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张勇导演
五集纪录片由浙江大学专注非洲影视领域的张勇老师和我国第一位深入非洲的女摄影师梁子联合导演，聚焦创业、公益、艺术、生活、归国五大主题，试图探讨以下问题：“中国人能融入非洲吗？大部分中国人在非洲做什么？中国人在非洲的业余生活如何？中国人对非洲有认同感吗？中国人会待在非洲不走吗？”
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中国文网 清心 讯 临沂市兰山区麒雯斋书画院成立于2016年，是集书画定制、装裱、鉴定、评估、艺贷、收购、推广、宣传于一体的专业书画院。销售近现代及各大院校书画博士、地方名家名作；专注书画行业四十载，成为爱好收藏者及各派风格交流交易的纽带。麒雯斋只做真品、做正品，终身保真。入驻CCTV中视购物国货优品栏目，讲好文化故事、传承中国经典，打造超级形象、超级印象、强势品牌。我们一站式竭诚为您服务。
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传统是由人建立的：谈谈吕嘉与国家大剧院乐团演出的布鲁克纳《第七交响曲》
文：张可驹，原载澎湃新闻，略有删节，在此贴出全文。
2023年3月14日，指挥家吕嘉与国家大剧院合作，在上海东方艺术中心演出德奥晚期浪漫主义之夜。
有意思的是，就在几天前，水蓝与上海交响乐团呈现了浪漫主义之夜——作为浪漫先锋的韦伯，以及浪漫派高峰的勃拉姆斯。14日的后浪漫派曲目，与之构成绝妙的对照，非常浓缩地让我们领略德奥浪漫派的整个历程。
音乐会以瓦格纳的《“罗恩格林”序曲》开场，然后是布鲁克纳《第七交响曲》。这样的曲目，没有任何噱头，没有任何调节听众兴奋点的安排，而是直入后浪漫派腹地，挑战最艰难的作品，并且成功。
演绎者成功表现一部巨作的魅力，是一种艺术上的胜利，真正能带给人强烈兴奋与快慰的体验。跟随吕嘉，将“布七”的不同部分走过一遍之后，我就大胆地说吧，14日这场演得比蒂勒曼指挥德累斯顿国立管弦乐团访沪时的“布七”好多了。
那次是明星与名团，但在指挥手中，乐队的传统很多被缩减为一些标签，贴在作品上。吕嘉却很深地洞察这部巨作发展的文理，每每由小处着眼，不断向我们诠释细节如何扩展为整体，将局部带向宏观。四个乐章先后自然地耸立起来，全曲的巍然巨构呈现时，专注聆听的人早已忘情期间。
全曲结束，方才惊觉如今中国是真有了布鲁克纳演绎传统的萌发。布鲁克纳的交响曲，原本是特别根植于传统的作品，在欧洲范围之外广传，其实是上世纪60年代以后的事。国家大剧院乐团建立不到20年。大剧院的唱片品牌推出的第一张唱片，竟是吕嘉同乐队合作的布鲁克纳《第二交响曲》。
彼时，很多人会认为指挥家是大胆的。或者不如说，这操作像是疯了，首秀选布鲁克纳，还是冷门的“第二”？你还想打造国内的布鲁克纳传统吗？然而听了14日的“布七”，我只能由衷佩服：传统是由人建立的，以尊重音乐为前提。
在本文不长的篇幅里，略谈这次演绎两个最核心的方向：作品的结构表现，以及整体性的布鲁克纳风格。此二者，本质上是循序渐进的。
布鲁克纳的交响曲通常被视为规模宏大，情感凝重而内向的作品。从演奏时间上看，吕嘉演完“布七”大致用了80分钟，属于最慢之列。身临其境地听，会否感到慢得难以承受？是也不是。该作的前两个乐章都很庞大，第一乐章我几乎没有感觉到慢，演完后看了一下时间，居然到达28分钟左右！
第二乐章明显的慢，对于后半部分总高潮的铺垫如巨人缓步，层次分明，步步稳健。而当高潮获得释放，直至乐章结束的部分，吕嘉所选择的速度，所塑造的省思氛围，让时间仿佛静止。那样的“慢”，有了现实的重量，几乎让人不堪承受。
然而，是指挥家单纯将慢作为一个标签吗？完全不是。第一乐章之所以听似不慢，实际用了很多时间，是因为吕嘉非常细致地解析了布鲁克纳动机发展的构思。
古典交响曲的开篇，大致采用主题与副题“二元对立”的核心进行发展，到了布鲁克纳手中，发展的因素大为丰富，基本是三个主题群的概念——每一个都包含了多样的动机。演完之后回顾，可说吕嘉对如此复杂的脉络，做了抽丝剥茧般的表现。但在音乐的进行中，指挥恰恰是让我们不断领略动机如何“生长”的过程。
音乐的妙处，在于它的结构是动态呈现的，始终要顾及各种关系和比例。吕嘉让音乐的线条仿佛就是最自然地生长着。动机的变形，被勾勒得清清楚楚；浪漫派中最长的乐句呼吸，被表现为绵延无际，仿佛仅有自然的蜿蜒，却在这样的蜿蜒中，时时塑造出集中的表情与深刻情感。
每一处的勾勒都有那样的集中，都有丰富的信息量，我们就不会感到慢。等长卷尽行展开，将近半个小时已匆匆过去。
而该作的第二乐章，原本就是布鲁克纳献给他的艺术偶像瓦格纳的挽歌。吕嘉呈现的让人几乎难以面对的宽阔与凝重，正是令原作无尽的省思仿佛直入永恒。他在第三乐章采用略舒展的速度，但节奏感并不滞涩，很好地承接了前两个乐章统合为一的超长气息。
终曲的速度其实颇为紧凑，整体发展却不突兀。这个乐章是布鲁克纳笔下戏剧性较外向的篇章，也是音乐内容复杂而很难把握的一章。吕嘉不仅将终曲演得条分缕析，更使音乐的戏剧性到达真正能收束全篇的那种分量。而这，正是无法良好把握终曲结构的演奏所不能到达的。
这是专家之演，听者也就自然随演出而领略布鲁克纳独特的风格。表现这种风格之困难，很多在于它的综合性。布鲁克纳交响曲的音响有时让人想到管风琴，不仅需要圆融而温暖的声音，也需要既清晰地刻画乐队复调，又令多线并行的声部在温暖的音响中融为一体。
一言以蔽之，吕嘉和大剧院乐团多次让我错愕：这居然真是个国内团！？就硬技巧而言，该团体在国内未必是最强的，吕嘉有时也用一些微妙的方式藏拙。然而，那种技巧与风格相融合的“布鲁克纳式”韵味，确实是指挥家十多年耕耘之后所结出的硕果。
吕嘉塑造声音的核心，是细腻而凝聚的弦乐音响。尤其是小提琴的部分，在我听来，保持多件乐器始终凝聚的声音，是他为演出划定的安全基准线。指挥家是绝对明智的。
因为弦乐组音响凝聚的效果，不仅是乐队技艺的直接考验，对演绎布鲁克纳而言，更是绝对不能打破的框架。倘若出现一个乐器组中，十多把琴的音响实际是离散的情况（坦白说，现场并不罕见），那么布鲁克纳的风格其实是无从谈起的。
从《罗恩格林序曲》开始，吕嘉对于弦乐种种音乐表现力的发掘就很让我佩服。的确，他让这支非常年轻的乐队听起来相当有底蕴。一方面奏出作品所需要的声音，把握各种风格、质感的微差；另一方面，就是音响同分部、线条之间，始终综合性的考量，有大师手笔。
但这一切，能够权衡局限而依旧表现良好，前提就是指挥和演奏家们守住了前述的基准线。
在此基础之上，吕嘉没有追求“大音响”的炫技，而是让乐队在音质方面，在乐队复调的效果方面，真正走向布鲁克纳化。前者，如弦乐颤音的质感，在不同的揉指幅度，及不同的表情功能中，都相当耐得住品味。同样是轻盈的颤音，刻画全曲开篇的神秘感，同终曲开头“激动地”（Bewegt）情境之时，我们听到的差异，正是指挥与乐队深入布鲁克纳世界的证明。
不得不说，终曲开头那种轻盈而欣喜的音乐表现，真是太出色了。只有演奏者们自发地高度投入，方才能够呈现。
而在乐队复调方面，聆听该组合刻画第一乐章的展开部，也让我更深地认识了布鲁克纳在效果的宏大，与结构的内省之中所进入的那种“对立统一”。仿佛音响效果本身有了智慧，吕嘉与演奏家们所呈现的正是如此。
摄影：甘源
文：张可驹，原载澎湃新闻，略有删节，在此贴出全文。
2023年3月14日，指挥家吕嘉与国家大剧院合作，在上海东方艺术中心演出德奥晚期浪漫主义之夜。
有意思的是，就在几天前，水蓝与上海交响乐团呈现了浪漫主义之夜——作为浪漫先锋的韦伯，以及浪漫派高峰的勃拉姆斯。14日的后浪漫派曲目，与之构成绝妙的对照，非常浓缩地让我们领略德奥浪漫派的整个历程。
音乐会以瓦格纳的《“罗恩格林”序曲》开场，然后是布鲁克纳《第七交响曲》。这样的曲目，没有任何噱头，没有任何调节听众兴奋点的安排，而是直入后浪漫派腹地，挑战最艰难的作品，并且成功。
演绎者成功表现一部巨作的魅力，是一种艺术上的胜利，真正能带给人强烈兴奋与快慰的体验。跟随吕嘉，将“布七”的不同部分走过一遍之后，我就大胆地说吧，14日这场演得比蒂勒曼指挥德累斯顿国立管弦乐团访沪时的“布七”好多了。
那次是明星与名团，但在指挥手中，乐队的传统很多被缩减为一些标签，贴在作品上。吕嘉却很深地洞察这部巨作发展的文理，每每由小处着眼，不断向我们诠释细节如何扩展为整体，将局部带向宏观。四个乐章先后自然地耸立起来，全曲的巍然巨构呈现时，专注聆听的人早已忘情期间。
全曲结束，方才惊觉如今中国是真有了布鲁克纳演绎传统的萌发。布鲁克纳的交响曲，原本是特别根植于传统的作品，在欧洲范围之外广传，其实是上世纪60年代以后的事。国家大剧院乐团建立不到20年。大剧院的唱片品牌推出的第一张唱片，竟是吕嘉同乐队合作的布鲁克纳《第二交响曲》。
彼时，很多人会认为指挥家是大胆的。或者不如说，这操作像是疯了，首秀选布鲁克纳，还是冷门的“第二”？你还想打造国内的布鲁克纳传统吗？然而听了14日的“布七”，我只能由衷佩服：传统是由人建立的，以尊重音乐为前提。
在本文不长的篇幅里，略谈这次演绎两个最核心的方向：作品的结构表现，以及整体性的布鲁克纳风格。此二者，本质上是循序渐进的。
布鲁克纳的交响曲通常被视为规模宏大，情感凝重而内向的作品。从演奏时间上看，吕嘉演完“布七”大致用了80分钟，属于最慢之列。身临其境地听，会否感到慢得难以承受？是也不是。该作的前两个乐章都很庞大，第一乐章我几乎没有感觉到慢，演完后看了一下时间，居然到达28分钟左右！
第二乐章明显的慢，对于后半部分总高潮的铺垫如巨人缓步，层次分明，步步稳健。而当高潮获得释放，直至乐章结束的部分，吕嘉所选择的速度，所塑造的省思氛围，让时间仿佛静止。那样的“慢”，有了现实的重量，几乎让人不堪承受。
然而，是指挥家单纯将慢作为一个标签吗？完全不是。第一乐章之所以听似不慢，实际用了很多时间，是因为吕嘉非常细致地解析了布鲁克纳动机发展的构思。
古典交响曲的开篇，大致采用主题与副题“二元对立”的核心进行发展，到了布鲁克纳手中，发展的因素大为丰富，基本是三个主题群的概念——每一个都包含了多样的动机。演完之后回顾，可说吕嘉对如此复杂的脉络，做了抽丝剥茧般的表现。但在音乐的进行中，指挥恰恰是让我们不断领略动机如何“生长”的过程。
音乐的妙处，在于它的结构是动态呈现的，始终要顾及各种关系和比例。吕嘉让音乐的线条仿佛就是最自然地生长着。动机的变形，被勾勒得清清楚楚；浪漫派中最长的乐句呼吸，被表现为绵延无际，仿佛仅有自然的蜿蜒，却在这样的蜿蜒中，时时塑造出集中的表情与深刻情感。
每一处的勾勒都有那样的集中，都有丰富的信息量，我们就不会感到慢。等长卷尽行展开，将近半个小时已匆匆过去。
而该作的第二乐章，原本就是布鲁克纳献给他的艺术偶像瓦格纳的挽歌。吕嘉呈现的让人几乎难以面对的宽阔与凝重，正是令原作无尽的省思仿佛直入永恒。他在第三乐章采用略舒展的速度，但节奏感并不滞涩，很好地承接了前两个乐章统合为一的超长气息。
终曲的速度其实颇为紧凑，整体发展却不突兀。这个乐章是布鲁克纳笔下戏剧性较外向的篇章，也是音乐内容复杂而很难把握的一章。吕嘉不仅将终曲演得条分缕析，更使音乐的戏剧性到达真正能收束全篇的那种分量。而这，正是无法良好把握终曲结构的演奏所不能到达的。
这是专家之演，听者也就自然随演出而领略布鲁克纳独特的风格。表现这种风格之困难，很多在于它的综合性。布鲁克纳交响曲的音响有时让人想到管风琴，不仅需要圆融而温暖的声音，也需要既清晰地刻画乐队复调，又令多线并行的声部在温暖的音响中融为一体。
一言以蔽之，吕嘉和大剧院乐团多次让我错愕：这居然真是个国内团！？就硬技巧而言，该团体在国内未必是最强的，吕嘉有时也用一些微妙的方式藏拙。然而，那种技巧与风格相融合的“布鲁克纳式”韵味，确实是指挥家十多年耕耘之后所结出的硕果。
吕嘉塑造声音的核心，是细腻而凝聚的弦乐音响。尤其是小提琴的部分，在我听来，保持多件乐器始终凝聚的声音，是他为演出划定的安全基准线。指挥家是绝对明智的。
因为弦乐组音响凝聚的效果，不仅是乐队技艺的直接考验，对演绎布鲁克纳而言，更是绝对不能打破的框架。倘若出现一个乐器组中，十多把琴的音响实际是离散的情况（坦白说，现场并不罕见），那么布鲁克纳的风格其实是无从谈起的。
从《罗恩格林序曲》开始，吕嘉对于弦乐种种音乐表现力的发掘就很让我佩服。的确，他让这支非常年轻的乐队听起来相当有底蕴。一方面奏出作品所需要的声音，把握各种风格、质感的微差；另一方面，就是音响同分部、线条之间，始终综合性的考量，有大师手笔。
但这一切，能够权衡局限而依旧表现良好，前提就是指挥和演奏家们守住了前述的基准线。
在此基础之上，吕嘉没有追求“大音响”的炫技，而是让乐队在音质方面，在乐队复调的效果方面，真正走向布鲁克纳化。前者，如弦乐颤音的质感，在不同的揉指幅度，及不同的表情功能中，都相当耐得住品味。同样是轻盈的颤音，刻画全曲开篇的神秘感，同终曲开头“激动地”（Bewegt）情境之时，我们听到的差异，正是指挥与乐队深入布鲁克纳世界的证明。
不得不说，终曲开头那种轻盈而欣喜的音乐表现，真是太出色了。只有演奏者们自发地高度投入，方才能够呈现。
而在乐队复调方面，聆听该组合刻画第一乐章的展开部，也让我更深地认识了布鲁克纳在效果的宏大，与结构的内省之中所进入的那种“对立统一”。仿佛音响效果本身有了智慧，吕嘉与演奏家们所呈现的正是如此。
摄影：甘源
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