其实是正本清源的演奏：回顾王健、郑明勋（ Myung-Whun Chung ）与竹泽恭子（Kyoko Takezawa）的友情三重奏
文：张可驹
室内乐的魅力如此之大，作曲家们往往在其中写下自己最深邃的话语，演奏家们也为演出这些作品投入大量的精力。室内乐需要磨合，同协奏曲或诸多独奏作品相比，演出的效果更为内在。因此，独奏家们演绎室内乐是一个充满魅力，又不乏“危险”的选择。
魅力所在不用多说，既然作品本身了不起，自然吸引独奏家们去发掘。“危险”之处在于，实践室内乐效果的内在性，基础是参与者之间的细致磨合。独奏家们往往没有足够的时间，这是很重要的一方面；另一方面，就在于独奏家的个性往往是相对张扬的。未必是负面的张扬，但在要求彼此配合高度默契的室内乐中，这也容易触发某些“对不上”的情况。
由此，王健、郑明勋与竹泽恭子组成的友情三重奏的演出自公布以后，就引起我很大的期待。2024年4月20日，听了该组合在上海音乐厅的演奏，感到信息量颇大，这样的室内乐演出值得作为一个话题来讨论。
王健是当代最杰出的大提琴家之一；竹泽恭子是日系小提琴家中的代表人物。而郑明勋，人们熟悉他作为当代杰出指挥家的业绩，却未必常常记起他曾作为钢琴家征战柴赛，并获得第二名的佳绩。
之后，郑明勋居然一边追求指挥事业，一边和家人组成的郑氏三重奏灌录了一系列重要的室内乐录音，单单没追求成为独奏家。但友情三重奏这样一个组合，整体上还是偏独奏家组合的设定。或者说，三人各自的能量都比较强。
三位成名日久的音乐家，到此时组成一个钢琴三重奏，让人好奇是否也带点玩票的意味？然而，音乐会居然是上半场勃拉姆斯《第一钢琴三重奏》，下半场柴可夫斯基《钢琴三重奏“纪念一位伟大的艺术家”》，这样对于三重奏的演出而言分量厚重到无以复加的曲目。
除了期待还能怎样呢？听后惊奇之处，一在于郑明勋的状态明显高于预期，二在于演奏家们不介意将某些现场的不确定性交给现场，三在于这确实不是独奏家的室内乐演出，而是音乐家的室内乐演出。
不同于钢琴，弦乐的音准不固定，竹泽恭子上半场偶尔有点飘，对王健有点干扰。同时在音响方面，大提琴偏向丰满而小提琴略微干瘦。
如今人们谈到演奏，常常忽视的一个重要指标，就是音量。这也难怪，倘若主要是通过唱片或网络视频接触演奏，那种近距离拾音基本不会听起来“不够响”。可换到现场环境，某些古典流量明星根本就听不清细节，都是因为音量这个基本的技巧标准，根本不达标之故。友情三重奏的三人，在各自的演奏领域都渐渐走向老将的范畴，声音的传送却是范本级别，功底由此彰显。
其中，最让我为之一惊的，居然是郑明勋。通常一位钢琴淡出舞台（录音是一回事，他现场弹室内乐也没那么多），时间久了，很容易出现音量的贫弱，伴随细节的含糊，人们常说的手指不利索。郑明勋则否，勃拉姆斯的三重奏弹了没几句，就显明钢琴的音响虽稍有钝重感，却实在强劲而毫无虚弱。
同样，他会弹错音，但细节的表现，始终有那种指触深深扎入键盘的分量。哪怕几个音有瑕疵，整体的乐句骨架一定要走正，并且是相当有力地走正。
单这一点，已然超越许多水准平庸的职业三重奏中的钢琴家。同样由此，我们窥见为何相对于独奏家的三重奏，20日的演出更堪称音乐家们的三重奏？
在演奏中，将各种因素划分主次是非常重要的。而分了主次之后，仍有不同程度的强调。若主次都不部分，那演奏者的构思就不合格，难言其它。作品的整体性显然应当被放在第一位，在此基础之上，独奏家的室内乐往往会让我们看到每一件乐器更鲜明的个性，更强烈的音乐表现的构思和技艺成就。
友情三重奏刻画勃拉姆斯的着眼点却不在于此，塑造乐句的端正仅是局部的用心，将这“堂堂正正”，势如破竹的进行汇合成为贯穿演奏始末的整体发展，才是音乐家们真正的目标。
演奏速度偏快，可那难以抵挡的推进力量，更多在于三人都是从作品发展的肌理着眼，顺着作曲家推动音乐的方向去“推”。每一件乐器独奏化的光彩，在这样的大方向面前都有所收敛。
如果说上半场演绎勃拉姆斯的三重奏时，三人还未进入最佳状态，那么等到下半场呈现老柴的作品，他们的状态更饱满的时候，前述构思也无任何改变。演奏似乎在提醒听者：窥见这交响曲般宏大的室内乐杰作如何强有力地生长开来，这实在比关注这里、那里闪过的独奏化的光彩有价值太多了。
可能每个人的聆听角度不同，总之我作为听者，很难不认同友情三重奏的演法。他们先定了主次，将关注结构的内涵与走向，置于局部处理和每件乐器的细节之上。继而，又赋予那样的视角最核心的比重，让它的分量压倒性地高于其它。
这样的操作在当下简直是珍贵无比。因为如今演奏者追求个性，甚至臆造“个性”的情况相当普遍，这当然只会干扰作品的整体感。久而久之，演奏者和听众似乎都渐渐对于内在凝聚，相当紧凑的演法有些生疏了。
友情三重奏的演出却有正本清源之妙，为此，他们不惮于将前述那样的比重做得彻底一些。尤其是在柴可夫斯基这部美妙旋律无尽奔流的作品中，老柴的旋律天赋实在太过强大，三位演奏者却仍体现出：作曲家对于古典精神的敬仰，由此安排心中的旋律之流，这是更需要关注的事情。
强劲的推动，紧凑的句法，不仅没有放松，相反还比上半场的勃拉姆斯更进一步。竹泽恭子的状态好了，发音更具感官美，并常常在高潮段落奏出一种带有强韧质感的声音。
尽管整体方向不侧重于独奏家的光彩，王健在第二乐章第九变奏中刻画的浓郁而又内敛的抒情性，还是让我们领略熟悉的他。郑明勋在该作中无论触键还是踏板的运用，都比演奏勃拉姆斯时更为得心应手。音符颗粒的清晰与色彩表现尤胜先前，音量的充沛则贯彻始终。
第七、第八两段变奏中，郑明勋从容驾驭钢琴部分突出的分量，同时表现了细腻的节奏感，这也体现在钢琴与另两件乐器的对答中（第八变奏）。听他以如此深透的指触划出节奏，在速度仍旧一往无前的背景下，将音乐呼吸表现得细致生动，很难相信那么长的时间里，钢琴连郑明勋的副业都快算不上。面对这样的演奏，乐于数算错音的听法实在很难抓住重点。
聆听这场演出之前，我猜测现场可能偏向独奏家的室内乐演法，或许郑明勋的钢琴会稍弱。他几年前来开过独奏会，褒贬不一。同时也有人估计是玩票之演。现实却完全不同，音乐家们的演奏深思熟虑，突出音乐整体的力量>追求独奏家组合的方向>每一件乐器独立的表现。
倘若这个组合还能继续，就确实让人期待。因为已经有很长一段时间，刻画出音乐强劲而有说服力的发展的演奏，在舞台上不再是主流。而这，也恰恰是友人三重奏“正本清源”之所在。
文：张可驹
室内乐的魅力如此之大，作曲家们往往在其中写下自己最深邃的话语，演奏家们也为演出这些作品投入大量的精力。室内乐需要磨合，同协奏曲或诸多独奏作品相比，演出的效果更为内在。因此，独奏家们演绎室内乐是一个充满魅力，又不乏“危险”的选择。
魅力所在不用多说，既然作品本身了不起，自然吸引独奏家们去发掘。“危险”之处在于，实践室内乐效果的内在性，基础是参与者之间的细致磨合。独奏家们往往没有足够的时间，这是很重要的一方面；另一方面，就在于独奏家的个性往往是相对张扬的。未必是负面的张扬，但在要求彼此配合高度默契的室内乐中，这也容易触发某些“对不上”的情况。
由此，王健、郑明勋与竹泽恭子组成的友情三重奏的演出自公布以后，就引起我很大的期待。2024年4月20日，听了该组合在上海音乐厅的演奏，感到信息量颇大，这样的室内乐演出值得作为一个话题来讨论。
王健是当代最杰出的大提琴家之一；竹泽恭子是日系小提琴家中的代表人物。而郑明勋，人们熟悉他作为当代杰出指挥家的业绩，却未必常常记起他曾作为钢琴家征战柴赛，并获得第二名的佳绩。
之后，郑明勋居然一边追求指挥事业，一边和家人组成的郑氏三重奏灌录了一系列重要的室内乐录音，单单没追求成为独奏家。但友情三重奏这样一个组合，整体上还是偏独奏家组合的设定。或者说，三人各自的能量都比较强。
三位成名日久的音乐家，到此时组成一个钢琴三重奏，让人好奇是否也带点玩票的意味？然而，音乐会居然是上半场勃拉姆斯《第一钢琴三重奏》，下半场柴可夫斯基《钢琴三重奏“纪念一位伟大的艺术家”》，这样对于三重奏的演出而言分量厚重到无以复加的曲目。
除了期待还能怎样呢？听后惊奇之处，一在于郑明勋的状态明显高于预期，二在于演奏家们不介意将某些现场的不确定性交给现场，三在于这确实不是独奏家的室内乐演出，而是音乐家的室内乐演出。
不同于钢琴，弦乐的音准不固定，竹泽恭子上半场偶尔有点飘，对王健有点干扰。同时在音响方面，大提琴偏向丰满而小提琴略微干瘦。
如今人们谈到演奏，常常忽视的一个重要指标，就是音量。这也难怪，倘若主要是通过唱片或网络视频接触演奏，那种近距离拾音基本不会听起来“不够响”。可换到现场环境，某些古典流量明星根本就听不清细节，都是因为音量这个基本的技巧标准，根本不达标之故。友情三重奏的三人，在各自的演奏领域都渐渐走向老将的范畴，声音的传送却是范本级别，功底由此彰显。
其中，最让我为之一惊的，居然是郑明勋。通常一位钢琴淡出舞台（录音是一回事，他现场弹室内乐也没那么多），时间久了，很容易出现音量的贫弱，伴随细节的含糊，人们常说的手指不利索。郑明勋则否，勃拉姆斯的三重奏弹了没几句，就显明钢琴的音响虽稍有钝重感，却实在强劲而毫无虚弱。
同样，他会弹错音，但细节的表现，始终有那种指触深深扎入键盘的分量。哪怕几个音有瑕疵，整体的乐句骨架一定要走正，并且是相当有力地走正。
单这一点，已然超越许多水准平庸的职业三重奏中的钢琴家。同样由此，我们窥见为何相对于独奏家的三重奏，20日的演出更堪称音乐家们的三重奏？
在演奏中，将各种因素划分主次是非常重要的。而分了主次之后，仍有不同程度的强调。若主次都不部分，那演奏者的构思就不合格，难言其它。作品的整体性显然应当被放在第一位，在此基础之上，独奏家的室内乐往往会让我们看到每一件乐器更鲜明的个性，更强烈的音乐表现的构思和技艺成就。
友情三重奏刻画勃拉姆斯的着眼点却不在于此，塑造乐句的端正仅是局部的用心，将这“堂堂正正”，势如破竹的进行汇合成为贯穿演奏始末的整体发展，才是音乐家们真正的目标。
演奏速度偏快，可那难以抵挡的推进力量，更多在于三人都是从作品发展的肌理着眼，顺着作曲家推动音乐的方向去“推”。每一件乐器独奏化的光彩，在这样的大方向面前都有所收敛。
如果说上半场演绎勃拉姆斯的三重奏时，三人还未进入最佳状态，那么等到下半场呈现老柴的作品，他们的状态更饱满的时候，前述构思也无任何改变。演奏似乎在提醒听者：窥见这交响曲般宏大的室内乐杰作如何强有力地生长开来，这实在比关注这里、那里闪过的独奏化的光彩有价值太多了。
可能每个人的聆听角度不同，总之我作为听者，很难不认同友情三重奏的演法。他们先定了主次，将关注结构的内涵与走向，置于局部处理和每件乐器的细节之上。继而，又赋予那样的视角最核心的比重，让它的分量压倒性地高于其它。
这样的操作在当下简直是珍贵无比。因为如今演奏者追求个性，甚至臆造“个性”的情况相当普遍，这当然只会干扰作品的整体感。久而久之，演奏者和听众似乎都渐渐对于内在凝聚，相当紧凑的演法有些生疏了。
友情三重奏的演出却有正本清源之妙，为此，他们不惮于将前述那样的比重做得彻底一些。尤其是在柴可夫斯基这部美妙旋律无尽奔流的作品中，老柴的旋律天赋实在太过强大，三位演奏者却仍体现出：作曲家对于古典精神的敬仰，由此安排心中的旋律之流，这是更需要关注的事情。
强劲的推动，紧凑的句法，不仅没有放松，相反还比上半场的勃拉姆斯更进一步。竹泽恭子的状态好了，发音更具感官美，并常常在高潮段落奏出一种带有强韧质感的声音。
尽管整体方向不侧重于独奏家的光彩，王健在第二乐章第九变奏中刻画的浓郁而又内敛的抒情性，还是让我们领略熟悉的他。郑明勋在该作中无论触键还是踏板的运用，都比演奏勃拉姆斯时更为得心应手。音符颗粒的清晰与色彩表现尤胜先前，音量的充沛则贯彻始终。
第七、第八两段变奏中，郑明勋从容驾驭钢琴部分突出的分量，同时表现了细腻的节奏感，这也体现在钢琴与另两件乐器的对答中（第八变奏）。听他以如此深透的指触划出节奏，在速度仍旧一往无前的背景下，将音乐呼吸表现得细致生动，很难相信那么长的时间里，钢琴连郑明勋的副业都快算不上。面对这样的演奏，乐于数算错音的听法实在很难抓住重点。
聆听这场演出之前，我猜测现场可能偏向独奏家的室内乐演法，或许郑明勋的钢琴会稍弱。他几年前来开过独奏会，褒贬不一。同时也有人估计是玩票之演。现实却完全不同，音乐家们的演奏深思熟虑，突出音乐整体的力量>追求独奏家组合的方向>每一件乐器独立的表现。
倘若这个组合还能继续，就确实让人期待。因为已经有很长一段时间，刻画出音乐强劲而有说服力的发展的演奏，在舞台上不再是主流。而这，也恰恰是友人三重奏“正本清源”之所在。
说起旧时光我有时候会想，如果一切都是慢的，给亲人写一封信，听一张旧唱片在月光下翩翩起舞，我们的时光是不是可以过得更温柔一些？Speaking of the old days, I sometimes think that if everything is slow, can we have a gentler time by writing a letter to our relatives and listening to an old record dancing in the moonlight?
看了网路上一些评价，想回应便宜或是划算其实是建立在许多条件之下，独立厂牌运作困难的地方就是人少事杂，很多事情都要亲自做才能有效控制成本，但是低成本或许并不是一件能持续且长久的事情。
厂牌成立了12年迈向13年，deca是我经纪的第一个乐团，而至今我也只经纪了两个乐团，以一个10年以上的厂牌听起来很少对吧？因为我觉得要对一群年轻人的生活负责是件需要很专注的工作。
最早是因为我跟阿谷(最初的鼓手)一起玩乐团，那时候他们要发片可能遇到了一些困难，所以请我帮忙，我是个对朋友无法不伸出援手的个性，所以才开始认识这个乐团，也经历了他们休团又换团员(重复了几次)，很多不顺利与尝试，到最后他们终于有了自己的录音工作室，真的都是从无到有的过程。
设计、视觉、制作、到宣传都只有我与另一个同事全部完成，包含每一年的海报、年历、宣传照、商品还有MV制作等，巡回完后是无止境的行政工作。很多东西应该在大家到手的时候就能感受到我们的用心，而这些没有别的心思，只是期望大家能来livehouse看演出。
很多事情便宜的原因，是建立在我们一人多工的不正常状态下生长，但如果进入真正的职业世界，很多从业人员都必须拿正常工资，包含后期光是演出的设备已经需要两辆小货车连夜载运。
最早开始巡回的时候我们常常是五个人+91(巡演经理）一个人，总共就六个人跑巡回，所有的唱片周边都是带在身上一站一站的搬过去。
91会为了订到便宜的酒店而开心，最常带我们吃的是沙县小吃，那时候上海的场租对乐团来说还是很高昂，所以我麻烦了落日飞车的国国，是不是能让deca一起跟他们在摩登天空演，他也很爽快的答应了，所以这一路上受到的帮助是非常多的，很多也是来自我认识许久的朋友，很多会伸出援手的都是当年在地下社会一起出来的乐团伙伴，大家也可能根本不认识，他们都是音乐文化中的瑰宝。
在冬季住到没有暖气的酒店因为太冷了，所以要用两个枕头把头包起来才能睡着，也是有过这种窘境，现在回想起来是还蛮有趣的经验，而演出后大家喜欢的周边微店购买，也是我在巡回后最后一天，一单单亲手寄出的，为了让大家有便宜的运费。
包含疫情头一年办的cancelled tour，也是因为很在意livehouse的生存才发起的企划，起头是一个livehouse的店长发了求救文章，而我身为从学生时期就开始听音乐现场的人也觉得我们应该来做点什么，当然这种急就章的企划一定不会很完善，但能如何呢，这世界就是很难因为一件事情而改变。过几年后确实也有收到一些反馈，他们很感激我们做了这些事情，能够影响到一两位听众或是从业人员的回馈对我来说很大的安慰。
与钱无关与你们有关，这句话是我说的，跟deca joins乐团无关，确实是在网路上随口胡诌的玩笑话。我学生时代连livehouse都没有，大家都在50人的小场所演出，有很长一段时间我们都是在比着看到底谁又做了更酷的事情，而不是像现在的风气，比较像一个阶梯状的攀比演唱会人数。我是真的没有很在意这些实际的收入，收入也不是我放下10年正职工作来开厂牌的原因。我喜欢的音乐大部分也不需要去看演唱会。
而同意在疫情困难的时候持续巡回的演出者，如果能获得一点点的成就，应该不是该被审判的事情，那时候很多艺人是不想也不指望出来演出的。
经历了连续三年每年都花了至少两个月被关在密闭的房间里，外加出来后还要等漫长而不确定的审批期，也有到了场地才被告知不能演出才惊慌搭车离开的状况，很多让大家沮丧的事情，也会想要停下这样的状况，萌生休息的念头是再正常不过，但后来就如同大家所经历的一样，疫情的结束也是让我们猝不及防。我很在意听众的回馈，所以疫情后我也觉得成本确实降低了所以也降了票价。
如果有更专业的团队进来后，成本会提高也是无可厚非，这就是职业音乐环境的真实价格，我在帮别的创作者规划巡回预算的时候常常也是考虑再三，其实有钱的话一切好解决，但因为时代也在进步，大家都希望给从业人员更好的收入。
空气脑唱片发行过的乐团，光是剩余的CD库存都是顶到天花板上，很多乐团并不热衷宣传与经营，因为作品就是他们最大的成就，也有很多很好的乐团，有些大家有看过了，也还有更多大家没看过的，在我心中他们都是很好的创作者，这些事情并不会因为现场人数多寡而影响我对他们的喜爱，如果你有幸走进一场livehouse演出，演出票价亲民又让你获得了感动，请不要吝啬多给予他(她)们赞美，因为在这一两年巡演成本是直线上升，有些乐团只是有幸在美好的那几年成长了，现在才是艰困的环境，大家也都想看更好的声光电演唱会，这一切改变了很多，以前是用荷尔蒙+肾上腺素就能演出，现在听众也更刁钻了，往往需要更多讲究。
文章是在半夜写的，思虑可能也比较乱，毕竟是七年多的相处，再来就是我跟deca已经没有经纪合约关系，我不适合也不应该代表他们说任何话，纯粹针对我个人的言论表示负责，那些并不是乐团讲的。
分享几张第一次到上海演出的照片，演出照取自网路。p.s那时候已经有重磅帆布袋啰Just kidding(真的是我们手刷的）
厂牌成立了12年迈向13年，deca是我经纪的第一个乐团，而至今我也只经纪了两个乐团，以一个10年以上的厂牌听起来很少对吧？因为我觉得要对一群年轻人的生活负责是件需要很专注的工作。
最早是因为我跟阿谷(最初的鼓手)一起玩乐团，那时候他们要发片可能遇到了一些困难，所以请我帮忙，我是个对朋友无法不伸出援手的个性，所以才开始认识这个乐团，也经历了他们休团又换团员(重复了几次)，很多不顺利与尝试，到最后他们终于有了自己的录音工作室，真的都是从无到有的过程。
设计、视觉、制作、到宣传都只有我与另一个同事全部完成，包含每一年的海报、年历、宣传照、商品还有MV制作等，巡回完后是无止境的行政工作。很多东西应该在大家到手的时候就能感受到我们的用心，而这些没有别的心思，只是期望大家能来livehouse看演出。
很多事情便宜的原因，是建立在我们一人多工的不正常状态下生长，但如果进入真正的职业世界，很多从业人员都必须拿正常工资，包含后期光是演出的设备已经需要两辆小货车连夜载运。
最早开始巡回的时候我们常常是五个人+91(巡演经理）一个人，总共就六个人跑巡回，所有的唱片周边都是带在身上一站一站的搬过去。
91会为了订到便宜的酒店而开心，最常带我们吃的是沙县小吃，那时候上海的场租对乐团来说还是很高昂，所以我麻烦了落日飞车的国国，是不是能让deca一起跟他们在摩登天空演，他也很爽快的答应了，所以这一路上受到的帮助是非常多的，很多也是来自我认识许久的朋友，很多会伸出援手的都是当年在地下社会一起出来的乐团伙伴，大家也可能根本不认识，他们都是音乐文化中的瑰宝。
在冬季住到没有暖气的酒店因为太冷了，所以要用两个枕头把头包起来才能睡着，也是有过这种窘境，现在回想起来是还蛮有趣的经验，而演出后大家喜欢的周边微店购买，也是我在巡回后最后一天，一单单亲手寄出的，为了让大家有便宜的运费。
包含疫情头一年办的cancelled tour，也是因为很在意livehouse的生存才发起的企划，起头是一个livehouse的店长发了求救文章，而我身为从学生时期就开始听音乐现场的人也觉得我们应该来做点什么，当然这种急就章的企划一定不会很完善，但能如何呢，这世界就是很难因为一件事情而改变。过几年后确实也有收到一些反馈，他们很感激我们做了这些事情，能够影响到一两位听众或是从业人员的回馈对我来说很大的安慰。
与钱无关与你们有关，这句话是我说的，跟deca joins乐团无关，确实是在网路上随口胡诌的玩笑话。我学生时代连livehouse都没有，大家都在50人的小场所演出，有很长一段时间我们都是在比着看到底谁又做了更酷的事情，而不是像现在的风气，比较像一个阶梯状的攀比演唱会人数。我是真的没有很在意这些实际的收入，收入也不是我放下10年正职工作来开厂牌的原因。我喜欢的音乐大部分也不需要去看演唱会。
而同意在疫情困难的时候持续巡回的演出者，如果能获得一点点的成就，应该不是该被审判的事情，那时候很多艺人是不想也不指望出来演出的。
经历了连续三年每年都花了至少两个月被关在密闭的房间里，外加出来后还要等漫长而不确定的审批期，也有到了场地才被告知不能演出才惊慌搭车离开的状况，很多让大家沮丧的事情，也会想要停下这样的状况，萌生休息的念头是再正常不过，但后来就如同大家所经历的一样，疫情的结束也是让我们猝不及防。我很在意听众的回馈，所以疫情后我也觉得成本确实降低了所以也降了票价。
如果有更专业的团队进来后，成本会提高也是无可厚非，这就是职业音乐环境的真实价格，我在帮别的创作者规划巡回预算的时候常常也是考虑再三，其实有钱的话一切好解决，但因为时代也在进步，大家都希望给从业人员更好的收入。
空气脑唱片发行过的乐团，光是剩余的CD库存都是顶到天花板上，很多乐团并不热衷宣传与经营，因为作品就是他们最大的成就，也有很多很好的乐团，有些大家有看过了，也还有更多大家没看过的，在我心中他们都是很好的创作者，这些事情并不会因为现场人数多寡而影响我对他们的喜爱，如果你有幸走进一场livehouse演出，演出票价亲民又让你获得了感动，请不要吝啬多给予他(她)们赞美，因为在这一两年巡演成本是直线上升，有些乐团只是有幸在美好的那几年成长了，现在才是艰困的环境，大家也都想看更好的声光电演唱会，这一切改变了很多，以前是用荷尔蒙+肾上腺素就能演出，现在听众也更刁钻了，往往需要更多讲究。
文章是在半夜写的，思虑可能也比较乱，毕竟是七年多的相处，再来就是我跟deca已经没有经纪合约关系，我不适合也不应该代表他们说任何话，纯粹针对我个人的言论表示负责，那些并不是乐团讲的。
分享几张第一次到上海演出的照片，演出照取自网路。p.s那时候已经有重磅帆布袋啰Just kidding(真的是我们手刷的）
✋热门推荐