苏轼雄才大略,学识丰富,长于思维,胸怀宽阔,善于高屋建瓴地提出一些美学上的理论。针对北宋当时的绘画状况,他提出了形似与神似之间的关系的问题。他的绘画理论散见于一些文章和题画诗上,非常精辟,经常会妙语连珠,冒出思想的火花。如他批评吴道子:“论画以形似,见于儿童邻”,当是一种惊世骇俗的画论。因为吴道子向来有“画圣”之誉,不仅在当世,即使在五百年后的北宋也从者甚众。他的画法,相对于同时代的李思训,已属于写意画。他与李思训同在大同殿上画壁画,李笔下的山水一一细细勾勒,再填以青绿之色,作画孜孜不倦,数月方成。而吴道子则只是在饮酒醉后面壁一挥而就,一天就画完了嘉陵江三百里的景色。世传有“吴带当风”的说法,就是指他的用笔疾速飘逸,带有写意的成分。然而这种“写”成的画,在苏轼的眼里,还是画得太像太工,还没有舍弃其形,还在注重外形的酷肖和人物结构的逼真。苏轼觉得他使人只注意到画的形而其“神”不足,就如同儿童学画一样,最初总是以“像”为标准,认为不像的总不是好画。
苏轼所主张的好画,有两个标准:一是要有神有意,二是要有文化,这种画在对形的描绘上可以不必酷肖,不必太逼真,然而却要有神韵,有意味,而且应该从画面当中显示出充足的文学意韵来,进一步说,要能够显示出一个文人所具有的全部修养,诗、书法、绘画和印章的完美结合。这样一些条件,应当是非常苛刻的,也是一般的画工甚至是职业画家们难以达到的,非学养深厚的士大夫而不能入其境。
苏轼最为推举的画家是王维,他认为王维的画中最能体现士人画的精髓,因为他把一种独特的诗情融入进画里去、使一些即使普通平常的景致也充满了情趣,把画中所没有画出的东西也表现出来了,这样在看画的时候,就会体悟到一种诗一般的情致,这就是“画中有诗”。
然而,王维所能达到的,别人或许就难以望其项背。王维是盛唐三杰之一,与李白和杜甫齐名,文学成就极高。他又兼是佛学大师,深通禅理,又精通音乐,因此他的诗中潜现出的意境冷寂幽远,富含禅意,非常人所可能达到。他的这种文学诗情,被移到了他的画中去,使画里也浸满了浓浓的诗情,这种诗情又是靠画面的安排来体现出的,让人来体味。与之相比,无论是唐代的画家,还是宋代的大多数画家,都不具备王维这诸多的艺术修养,也达不到王维的这种意境。但唯有苏轼,他的才学与王维相当,兴趣爱好也相近,因此更能体会和崇敬王维之所为。
苏轼的这些观点,米芾也同意,在绘画革命、开宗立派这一点上他们结成了同盟军,共同创立了以写意为主的文人画。
不过,苏轼是个全才型的人物,他的精力最主要还是放在文学上。和他的无心做书家一样,他的作画也是遣兴而已,以此作为个人的修养。他的弟弟苏辙说他是“不学而得用笔之理”,是用他的绝顶聪明和丰富的才学来入门的,但他在绘画上的实践并不如米芾那样多,画的题材也没有米芾多,然而他的画论观点却是犀利而精到,往往一言就能中的。
北宋时的绘画很盛,米芾和苏轼所要创立的画派,就是符合文人士大夫胃口——高雅的、浅淡的、富于诗意的,并综合了文学、美术、书法等诸种艺术元素的品种、也是一种能够充分体现书写性的、有意趣的,并不拘泥于严格造型的画法。
这两位都不仅仅是理论者,也是实践者。不同的是苏轼的意趣是在花鸟科上,他画墨竹,画枯木怪石,都是在五代时的花鸟画家笔下没有出现过的题材,纯以水墨为之,不予敷彩,这也有别于徐熙的着色画法。他更是一改以往主要是以粗细相等的中锋细线来进行勾描的画法,而以富有节奏变化的书法用线来进行刻画,使之具有文人的典雅风格,又忽略了对外形的细致刻画,注重墨色的变化。而米则着意于山水画。
唐代之后,山水画渐臻成熟,到了宋代,已经上升为第一位的画,这一优势终之世未能改变。在中国画诸科中,总是山水第一,花鸟第二,人物已经退居第三了。五代时的山水画家众多,产生了许多大家,他们丰富了山水画的技法,并且创造出了中国画的皴法。皴法是中国画中最为独特的一种技法,它是作为表现山石的肌理和质感之用的。
皴法的出现,丰富了中国画的技法,也改变了画家用笔的方法,使他们不再单纯用中锋来勾勒描绘,而是可以用伏笔、侧笔、渴笔、枯笔甚至逆笔来作画,用来辅助仅仅勾勒而不足以表现山石质感的缺憾。
尽管米芾批评范宽的画“土石不分”,但范宽还是在他的画中大量地使用了皴法,而不单纯只是勾线填色。如果没有那些变化无穷的皴法,那画面会单调得多,宋代之后,皴法被提升到了与线条同样的高度,它和书法结合起来,既有“十八描”的说法,也有“十八皴”的说法,足见其丰富。
在材料上还有一项革新就是纸张,到了宋代中期已经开始使用生纸,即没有上过胶矾的纸。这样的纸会吸水,墨色上去之后会产生洇化,如果掌握不好就很难控制效果。相反画家恰恰可以利用这种洇化来产生水墨淋漓的画面效果,这种效果在很大的程度上是偶然性的,难以预期,远比画在熟纸和绢上丰富。生纸的被使用,促使画家的注意力从线条的表现上转到了墨色丰富的表现上。在此之前,笔墨基本是分开来的,很多勾勒填色的画大都是有笔无墨,墨只是作为渲染而被使用。但现在不同了,由于宣纸的独特效果,可以接受变化丰富的墨色,而且可以由于水分的多寡而变化无穷,这样墨的趣味就被凸显出来,真正达到了水墨淋漓的效果。用笔的轻重疾徐、正斜逆顺、蘸墨的多少、墨色的浓枯涩都可以从敏感的生宣上得到表现,虽然这一难度加大,然而也为画家们提供了更多实践的机会。
苏轼和米芾都是著名的书法家,他们因为不满意唐人那种重法度、讲究整齐划一的写法,而开创了宋代以尚意为特点的书法,他们把这一特点移用到了文人画的创建上,把尚意的精神带入绘画。这就对原来的画家的工整摹写的方法形成了挑战。苏轼之所以喜画枯木怪石,就是因为喜欢它们的扭曲道劲,富有形式上的变化。他在画这些题材时,使用了行书的线条,粗细有别,率意不经,枯涩并用,就已经在着意于文人画的创建了,把书法的笔意带入绘画,尤其是行书的多变笔意,这在以前是从没有过的。
苏轼是以学问入诗的倡导者,他强调以学问入画,以诗意入画,要求画家们在生活中寻找诗意的符号,这并不仅仅是指在画上加一个题目,而是要求整幅画的设计都要围绕着诗来进行,通过形象来画出中富有的诗情,让读者去体味、去感觉。这样一来,一幅画就不仅仅是供人欣赏的了,而需要调动观众的修养去体味,对观众的观赏水平提出了要求。他认为,在一幅画当中,人们能够感觉得到的,应该是画、诗和书法的完美结合,无异于一种综合艺术。至于印章的加入,那是要等到元代王冕以花乳石刻印之后、到了明代才形成篆刻艺术。从此,书、画、印的四大标准,在北宋之后被实践流行,已经成为检验文人画的不二圭臬。
苏轼所主张的好画,有两个标准:一是要有神有意,二是要有文化,这种画在对形的描绘上可以不必酷肖,不必太逼真,然而却要有神韵,有意味,而且应该从画面当中显示出充足的文学意韵来,进一步说,要能够显示出一个文人所具有的全部修养,诗、书法、绘画和印章的完美结合。这样一些条件,应当是非常苛刻的,也是一般的画工甚至是职业画家们难以达到的,非学养深厚的士大夫而不能入其境。
苏轼最为推举的画家是王维,他认为王维的画中最能体现士人画的精髓,因为他把一种独特的诗情融入进画里去、使一些即使普通平常的景致也充满了情趣,把画中所没有画出的东西也表现出来了,这样在看画的时候,就会体悟到一种诗一般的情致,这就是“画中有诗”。
然而,王维所能达到的,别人或许就难以望其项背。王维是盛唐三杰之一,与李白和杜甫齐名,文学成就极高。他又兼是佛学大师,深通禅理,又精通音乐,因此他的诗中潜现出的意境冷寂幽远,富含禅意,非常人所可能达到。他的这种文学诗情,被移到了他的画中去,使画里也浸满了浓浓的诗情,这种诗情又是靠画面的安排来体现出的,让人来体味。与之相比,无论是唐代的画家,还是宋代的大多数画家,都不具备王维这诸多的艺术修养,也达不到王维的这种意境。但唯有苏轼,他的才学与王维相当,兴趣爱好也相近,因此更能体会和崇敬王维之所为。
苏轼的这些观点,米芾也同意,在绘画革命、开宗立派这一点上他们结成了同盟军,共同创立了以写意为主的文人画。
不过,苏轼是个全才型的人物,他的精力最主要还是放在文学上。和他的无心做书家一样,他的作画也是遣兴而已,以此作为个人的修养。他的弟弟苏辙说他是“不学而得用笔之理”,是用他的绝顶聪明和丰富的才学来入门的,但他在绘画上的实践并不如米芾那样多,画的题材也没有米芾多,然而他的画论观点却是犀利而精到,往往一言就能中的。
北宋时的绘画很盛,米芾和苏轼所要创立的画派,就是符合文人士大夫胃口——高雅的、浅淡的、富于诗意的,并综合了文学、美术、书法等诸种艺术元素的品种、也是一种能够充分体现书写性的、有意趣的,并不拘泥于严格造型的画法。
这两位都不仅仅是理论者,也是实践者。不同的是苏轼的意趣是在花鸟科上,他画墨竹,画枯木怪石,都是在五代时的花鸟画家笔下没有出现过的题材,纯以水墨为之,不予敷彩,这也有别于徐熙的着色画法。他更是一改以往主要是以粗细相等的中锋细线来进行勾描的画法,而以富有节奏变化的书法用线来进行刻画,使之具有文人的典雅风格,又忽略了对外形的细致刻画,注重墨色的变化。而米则着意于山水画。
唐代之后,山水画渐臻成熟,到了宋代,已经上升为第一位的画,这一优势终之世未能改变。在中国画诸科中,总是山水第一,花鸟第二,人物已经退居第三了。五代时的山水画家众多,产生了许多大家,他们丰富了山水画的技法,并且创造出了中国画的皴法。皴法是中国画中最为独特的一种技法,它是作为表现山石的肌理和质感之用的。
皴法的出现,丰富了中国画的技法,也改变了画家用笔的方法,使他们不再单纯用中锋来勾勒描绘,而是可以用伏笔、侧笔、渴笔、枯笔甚至逆笔来作画,用来辅助仅仅勾勒而不足以表现山石质感的缺憾。
尽管米芾批评范宽的画“土石不分”,但范宽还是在他的画中大量地使用了皴法,而不单纯只是勾线填色。如果没有那些变化无穷的皴法,那画面会单调得多,宋代之后,皴法被提升到了与线条同样的高度,它和书法结合起来,既有“十八描”的说法,也有“十八皴”的说法,足见其丰富。
在材料上还有一项革新就是纸张,到了宋代中期已经开始使用生纸,即没有上过胶矾的纸。这样的纸会吸水,墨色上去之后会产生洇化,如果掌握不好就很难控制效果。相反画家恰恰可以利用这种洇化来产生水墨淋漓的画面效果,这种效果在很大的程度上是偶然性的,难以预期,远比画在熟纸和绢上丰富。生纸的被使用,促使画家的注意力从线条的表现上转到了墨色丰富的表现上。在此之前,笔墨基本是分开来的,很多勾勒填色的画大都是有笔无墨,墨只是作为渲染而被使用。但现在不同了,由于宣纸的独特效果,可以接受变化丰富的墨色,而且可以由于水分的多寡而变化无穷,这样墨的趣味就被凸显出来,真正达到了水墨淋漓的效果。用笔的轻重疾徐、正斜逆顺、蘸墨的多少、墨色的浓枯涩都可以从敏感的生宣上得到表现,虽然这一难度加大,然而也为画家们提供了更多实践的机会。
苏轼和米芾都是著名的书法家,他们因为不满意唐人那种重法度、讲究整齐划一的写法,而开创了宋代以尚意为特点的书法,他们把这一特点移用到了文人画的创建上,把尚意的精神带入绘画。这就对原来的画家的工整摹写的方法形成了挑战。苏轼之所以喜画枯木怪石,就是因为喜欢它们的扭曲道劲,富有形式上的变化。他在画这些题材时,使用了行书的线条,粗细有别,率意不经,枯涩并用,就已经在着意于文人画的创建了,把书法的笔意带入绘画,尤其是行书的多变笔意,这在以前是从没有过的。
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今天公告生的好早。还没催生来着
寄售屋居然直接上正式服了。之前了半个通宵写了超过3000字文案想做视频但被各种出差耽搁了[允悲]体服寄售屋之前有两个比较大的问题:一是卖方信息不透明,会被大家质疑官方是否会下场售卖绝版资源。二是勾玉兑换比例不合理
第一个问题,如红框,更新后可以看到卖家信息。这个改动好评。寄售屋就应该用于玩家之间交易,机制上也应该让人更加信服。第二个勾玉兑换比例就得看正服上线后情况了
说点个人想法:寄售屋如果能做好其实是个买家卖家和官方三方受益的功能:新入坑和错失联动老玩家有安全渠道方便购买,卖家也能把多余的碎片等转换成有效资源,官方通过魂玉和手续费得益。但如果没做好可能就会适得其反
不过看了圈官博评论居然都没啥人讨论这个,或许关注这东西的朋友并不多吧。俺还是挺在意的,具体看明天更新了#阴阳师手游[超话]#
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今天无意中看到光良的新闻,勾起了我的无限回忆,相当年我也是超级喜欢光良的歌曲呀!从童话,第一次,到后来的约定,每一首几乎都能哼唱了。想当年高中那个时候,还是磁带盛行的时候,我记得10元三盒磁带,放在复读机里去听。光良的歌曲总是那么深情,带着点点忧伤和幸福。记得看童话MV,还把自己给看哭了。约定也是听了一遍又一遍。从之前无忧无虑的少女变成如今的孩子妈,时光真是不饶人啊!光良对待音乐十年如一日的热爱,其实是一件很幸福的事情,人的一生中能找到一生所热爱的东西也是非常幸福的,可又有多少人被生活打磨的失去了~不管怎么样,生活在继续,努力向前看。
#生活感悟# https://t.cn/R2WxHzL
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