光》（2004）及《科学睡眠》（2006）里表露无遗。从独立电影界冒起的保罗·托马斯·安德森，在《不羁夜》（1997）及《私恋失调》（2002）进行叙事探索，并以长镜头美学缔造强烈个人风格，拿下三大影展的最佳导演殊荣。四位新世代作者为好萊塢带来新冲击，于影坛留下深刻印记。

“光影珍藏”环节选映让·雷诺阿的《女仆日记》（1946），与布努埃尔的《女仆日记》（1964）同样改编自奥克塔夫·米尔博于1900年的小说，但两者风格截然不同，成为有趣对照。“黄金时代”环节选映的两部经典作延续超现实想象：希区柯克在《爱德华大夫》（1945）注入弗洛伊德学说，梦境意象更来自达利手笔；阿尔伯特·列文的《潘多拉与飞翔的荷兰人》（1951）同样布满迷幻玄妙的艺术，并由现代主义艺术家曼·雷贡献画作。#随礼汇揭西擂茶# https://t.cn/A6XziC0y

“人生本过客，何必千千结”。有人说：“人这一辈子，就是个过程。没有永恒的生命，也没有不老的青春，时间已到，该老的老，该走的走，我们最终也不过是世间的过客，即为过客，又何必执着，感恩遇见，珍惜拥有，就足矣。”

没错，人这一辈子，无非就是几十年光阴，我们在其中编撰自己的故事，而这几十个春夏秋冬，不是就是经历风雨的过程。

有些事物会成为你生命中的刻骨铭心，有的事物会随风而逝，不留一点痕迹，任凭你怎么挽留，终究是无济于事。

人生中，总以为会来日方长，只是一个转身，就物是人非。

这个世界上，没有什么是永恒的，更没有永远，那些你曾经执着的东西，百年之后，也不会留下任何痕迹。

哪怕你再不舍，有些人和事也只是陪你一程，下一程就变成了回忆，就连那些你出生的地方，欣赏过最美的风景，都只能留在记忆中，现实里再难寻找当时的情景。

渐渐老去，渐渐模糊，渐渐懂得，就渐渐归去，这都是人生常态。

人生无所谓拥有，无所谓失去，哪怕是当下的一分一秒，都不会属于你，一天一年，也只是让你暂时经过一下。

所以，人生是一次单行的旅行，就是一张有去无回的单程车票。

在人生的列车上，有人上车，有人下车，逝去的时光，在疾驰的列车上，成功，失败都要坦然对待，不要遗憾后悔，因为一切都不可能重来。

不管你愿不愿意，我们都在向死而行。

一切终将成为过去，只有让自己懂得珍惜当下的拥有，人生只不过是匆匆过客，很多事情，只允许我们经历，却不给我们结果，无常人生就是平常。而做为一个人间过客，就不要要求太多，从容走过就好，不要紧张彷徨、不要苛求迷茫。

其实，人生就是一段行走，这个过程，也许也是一个虚幻的光影，该消失的时候，谁也不会给你打个招呼。可谓是：本来无一物，何处惹尘埃！

业余人又来写业余感受了。

看了德莱叶的《麦克尔》，冲着剧情很像《道林格雷的画像》去看的。两个作品都是画中的人始于美而终于美，美在他们身上成了一把双刃剑。作品充满着阴柔邪魅的男性情欲，仿佛隔着大荧幕都能闻到荷尔蒙气味，光影精妙的处理和周围虚化的圆形镜头把整部片子带得暧昧了起来，同性情感的主题也不言而喻。

没想到第一次的默片体验这么棒，人物都不用出声，布景、黑白灰的光影、脸部特写、配乐、间隙出现的字幕……每个元素相互填补，都能把电影撑起来。而且这部片子还充满了暗喻，细节与细节相呼应，很想告诉观众要表达的东西（同性之爱），但又不能做得太明显。

虚幻光影和圆镜头

电影刚开始就发现镜头和普通d电影镜头不一样，它是圆形的边缘是虚化的，中间部分随着光影时暗时明，镜头位置随着导演的需要左右移动。电影屏幕的四个角始终是黑的。

圆形的镜头以及它时而被缩小放大，仿佛像观众在窥探人物，又想看仔细点，又不敢窥探地太明目张胆，这也从另一角度表现出画家对麦克尔不可言说的炽热欲望。边缘光线的柔和，同时勾勒出朦胧虚晃的情欲。

作品也通过光影的明暗来突出角色的内心世界和情感递进。画家帮女伯爵画像时苦恼眼睛怎么画，而麦克尔一来就给画上了，咔咔就成了整幅画的点睛之笔。这时镜头拍到女伯爵时光线变亮变白，女伯爵的边缘仍然是柔和的，头发丝都跟着变柔软了。镜头再切回到麦克尔脸上，原本清晰的光线也变得柔和起来，镜头来回切换，光影也随之越来越亮白，和之前暗戳戳的光线形成鲜明对比。

除了演员的眼神戏之外，光影的处理也描绘出了两人逐渐暧昧的气氛和即将深入的关系。

类文学的暗喻

影片开头画家手搭着麦克尔的肩，观赏着自己画的麦克尔，对他说这迟早也都是你的，划开了一道小口子，暗示着画家对麦克尔别样的情感，无限的包容他爱他，甚至超过了带给自己无尽的荣华富贵的画作。

还有一段吃晚饭的戏，画家、麦克尔、一对夫妇、公爵在聊着对“死亡”的理解，公爵和丈夫都表示最美的死亡就是为了至爱之人死去。果然最后两人为了夫人决斗，公爵死在了丈夫的枪下。死亡对话暗喻了这对三角关系的结局，同样也成为了故事的副线，和主线画家与麦克尔的故事并行，提示两条线有一定的相似之处。

饭桌上画家因这次死亡对话产生了画新作的灵感，即凯撒被他的继子布鲁图斯谋杀。麦克尔询问画家那继子的表情和眼神会是什么样，镜头又在两人的脸上不断切换，这样也就暗示主线结局，他们就是画中人，画家也会因为对麦克尔的爱而死去。

画作问世后，画家被授予国家荣誉，在举行仪式时那个卷跑所有画作所有财产的麦克尔并没有来。画家在茫茫人海中仍然执着于寻找着麦克尔，他的眉头紧皱，此时镜头正好把他和画作中的老人放在一起，本是对焦在画家脸上，随着光线变暗，对焦对准了后方画作上的老人。其实他就像是画中的老人，已经失去了所有，已经等同于被继子（麦克尔）杀死。

影片最后，画家已经死去，麦克尔在女伯爵家欢愉时知道了这一消息感到惊慌失措，愧疚感和懊恼的表情爬上了脸庞，这时镜头距离拉近发现他正穿着一条中国的龙袍，一袭龙袍躺倒在女伯爵怀里，她抱着他说着“没关系镇定下来，有我呢”，暗示着他已然沉溺在纸醉金迷的生活中无法自拔。

帮电影说话的配乐

因为没有人说话，所以在这部影片中唯一的声音就是配乐。配乐在这部影片中像是一个闹钟，它提醒着你故事即将进入整体，人物和人物之间的关系即将到达顶峰，又濒临破灭。

还提醒着你人物的情绪正在变化，当知道麦克尔把画作把英国杯子偷走了而产生了愤怒，又因为包容的爱而有起伏的平息下来，提琴声拉的极度刺耳，鼓声短促有力，慢慢出现了弦乐声，但前者提及的刺耳音乐声还未完全消失。

大家晚餐时讨论死亡，问题和回答之间的那几秒等待时间，字幕和镜头不断切换，低音钢琴的琶音响五个音，又停下来，高音钢琴突然蹦出一两个滑音，又停下来，再来几个低音琶音，这样循环往复，就像人物和观众都在期待中夹带着紧张刺激感。

画作问世时，配乐不再断裂，连贯的大提琴、弦乐、钢琴伴奏共振，营造出其乐融融的场景，而当画家在寻找麦克尔时，音乐也跟着他的眉头紧皱开始激烈扭捏起来。

画家奄奄一息，低音慢速的钢琴声和柔软的大提琴共同低吟，麦克尔知道死讯，拉长的中高音大提琴声让气氛变得紧张又诡异。

在默片中，音乐的作用至关重要，和镜头和光影一唱一和，让观影体验变得顺畅、连贯、有高潮。