“慢下来，放轻松，静心专注当下事，不急于求成”。
这是一次重新定义自己的开始
最近也有姐妹来私信我，问是不是把这个号当生活号了？这么佛系。
答案肯定没有，对我这样的分享者而言，工作与生活早已密不可分[偷笑]
【慢下来】
因为节奏太快对我来说幸福感会降低很多，且明白了很多事也不是单靠速度取胜的。
其次我本身对于消费的欲望也不高，不买奢侈品，尽量不浪费不囤货，消费观上更注重性价比。
所以过度消耗自己拉满节奏划不来，不想像前些年那样了，是时候收了！
【放轻松】
只要欲望够低，就无难事[呲牙]太紧绷就像拉弓的弦一样容易断，抛弃对世俗成功学的定义，只想活的轻松幸福一些，对自己好一点。
【静心专注当下事】
某一段时间专注只做好某一件事，这也是高效的工作方法。我很普通，能专注做好一件事已经不容易，何必贪心。
【不急于求成】
太急于求成就容易迷失本心，只关注结果，自身会被功利心控制。很多时候往往适得其反。
不如做好目标管理，耐心的脚踏实地，感受过程中的从容推进与微小喜悦。
慢下来，放轻松，静心守拙
——————让自己轻装前行
#小丫成长笔记本##修行养心#
这是一次重新定义自己的开始
最近也有姐妹来私信我，问是不是把这个号当生活号了？这么佛系。
答案肯定没有，对我这样的分享者而言，工作与生活早已密不可分[偷笑]
【慢下来】
因为节奏太快对我来说幸福感会降低很多，且明白了很多事也不是单靠速度取胜的。
其次我本身对于消费的欲望也不高，不买奢侈品，尽量不浪费不囤货，消费观上更注重性价比。
所以过度消耗自己拉满节奏划不来，不想像前些年那样了，是时候收了！
【放轻松】
只要欲望够低，就无难事[呲牙]太紧绷就像拉弓的弦一样容易断，抛弃对世俗成功学的定义，只想活的轻松幸福一些，对自己好一点。
【静心专注当下事】
某一段时间专注只做好某一件事，这也是高效的工作方法。我很普通，能专注做好一件事已经不容易，何必贪心。
【不急于求成】
太急于求成就容易迷失本心，只关注结果，自身会被功利心控制。很多时候往往适得其反。
不如做好目标管理，耐心的脚踏实地，感受过程中的从容推进与微小喜悦。
慢下来，放轻松，静心守拙
——————让自己轻装前行
#小丫成长笔记本##修行养心#
听到最后，往往是莫扎特2：塞尔金（Rudolf Serkin）早期的现场，金刚不坏之“骨”与宛如人声之“线”
文：张可驹
某次，一位神童钢琴家有幸与托斯卡尼尼合作，演出一首协奏曲。开始排练时，钢琴部分进入未久，托斯卡尼尼就大喊：钢琴家就是些一到抒情段落就慢下来的笨蛋，连鲁道夫·塞尔金也不例外。
后半句是为了照顾小孩的自尊心，而为啥单独提到塞尔金呢？恐怕不仅是由于塞尔金从奥地利来到漂亮那边生活，同托斯卡尼尼交集比较多，更是因为他是彼时的大钢琴家中，在抒情即放慢这方面最谨慎的人之一。
因此塞尔金如果听到，并不会想为自己辩护。反正，你也找不到更好的。而如果是阿劳听见，他的心声或许是：简直可怕......（关于托氏的诠释观念，他谈了不少）。塞尔金一生经历不同的风格阶段，一条贯穿不变的主线，就是那卓然出众，不可动摇的风骨。
在莫扎特的演绎中，这样的风骨自然是相当引人注目。不过钢琴家流传最广的莫扎特录音，是他最后阶段在dg的协奏曲（与阿巴多合作）。彼时，塞尔金整体采用比较宽广的速度表现莫扎特，那样的骨力隐在表层之下。
那样的慢，不是托斯卡尼尼所说的，一抒情就放慢的“慢”，而是整体的速度设定，在此基础之上再划分层次。风骨的本质，就在于将整体的不同层面都匡正。相对化风骨于无形的晚境，早期的塞尔金可说是直接把铁画银钩的框架“拎”到面上。演奏锐气逼人，同时光彩夺目。
最好的体现之一，是塞尔金与米特罗普洛斯（dimitri Mitropoulos）指挥的纽约爱乐合作，1955年演出莫扎特《第25钢琴协奏曲》K. 503、《第16钢琴协奏曲》K. 451的现场录音。同dg的唱片相比，判若两人，甚至同哥伦比亚的录音室版相比也是如此。
不少人喜欢塞尔金的早期演奏甚于他的晚期，这款现场录音则是将大宗师早期的许多特质放大了。K. 503是莫扎特中后期意境尤为壮阔的管弦乐作品。然而，钢琴家表现该作一个特别的难关，在于那样的壮阔很多是乐队呈现的，独奏如何弹出足够的分量与之平衡？
无论协奏曲，还是独奏作品，莫扎特确实在钢琴上写出高度的立体感。可通过这件乐器体现管弦乐般的能量，其实并不是他的思路。无论莫扎特对于钢琴演奏的品味，还是他的演奏方式，都并不趋于那个方向。彼时乐器发展的阶段也不太支持。
作曲家打开了那么伟大而丰富的意境，“诠释的可能”，自然会带入新的东西。但直接开启键盘上的管弦乐化力量的人，是贝多芬，还有后期的海顿。说起来，贝多芬似乎也曾表示莫扎特的演奏方式太老式（彼时他已经用对话簿，他的原话未保留，但从对方的尴尬回应可知大致是此意）。
面对米特罗普洛斯代动纽约爱乐的高能演奏，塞尔金以完美的结构塑造与之均衡。这样的完美性，首先体现为钢琴家在紧凑的速度中，将旋律流动刻画为极鲜活而又雅致的效果。同时兼具人声歌咏般的“线”与金刚不坏般的“骨”。这样一份骨力，很多源于塞尔金力透纸背而光芒四射的触键风格。
那样的光芒，其外放的体现大致是早期的塞尔金多于中、后期，早期的现场多于录音室。傅聪说，听塞尔金弹琴，好像感觉他在钢琴打架。那的确不是爱抚的声音，深深联系着钢琴家同演绎之艰难的战斗。
他当然是胜利的，早年现场的光彩，伴随那永远铿锵却不粗糙的声音，就是将胜者之光辉放在面上。
塞尔金以那样的指触编织旋律线条，方向始终就是凝练。只不过同声音的构思相似，早年的大宗师也会更多将那样的凝练放在面上。以K. 503的第一乐章为例，独奏乐器以高度的流畅纵横始终，表现主题与副题内容在脉动方面深刻的统一，都是塞尔金古典灵魂的外化。
钢琴家不会去附加一些力量，仔细观察，不难发现强奏的表现其实偏节制，哪怕是在乐队灼热的高潮过后。
不用强推力度，只要将跑句的不同层面，音质、色彩、均匀度、线的流畅，以及音符间距微调的表达性，样样推向理想的控制和比例，乐句的分量自然就出来。听起来很强有力，因为时时刻刻有分量，反之就可能外强中干。
顺便一提，托斯卡尼尼的“快”，有很多也是听起来快，因为有那个完成度。
钢琴家一到抒情段落就慢下来很傻，这样的观念也许托斯卡尼尼直接跟塞尔金表达过？以托氏的风格，果真如此也毫不奇怪。但塞尔金这么弹，显然不是单纯受类似观念的影响。结构的精炼是古典风之本色，这是他持守一生的信条。
而此处既能弹出阿波罗式的完美，又能融入德奥传统的主观即兴色彩，就是塞尔金独树一帜的妙手。
当然，对于协奏曲中独奏与乐队的主次变换，大宗师是了然于胸的。无论钢琴需要有分量地穿梭于乐队之中，还是为某些突出的木管乐器伴奏，他都以绝佳的分量把控弹出一代范本。
第一乐章偶尔也会掠过沉思性的处理，那样的时刻，塞尔金可以做到既弹出深入思考的“向下挖掘”，又保持步履不停的“向前推动”。妙不可言。
如此特质，在慢乐章中进一步（几步）拓展。钢琴进来的时候，好似字字沉吟，由此引导听者进入深刻的体验，希冀精神的上升。可与此同时，再次留心，你仍会发现他并没真的放慢多少。钢琴家似乎在回应托斯卡尼尼：“不放慢”也有很多种，正如您说“强”（f）的表现有很多种一样。
把握K. 503终曲的不同分段间，那些微妙的律动的层次变化，塞尔金真是做得绝了。同样，由于能将最简洁的旋律弹出最深层的骨力，大宗师在首尾乐章独奏部分进入的时候，才能表现得那么完美，那么云淡风轻地化解乐队先前的光与热。另外，首乐章的华彩段被表现为如同微缩的歌剧场景。
同《第25钢琴协奏曲》K. 503相比，同场演出的另一首莫扎特协奏曲，《第16钢琴协奏曲》K. 451的高光更加外显。
这源于作品本身的不同，K. 451不仅充满戏剧性，独奏钢琴的写作也比K. 503华丽许多。塞尔金仿佛信手弹出的跑动，真是抖露金光一片。有时低声部好似一滚而过，其实字字有分量。
这次现场被不同的公司再版过，目前好像没有官方版出现。1955年的现场录音，音效大致属于中上水平，乐队有点糊，但声音形象尚且自然。钢琴的质感捕捉得不错。
文：张可驹
某次，一位神童钢琴家有幸与托斯卡尼尼合作，演出一首协奏曲。开始排练时，钢琴部分进入未久，托斯卡尼尼就大喊：钢琴家就是些一到抒情段落就慢下来的笨蛋，连鲁道夫·塞尔金也不例外。
后半句是为了照顾小孩的自尊心，而为啥单独提到塞尔金呢？恐怕不仅是由于塞尔金从奥地利来到漂亮那边生活，同托斯卡尼尼交集比较多，更是因为他是彼时的大钢琴家中，在抒情即放慢这方面最谨慎的人之一。
因此塞尔金如果听到，并不会想为自己辩护。反正，你也找不到更好的。而如果是阿劳听见，他的心声或许是：简直可怕......（关于托氏的诠释观念，他谈了不少）。塞尔金一生经历不同的风格阶段，一条贯穿不变的主线，就是那卓然出众，不可动摇的风骨。
在莫扎特的演绎中，这样的风骨自然是相当引人注目。不过钢琴家流传最广的莫扎特录音，是他最后阶段在dg的协奏曲（与阿巴多合作）。彼时，塞尔金整体采用比较宽广的速度表现莫扎特，那样的骨力隐在表层之下。
那样的慢，不是托斯卡尼尼所说的，一抒情就放慢的“慢”，而是整体的速度设定，在此基础之上再划分层次。风骨的本质，就在于将整体的不同层面都匡正。相对化风骨于无形的晚境，早期的塞尔金可说是直接把铁画银钩的框架“拎”到面上。演奏锐气逼人，同时光彩夺目。
最好的体现之一，是塞尔金与米特罗普洛斯（dimitri Mitropoulos）指挥的纽约爱乐合作，1955年演出莫扎特《第25钢琴协奏曲》K. 503、《第16钢琴协奏曲》K. 451的现场录音。同dg的唱片相比，判若两人，甚至同哥伦比亚的录音室版相比也是如此。
不少人喜欢塞尔金的早期演奏甚于他的晚期，这款现场录音则是将大宗师早期的许多特质放大了。K. 503是莫扎特中后期意境尤为壮阔的管弦乐作品。然而，钢琴家表现该作一个特别的难关，在于那样的壮阔很多是乐队呈现的，独奏如何弹出足够的分量与之平衡？
无论协奏曲，还是独奏作品，莫扎特确实在钢琴上写出高度的立体感。可通过这件乐器体现管弦乐般的能量，其实并不是他的思路。无论莫扎特对于钢琴演奏的品味，还是他的演奏方式，都并不趋于那个方向。彼时乐器发展的阶段也不太支持。
作曲家打开了那么伟大而丰富的意境，“诠释的可能”，自然会带入新的东西。但直接开启键盘上的管弦乐化力量的人，是贝多芬，还有后期的海顿。说起来，贝多芬似乎也曾表示莫扎特的演奏方式太老式（彼时他已经用对话簿，他的原话未保留，但从对方的尴尬回应可知大致是此意）。
面对米特罗普洛斯代动纽约爱乐的高能演奏，塞尔金以完美的结构塑造与之均衡。这样的完美性，首先体现为钢琴家在紧凑的速度中，将旋律流动刻画为极鲜活而又雅致的效果。同时兼具人声歌咏般的“线”与金刚不坏般的“骨”。这样一份骨力，很多源于塞尔金力透纸背而光芒四射的触键风格。
那样的光芒，其外放的体现大致是早期的塞尔金多于中、后期，早期的现场多于录音室。傅聪说，听塞尔金弹琴，好像感觉他在钢琴打架。那的确不是爱抚的声音，深深联系着钢琴家同演绎之艰难的战斗。
他当然是胜利的，早年现场的光彩，伴随那永远铿锵却不粗糙的声音，就是将胜者之光辉放在面上。
塞尔金以那样的指触编织旋律线条，方向始终就是凝练。只不过同声音的构思相似，早年的大宗师也会更多将那样的凝练放在面上。以K. 503的第一乐章为例，独奏乐器以高度的流畅纵横始终，表现主题与副题内容在脉动方面深刻的统一，都是塞尔金古典灵魂的外化。
钢琴家不会去附加一些力量，仔细观察，不难发现强奏的表现其实偏节制，哪怕是在乐队灼热的高潮过后。
不用强推力度，只要将跑句的不同层面，音质、色彩、均匀度、线的流畅，以及音符间距微调的表达性，样样推向理想的控制和比例，乐句的分量自然就出来。听起来很强有力，因为时时刻刻有分量，反之就可能外强中干。
顺便一提，托斯卡尼尼的“快”，有很多也是听起来快，因为有那个完成度。
钢琴家一到抒情段落就慢下来很傻，这样的观念也许托斯卡尼尼直接跟塞尔金表达过？以托氏的风格，果真如此也毫不奇怪。但塞尔金这么弹，显然不是单纯受类似观念的影响。结构的精炼是古典风之本色，这是他持守一生的信条。
而此处既能弹出阿波罗式的完美，又能融入德奥传统的主观即兴色彩，就是塞尔金独树一帜的妙手。
当然，对于协奏曲中独奏与乐队的主次变换，大宗师是了然于胸的。无论钢琴需要有分量地穿梭于乐队之中，还是为某些突出的木管乐器伴奏，他都以绝佳的分量把控弹出一代范本。
第一乐章偶尔也会掠过沉思性的处理，那样的时刻，塞尔金可以做到既弹出深入思考的“向下挖掘”，又保持步履不停的“向前推动”。妙不可言。
如此特质，在慢乐章中进一步（几步）拓展。钢琴进来的时候，好似字字沉吟，由此引导听者进入深刻的体验，希冀精神的上升。可与此同时，再次留心，你仍会发现他并没真的放慢多少。钢琴家似乎在回应托斯卡尼尼：“不放慢”也有很多种，正如您说“强”（f）的表现有很多种一样。
把握K. 503终曲的不同分段间，那些微妙的律动的层次变化，塞尔金真是做得绝了。同样，由于能将最简洁的旋律弹出最深层的骨力，大宗师在首尾乐章独奏部分进入的时候，才能表现得那么完美，那么云淡风轻地化解乐队先前的光与热。另外，首乐章的华彩段被表现为如同微缩的歌剧场景。
同《第25钢琴协奏曲》K. 503相比，同场演出的另一首莫扎特协奏曲，《第16钢琴协奏曲》K. 451的高光更加外显。
这源于作品本身的不同，K. 451不仅充满戏剧性，独奏钢琴的写作也比K. 503华丽许多。塞尔金仿佛信手弹出的跑动，真是抖露金光一片。有时低声部好似一滚而过，其实字字有分量。
这次现场被不同的公司再版过，目前好像没有官方版出现。1955年的现场录音，音效大致属于中上水平，乐队有点糊，但声音形象尚且自然。钢琴的质感捕捉得不错。
#wtt名古屋女子总决赛2023##体育##乒乓球#另外一场半决赛，王艺迪也以4比1击败了陈幸同。王艺迪在比赛中率先赢得2比0领先，随后陈幸同以11:3扳回一城，但是王艺迪还是通过局间调整，又迅速夺回了比赛主动权，11:8拿下第四局后，她在第五局顶住了陈幸同的最后反扑，12:10锁定胜局。王艺迪赛后自评“发挥不错”，谈到输掉的第三局，王艺迪说：“当时陈幸同搏得非常凶，自己开局就是0:8落后，再加上她打了很多好球，自己心里也有点慌。四、五局自己还是放平了心态，别让自己跟着她的节奏走，慢下来一分一分去拼。”
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