为装点卧室买了几张小版画。

图1—2 : 1888年，德国画师William Unger 据伦勃朗的油画《Noli me tangere》所作蚀刻版画。

在传播方式有限的年代里，版画的重要价值在于它的功能（公共）性。利用版画技术将油画／雕塑的名作“转译”并复制，再流入寻常百姓家，成为装饰物（或“宗教用品”）。甚至可以把它理解成某种意义上的“海报”或“小广告”。

这张画的作者手艺真不赖。他模仿伦勃朗的铜板语言（如：人物身体和手上那些纠缠的，准确而放松的，虚实相生的线条；抹大拉玛利亚的头巾和头部精彩的节奏变化）将后者的油画“变成”了版画，第一眼看过去我甚至以为这是伦勃朗本人的铜板作品。

图3 ：19世纪画师A Joerdens 据佛兰德斯画家康坦·马赛斯（Quentin Matsys）的油画《The burial of Christ》而作。

康坦·马赛斯不算出名，但画得极好。这种平面展开式的构图在当时颇为典型。北方文艺复兴的大师们在“刻画”这件事上总是一板一眼，曹雪芹的话说，叫“丁是丁，卯是卯”——连远山上的树叶，也要一片一片画清楚，更遑论前景里的人物了。这和“艺术处理”中经常会谈及的“主次，虚实”云云，大相径庭。拔高一下，甚至可以认为这是某种“平等”意识的显现。

从工具角度看，当时的绘画大都在墙壁，木板等坚硬而无弹力的材料上完成，因此容易产生硬朗挺拔的线条和坚实的塑造；自丁托列托以降（虽然他们相隔不远），画家才开始用现在常见的，将画布绷到木框条上的方式作画。当笔和画布接触时，画布的弹性会让画家有更多处理画面效果的可能。以上一说颇为流传，但是否准确严谨并不确凿（如：画布到底是从什么时候开始被画家广泛使用的）。

这张版画刻得中规中矩，准确说是原作“严丝合缝”式的描绘已经不给版画的“翻译”留有余地了；但反过来说，只要照着原作一笔一画抄下来，这也是件不会差的东西。

图4—5 : 西方美术史上的经典形象，中箭的塞巴斯蒂安，1912年据丢勒版画原尺寸复刻。无论这个形象在影视，文学，历史等领域如何被大量地使用，解读，研究，对我而言，他首先是以非理性的，绝对化的美感而存在的。

图6 : 作者，题目均不详，可能是一件民国时期的作品。看起来像两个车夫或者囚犯，交头接耳勾肩搭背。人物的神情做得很精彩，身体姿态的处理（哪怕只看他们脖子和肩膀的关系）生动耐看。

图7 : 鲁迅像，作者不详。
很多人喜欢把鲁迅画得高大威猛，正气凛然，满脸英烈相。然而不管画谁，得先把对方当“人”看，无论他多了不起，也会扣牙挖鼻，打嗝放屁；想表达“正”的感觉，不一定要弄得“看起来很正”的样子，这样做出来的东西离“概念”太近，离“人”太远，难免又傻又假。

鲁迅先生自己就是个例子。他作品的底色是“正”的，但他作品的气质却是“邪的，鬼的，怪的”——这恰恰是他的迷人之处。

这张画就好在，用随意的几刀，“意思意思”就完了的手法，把鲁迅的视觉形象“祛魅”了，很像亲戚里哪个不太正经的二大爷。瘦小的浙江人，留个一字胡，时而严肃时而调皮，至少在我的感觉里，鲁迅是个很“松”的人。

这些版画的收藏价值几乎是零，除了居家装饰，好像也没什么别的用途。但都是动手画画的人，对这些无名工匠，总不免心有戚戚，其中的得失深浅，一览无遗；笔墨间有情投意合处，更如天涯比邻。凡物件的价值，“贵贱”固然有别，但更重要的，还是个人的“好恶”吧。

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