昨晚听了一场四手联弹的音乐会，很享受。钢琴家何宁与张天然目前已经形成一个固定的四手联弹组合，在国内进行巡演，他们都从大学时期就开始了这样的合作。演出以一种半私人音乐会的形式举行（地点是极音乐听，这个“听”不是写错，具体可关注他们的公众号），之所以说是“半私人”，因为那是一个类似于工作室的场地，其中包含一个很小的演奏厅，但仍旧是商业演出，也的确让我们领略私人化的音乐演奏之妙。

毕竟，在20世纪之前，准确地说，是在录音普及之前，很多演出都是自娱自乐，由此也就必然私人化。这是当时很多作品诞生的原始环境。四手联弹首当其冲，在那个钢琴几乎是家庭娱乐必需品的年代，多少乐队作品必须如此才能欣赏。作曲家们写下很多四手联弹，很多在当时非常“实用”，只是目前人们大多不再如此娱乐，四手联弹在商业演出之中也处在相当边缘的位置。可这些作品由此来到人们的视线边缘是非常遗憾的事，何宁与张天然的演奏也证明了这一点。他们的演奏让我着迷之处，就在于两位钢琴家确实揭示出这些作品本身的趣味，不同层面皆然，同时在现场环境欣赏和单纯听唱片还是不一样。

我喜欢他们的演奏，也包括曲目的安排，这样的安排在现场才能显示其妙，如下：

上半场，舒伯特：《A大调回旋曲》D. 951 、《f小调幻想曲》D. 940、德彪西《小组曲》（1.泛舟 2. 游行 3. 小步舞曲 4. 芭蕾）；下半场，拉赫玛尼诺夫《六首四手联弹小品 》Op.11（1. 船歌 2.谐谑曲 3.俄罗斯主题 4.圆舞曲 5.浪漫曲 6.斯拉瓦）、罗森布拉特《双俄罗斯主题小协奏曲》。

乍看之下，可能有点头重脚轻？毕竟D. 940这样的高峰在上半场拿出来，之后的分量虽然不轻，但是否又能压得住？听后感到从现场效果来看，这真是得老派趣味的安排，很像过去的独奏会。用霍洛维兹的话说，在上半场，听众还是有心思听你说教的，而到下半场，就应该演奏一些更轻松而有效果的曲目。在舒伯特那首伟大的幻想曲确实被出色演奏的前提下，后续的曲目首首精彩，对于情感、气氛的发展与调节足具匠心。整场演出的时间着实不短，听完却无丝毫疲惫。当然，最核心的价值还是两位钢琴家的演奏确实很出色。

通常情况下，四手联弹不会出现独奏超技作品的那种难度，如前所述，很多作品过去的业余爱好者也可以弹。可作为正式的演出，难度一点也不小，关键在于两位钢琴家在各种细节中的默契。很重要的是微小的节奏律动，二人共同呈现细致的节奏感，彼此合拍是非常困难的。当然还有整体风格，音色的塑造，不同作品的音乐表现等等。

舒伯特D. 951开始时，两位钢琴家还未进入最佳状态，对于舒伯特后期的独特韵味却已表现得很迷人。该作不似之后演出的D. 940那么戏剧化，但那窥见天堂般的优美，在主题的重现之中不断延续。两位钢琴家的音色纯净而有品味，起初似乎还未完全适应场地，声音的回响略重，但毕竟对那个小厅而言，斯坦威大钢琴还是很大了，需要片刻调整也很正常。重要的是，节奏中的默契很快就抓住了我。为表现作品纯粹的优美性，他们都不介意将线条延伸、气息放长，却不坠入矫饰的俗境。

这就有赖于对深层节奏感的把握，当然还有通过得体的品位把握舒伯特的作品这件事。品位是难以量化的，有时，我甚至怀疑是难以培养的，虽然后天的培养也会有帮助，但很多还是看先天。当然这只是我自己的看法，因为听的演奏越多，我就越感到这些东西，有就是有，没有就是没有。因此当晚两位钢琴家对于D. 951的演奏就让我很期待后续了，《f小调幻想曲》D. 940之精彩还是大大超出预期。该作大致分为四个部分，连续演奏，是舒伯特后期的巅峰巨作之一，分量不下于他为小提琴和钢琴而作的那首幻想曲。开头呈现舒伯特独有的绝美而深具孤独感的悠长旋律，何宁与张天然在此稍稍收敛起D. 951中的长线条，追求一种恰当的比例：线条、节奏与不同声部的音响平衡，在此都显得恰如其分，音响略重的情况也已经消失，触键的品位益发突显。

该作可能是我们最熟悉的四手联弹，名家名版不少，可我从昨晚的演奏中所获得的感动依旧难以替代。这应该就是忠诚于作品的回馈吧。那样的层次与节奏，在悠长的流动之中，纹丝不乱，不同声部的默契融入复杂的情感变化时，揭示出室内乐的真正魅力。在作品的后两个部分，舒伯特写下了激荡的、交响化的音乐，昨晚的场地则有助于我们理解：在一个真正的“室内乐”环境，很多强奏的效果其实不下于在大厅里欣赏交响乐。两位钢琴家能畅快地呈现高潮的情感力度，又不在节奏的律动之中出现任何生硬痕迹，现场听来是非常感人的。以至于我当时都好奇，这就如同《红楼梦》中所说，警句已出，如何继续又是个难题。

整体上，两位钢琴家之后都选择了欣赏起来很轻松，艺术性又很高的作品。德彪西《小组曲》中的《泛舟》一首，旋律的弧线洋溢着宜人的优雅趣味，拉赫玛尼诺夫《圆舞曲》中的幽默感也确实得到了让人开心的呈现。不过，整场情感表现的顶点，还是毫无疑问地留给上半场的D. 940。目前，两位钢琴家已在准备他们明年巡演的曲目，这样的技艺与风格是令人期待的。

袁莎：琴就是自己（知心讲座）
因为喜欢，所以坚持✊
13年从微博上看到袁莎老师弹古筝视频，
之后就疯狂喜欢上这个乐器
大学，工作，到现在一直在坚持
今天坐在央院的演奏厅，听着袁莎讲述从小学琴经历（脸上洋溢着幸福，自信的笑容）时，举着手机录视频的我，几次没忍住眼泪，或是感触深受，或是敬佩，看着眼前散发着光芒的袁老师（更喜欢她）
深深的体会到，优秀的人总是在旁人看不到的情况下，付出了比常人多十倍的努力。
所以[爱心]普通的我，还有什么借口不努力呢，遇到困难还有什么理由让自己退缩呢。不，要告诉自己一次，两次，多次不好，都没有关系，要持续挑战自我，总有一天破茧而出。

我经过三年多，才凑齐这套李克勤先生的金碟，因为最近两年工作和家庭出了很多问题，加上这三张太宝贵，很难找，终于齐了。
《演奏厅1》《演奏厅2》《夏日之神话》都是首批限量版，日本压制的24k金碟，不想拆封了，因为太喜欢了，就一直放着好了。
感觉这个贴吧冷冷清清的，微博上也是，一个30年的零瑕疵唱将，那么严谨对待自己工作和音质的人，值得人去听。
现在的歌手很无聊，因为每个人唱都会先有公关公司说，这些年怎么不容易，怎么辛苦，怎么坚持做音乐。随便一哭，弹幕跟着心疼。
那干嘛不去看看老一辈严谨的手艺人是怎么做的，人家为什么并不会为自己的歌曲编故事，人家为什么能零瑕疵。
这社会谁都生存不易，可是如果把自己的苦过于夸大，那是能找到很多共鸣，可是真的无聊，除了所谓共鸣，一丁点意思没有。