在一部影视剧开播之后，经常会听到网友关于好片烂片的评价。
大部分观众在点评的时候都会把一部影片的好坏归咎于演员身上。
其实这样的想法是非常片面的，因为影片的好坏不只是演员一个人的责任，而是和很多人有关的。
这两年出现了很多关于提升演员演技的真人秀，比如《演员请就位》、《我就是演员》。
很多演员去这些节目走了一圈再出来之后，他们的演技确实是提升了。
不过，想要拍出好的片子，除了演员之外，导演也是相当重要的。
相信大家看了一部烂片之后会有这样的想法，那就是什么时候能把导演的水平提高一下。
毕竟有时候看到自己喜欢的好演员演了一部烂片，真的是有点意难平的。
现在终于迎来了这么一档提高导演水平的真人秀《导演请指教》。
这档综艺一共集结了16位风格迥异的导演，有新人导演、跨界导演、烂片导演等等。
既然是竞技类真人秀，那自然是要有嘉宾点评了。
相比两档“演员类”综艺，这次《导演请指教》的嘉宾团队是更加专业和多样的。
一方面有四位非常成功的制片人王晶、方励、陈祉希、郝蕾坐镇。
另一方面还请了一批影评人、编剧等相关工作的人组成了“专业鉴影组”。
由这些人来给导演们点评和提意见，那大家肯定是心服口服的。
当然，这样的场合又怎么可能少得了以毒舌著称的李诚儒呢？
当我看到这样的嘉宾阵容之后，我心里就想着节目肯定会成为爆款。
试想一下，自从李诚儒在《演员请就位》的毒舌点评火了之后，他这两年怼了多少人。
有时候我就在想，娱乐圈还有李诚儒不敢怼的人吗？
果不其然，在已经播出的两期节目中，几个阵营之间真的是吵翻天了。
毕竟电影这种东西，每个人看了之后都会有不同的理解。
大家都知道，不管是什么样的真人秀，只要是有冲突就会有话题，节目自然也会火。
有时候，真人秀为了能有热度，就算是没有话题节目组都会去利用剪辑来制造话题。
试问《导演请就位》这种不用制造处处充满话题的节目怎么能不火呢？
在前两期的各种大战之后，这档节目赢得了非常高的热度和收视率。
其实很多观众一开始看到这样的争论画面是非常开心的，因为这意味着节目是真实的。
不过，大家也是有担心的，那就是如果遇到前辈大咖之后，这些人还都敢说真话吗？
当吴镇宇的短片播放完之后，一切都有答案了。
在这档节目的16位导演当中，吴镇宇是从演员跨行来的。
在演艺圈中，吴镇宇绝对算得上是前辈大咖了，最起码比其他导演的腕是要更大的。
吴镇宇这次改编的作品是《相见你》。
原版是青春偶像题材的，吴镇宇这次改成了一个悬疑题材的。
不得不承认，吴镇宇这部短片拍得是相当抓人的，让人看了之后很想要继续看下去。
不过，这部片子有一个最大的问题，那就是没有拍完，以至于让人看不懂讲了些什么。
当然，吴镇宇也是相当诚实的，他在现场直接告诉了大家事情的原委。
说实话，在这一点上我是相当佩服吴镇宇的。
大家都知道，这种事情只要说出来就会引发一些非议的。
毕竟比赛分着好几轮，别人后续还在想题材，吴镇宇却早就已经拍完了。
很显然吴镇宇这么玩是有点违反节目规则的。
在节目的赛制之下，吴镇宇和对手竞争的只能算这一次的短片，而不能把后续的片子拿出来做加成。
单拿这次的《记》来说，故事是不完整的，观众是看不懂的，而且拍摄手法上也有很多的问题。
相信很多电视机前的观众都等着敢说真话的影评人们开始吐槽了，没想到结果却是失望的。
全场居然没有一个说这部短片不好的声音。
之前为了相国强和大家正面开杠的孟中，这次他对吴镇宇的短片赞赏有加。
看到这里我真的想问，第一期说包贝尔拍摄不专业的声音去哪里了呢？
曾经做了八期短视频吐槽包贝尔是“烂片导演”的远叔叔。
他这次面对吴镇宇的短片给出的点评也是相当高的。
他避开了所有的拍摄技巧和内容，反而是一再强调吴镇宇这个片子拍出了自己的风格，让他在这个片子中看到了“吴镇宇本人”。
这个点评真的是有点尬夸了。
我真的想问一句，哪个导演拍出来的片子没有本人的风格和味道呢？
作为一个专业的影评人，难道说这就是评价一部片子的标准吗？
远叔叔对吴镇宇导演咔咔一顿夸之后，又举了一个例子。
他说“诺兰说得非常明白，我拍《信条》不是让所有人看懂的，恰恰看到你们看不懂的面孔，我非常开心，我相信吴镇宇导演此时此刻非常开心”。
远叔叔说完之后，方励紧接着给出了一个总结。
他说“其实我困惑的不是导演，我困惑的是观众，大家都在说是一口气跟下去的，还在期待，电影不就成功了吗？电影需要看懂什么，电影本来就是一个意境，感受好不就行了吗？”
实话实说，方励说得其实挺准确的，这部短片看完之后感受确实不错，而且很多人还有期待。
简单来说，方励和远叔叔都是在夸吴镇宇的。
尤其是方励，这番话明显就是在暗示吴镇宇不要再解释了，现在就挺好的。
方励说完之后，影评人王旭东更是进行了补充，他说“之前我和方老师是有交锋的，在这一点上非常一致，电影不需要让观众看懂，电影只是我要表达，你感受到就可以了，你营造了一个氛围，我看到了一个非常自信的吴镇宇导演”。
说实话，王旭东这番话就夸得更尴尬了，对于之前他怼毕志飞的那番理论，简直就是天差地别。
孟中、远叔叔、王旭东、方励，这四位在节目中都是非常敢说的。
没想到这次面对吴镇宇的短片，他们的点评居然出奇的一致，全是夸赞。
尤其是到了王旭东这里，为了夸赞吴镇宇居然说出了“电影不需要让观众看懂”。
要说前几位的表达还是可以接受的，但王旭东的话说得就有点让人听不下去了。
电影不需要让观众看懂，那拍来干什么呢？
看到这里，我觉得这档节目从非常敢说，敢点评走向了一个“看人下菜碟”的状态。
恕我直言，这档节目的开场是相当不错的，关键就是敢说。
但如果大家的敢说要是因人而异的话，那我觉得真的可以弃综了。
那么，这档节目真的要高开低走了吗？难道面对前辈大咖就真的没人敢站出来说真话了吗？
要不是陈祉希的“真实”，《导演请指教》怕是真的要高开低走了。
在王旭东说完之后，陈祉希给出了反对意见。
陈祉希说电影是需要让观众看懂的，毕竟观众花钱买票看电影，看不懂的话图什么呢？
听了陈祉希的话之后，我真的是相当开心的。
面对吴镇宇这样的前辈大咖，还有这么多人对吴镇宇的支持和夸赞，陈祉希居然敢于站出来直接硬刚。
我真的想说陈祉希才是这档节目中最真实的。
《导演请指教》这档综艺一共分为五个阵营，分别是制片人团队、影评人团队、导演团队、演员团队、观众团队。
在这五个阵营当中，现场观众的力量是最薄弱的。
相信大家还记得，在第一期节目中，梁龙导演的短片被叫停了，当时引发了影评人团队和观众团队的一番辩论。
当时梁龙的短片《疯狂的外星人》就存在一个看不懂的问题。
作为观众来说，看不懂就按暂停键，这有什么错吗？
没想到观众只是按照赛制按了暂停键却遭到了影评人的一番“批评”。
现场观众这次相当给面子，并没有按下暂停键，而是认真看完了。
然而，结果呢？影评人居然又说出了“电影不需要让观众看懂”这样的话。
其实大家要是细品这句话就能明白，这很显然是在说观众不专业所以没看懂，影评人专业所以看懂了。
结合梁龙和吴镇宇两位导演的短片来分析，影评人两次都在暗讽观众看不懂。
站在观众的角度，我真的想要问一下，观众招谁惹谁了呢？
大家看一下吴镇宇这部短片的投票，大众上座率高达78%，而专业上座率只有52%。
观众都这么支持吴镇宇这部片子了，没想到还要被讽刺看不懂。
难道说这档综艺中观众就是最底层的吗？难道就没人能站出来帮观众说句话吗？
作为观众，我们是消费者，花钱看电影难道说只能看一个看不懂的吗？
更尴尬的是看不懂还不能说，说了就是我们不高级，不懂艺术。
幸亏这次有陈祉希，要不是她站在观众的角度来回怼其他人，观众真的就太冤了。
作为制片人，陈祉希是相当成功的，她制片的《人再囧途之泰囧》、《煎饼侠》、《唐人街探案》都是深受观众喜欢的。
为什么陈祉希能做出这么多高票房的电影呢？因为她始终坚持电影是要让观众看懂的原则。
在《导演请指教》这档综艺节目中，很多导演都有自己的表达，而且有一些导演的咖位和背景是相当大的。
面对不同背景的导演，影评人给出的点评态度是完全不同的。
很多影评人“捧高踩低”实在是有点太严重了。
在这样一个“看人下菜”的综艺中，陈祉希还能这么真实地做自己，真的是太不容易了。
这次要是没有陈祉希，相信很多人都会因为“电影不需要让观众看懂”这个理论而不追这档综艺了吧！
大部分观众在点评的时候都会把一部影片的好坏归咎于演员身上。
其实这样的想法是非常片面的，因为影片的好坏不只是演员一个人的责任，而是和很多人有关的。
这两年出现了很多关于提升演员演技的真人秀，比如《演员请就位》、《我就是演员》。
很多演员去这些节目走了一圈再出来之后，他们的演技确实是提升了。
不过，想要拍出好的片子，除了演员之外，导演也是相当重要的。
相信大家看了一部烂片之后会有这样的想法，那就是什么时候能把导演的水平提高一下。
毕竟有时候看到自己喜欢的好演员演了一部烂片，真的是有点意难平的。
现在终于迎来了这么一档提高导演水平的真人秀《导演请指教》。
这档综艺一共集结了16位风格迥异的导演，有新人导演、跨界导演、烂片导演等等。
既然是竞技类真人秀，那自然是要有嘉宾点评了。
相比两档“演员类”综艺，这次《导演请指教》的嘉宾团队是更加专业和多样的。
一方面有四位非常成功的制片人王晶、方励、陈祉希、郝蕾坐镇。
另一方面还请了一批影评人、编剧等相关工作的人组成了“专业鉴影组”。
由这些人来给导演们点评和提意见，那大家肯定是心服口服的。
当然，这样的场合又怎么可能少得了以毒舌著称的李诚儒呢？
当我看到这样的嘉宾阵容之后，我心里就想着节目肯定会成为爆款。
试想一下，自从李诚儒在《演员请就位》的毒舌点评火了之后，他这两年怼了多少人。
有时候我就在想，娱乐圈还有李诚儒不敢怼的人吗？
果不其然，在已经播出的两期节目中，几个阵营之间真的是吵翻天了。
毕竟电影这种东西，每个人看了之后都会有不同的理解。
大家都知道，不管是什么样的真人秀，只要是有冲突就会有话题，节目自然也会火。
有时候，真人秀为了能有热度，就算是没有话题节目组都会去利用剪辑来制造话题。
试问《导演请就位》这种不用制造处处充满话题的节目怎么能不火呢？
在前两期的各种大战之后，这档节目赢得了非常高的热度和收视率。
其实很多观众一开始看到这样的争论画面是非常开心的，因为这意味着节目是真实的。
不过，大家也是有担心的，那就是如果遇到前辈大咖之后，这些人还都敢说真话吗？
当吴镇宇的短片播放完之后，一切都有答案了。
在这档节目的16位导演当中，吴镇宇是从演员跨行来的。
在演艺圈中，吴镇宇绝对算得上是前辈大咖了，最起码比其他导演的腕是要更大的。
吴镇宇这次改编的作品是《相见你》。
原版是青春偶像题材的，吴镇宇这次改成了一个悬疑题材的。
不得不承认，吴镇宇这部短片拍得是相当抓人的，让人看了之后很想要继续看下去。
不过，这部片子有一个最大的问题，那就是没有拍完，以至于让人看不懂讲了些什么。
当然，吴镇宇也是相当诚实的，他在现场直接告诉了大家事情的原委。
说实话，在这一点上我是相当佩服吴镇宇的。
大家都知道，这种事情只要说出来就会引发一些非议的。
毕竟比赛分着好几轮，别人后续还在想题材，吴镇宇却早就已经拍完了。
很显然吴镇宇这么玩是有点违反节目规则的。
在节目的赛制之下，吴镇宇和对手竞争的只能算这一次的短片，而不能把后续的片子拿出来做加成。
单拿这次的《记》来说，故事是不完整的，观众是看不懂的，而且拍摄手法上也有很多的问题。
相信很多电视机前的观众都等着敢说真话的影评人们开始吐槽了，没想到结果却是失望的。
全场居然没有一个说这部短片不好的声音。
之前为了相国强和大家正面开杠的孟中，这次他对吴镇宇的短片赞赏有加。
看到这里我真的想问，第一期说包贝尔拍摄不专业的声音去哪里了呢？
曾经做了八期短视频吐槽包贝尔是“烂片导演”的远叔叔。
他这次面对吴镇宇的短片给出的点评也是相当高的。
他避开了所有的拍摄技巧和内容，反而是一再强调吴镇宇这个片子拍出了自己的风格，让他在这个片子中看到了“吴镇宇本人”。
这个点评真的是有点尬夸了。
我真的想问一句，哪个导演拍出来的片子没有本人的风格和味道呢？
作为一个专业的影评人，难道说这就是评价一部片子的标准吗？
远叔叔对吴镇宇导演咔咔一顿夸之后，又举了一个例子。
他说“诺兰说得非常明白，我拍《信条》不是让所有人看懂的，恰恰看到你们看不懂的面孔，我非常开心，我相信吴镇宇导演此时此刻非常开心”。
远叔叔说完之后，方励紧接着给出了一个总结。
他说“其实我困惑的不是导演，我困惑的是观众，大家都在说是一口气跟下去的，还在期待，电影不就成功了吗？电影需要看懂什么，电影本来就是一个意境，感受好不就行了吗？”
实话实说，方励说得其实挺准确的，这部短片看完之后感受确实不错，而且很多人还有期待。
简单来说，方励和远叔叔都是在夸吴镇宇的。
尤其是方励，这番话明显就是在暗示吴镇宇不要再解释了，现在就挺好的。
方励说完之后，影评人王旭东更是进行了补充，他说“之前我和方老师是有交锋的，在这一点上非常一致，电影不需要让观众看懂，电影只是我要表达，你感受到就可以了，你营造了一个氛围，我看到了一个非常自信的吴镇宇导演”。
说实话，王旭东这番话就夸得更尴尬了，对于之前他怼毕志飞的那番理论，简直就是天差地别。
孟中、远叔叔、王旭东、方励，这四位在节目中都是非常敢说的。
没想到这次面对吴镇宇的短片，他们的点评居然出奇的一致，全是夸赞。
尤其是到了王旭东这里，为了夸赞吴镇宇居然说出了“电影不需要让观众看懂”。
要说前几位的表达还是可以接受的，但王旭东的话说得就有点让人听不下去了。
电影不需要让观众看懂，那拍来干什么呢？
看到这里，我觉得这档节目从非常敢说，敢点评走向了一个“看人下菜碟”的状态。
恕我直言，这档节目的开场是相当不错的，关键就是敢说。
但如果大家的敢说要是因人而异的话，那我觉得真的可以弃综了。
那么，这档节目真的要高开低走了吗？难道面对前辈大咖就真的没人敢站出来说真话了吗？
要不是陈祉希的“真实”，《导演请指教》怕是真的要高开低走了。
在王旭东说完之后，陈祉希给出了反对意见。
陈祉希说电影是需要让观众看懂的，毕竟观众花钱买票看电影，看不懂的话图什么呢？
听了陈祉希的话之后，我真的是相当开心的。
面对吴镇宇这样的前辈大咖，还有这么多人对吴镇宇的支持和夸赞，陈祉希居然敢于站出来直接硬刚。
我真的想说陈祉希才是这档节目中最真实的。
《导演请指教》这档综艺一共分为五个阵营，分别是制片人团队、影评人团队、导演团队、演员团队、观众团队。
在这五个阵营当中，现场观众的力量是最薄弱的。
相信大家还记得，在第一期节目中，梁龙导演的短片被叫停了，当时引发了影评人团队和观众团队的一番辩论。
当时梁龙的短片《疯狂的外星人》就存在一个看不懂的问题。
作为观众来说，看不懂就按暂停键，这有什么错吗？
没想到观众只是按照赛制按了暂停键却遭到了影评人的一番“批评”。
现场观众这次相当给面子，并没有按下暂停键，而是认真看完了。
然而，结果呢？影评人居然又说出了“电影不需要让观众看懂”这样的话。
其实大家要是细品这句话就能明白，这很显然是在说观众不专业所以没看懂，影评人专业所以看懂了。
结合梁龙和吴镇宇两位导演的短片来分析，影评人两次都在暗讽观众看不懂。
站在观众的角度，我真的想要问一下，观众招谁惹谁了呢？
大家看一下吴镇宇这部短片的投票，大众上座率高达78%，而专业上座率只有52%。
观众都这么支持吴镇宇这部片子了，没想到还要被讽刺看不懂。
难道说这档综艺中观众就是最底层的吗？难道就没人能站出来帮观众说句话吗？
作为观众，我们是消费者，花钱看电影难道说只能看一个看不懂的吗？
更尴尬的是看不懂还不能说，说了就是我们不高级，不懂艺术。
幸亏这次有陈祉希，要不是她站在观众的角度来回怼其他人，观众真的就太冤了。
作为制片人，陈祉希是相当成功的，她制片的《人再囧途之泰囧》、《煎饼侠》、《唐人街探案》都是深受观众喜欢的。
为什么陈祉希能做出这么多高票房的电影呢？因为她始终坚持电影是要让观众看懂的原则。
在《导演请指教》这档综艺节目中，很多导演都有自己的表达，而且有一些导演的咖位和背景是相当大的。
面对不同背景的导演，影评人给出的点评态度是完全不同的。
很多影评人“捧高踩低”实在是有点太严重了。
在这样一个“看人下菜”的综艺中，陈祉希还能这么真实地做自己，真的是太不容易了。
这次要是没有陈祉希，相信很多人都会因为“电影不需要让观众看懂”这个理论而不追这档综艺了吧！
这半年的时间里，萧亚轩好像是人间蒸发了一样
不出席任何活动，也没发表任何作品。
最近一篇关于她的报道
是关于她因为被宠物狗咬伤入院做手术的采访。
提及感情状态，战遍情场的萧亚轩也第一次流露出不知所措
不知道如何定义和黄皓的关系
两人最近一次上热搜，还是7月份萧亚轩发ins宣布分开
自此之后，黄皓便独身一人前往了加拿大
虽说经纪人在后来接受采访的时候澄清二人只是暂时分开
然而明眼人都能看得出来，长达四年的恋爱
自然不能说分开马上就分开
但是想要和好如初也基本是不可能了。
大家都有各自想做的事情，理念不合。
然而这个理由太笼统，吃瓜群众纷纷猜测起来
明明二三月份的时候，两人还合体上综艺秀恩爱
怎么短短几个月就忽然走向分手了呢？
难道是因为，黄皓已经过了25岁生日吗?
真正的答案恐怕只有当事人才知道。
作为和小李子不分上下的恋爱天才，萧亚轩的快乐
不只是总能谈到年轻有活力的帅哥
还有一个有钱的土豪母亲。
她的快乐人人可见，而她的痛苦，却鲜为人知。
乡下的姥姥家里度过的，父母早早离婚都忙于事业
没有人管他们，在姥姥那里，萧亚轩永远是拘谨的
对姐弟俩要求很严格，不仅成绩要好
连发型衣服都要听从姥姥的指挥安排
姥姥重男轻女，对弟弟的教育，是要成家立业有番作为
对于萧亚轩，姥姥的要求是小时候乖乖的
成绩好好的，长大了嫁人就行了。
在这样缺乏关爱又常常受到忽视的古板家庭长大
萧亚轩慢慢有了叛逆的想法
想要逃离这个家，走到外面去看看世界。
高中毕业那年，萧亚轩选择去温哥华
在国外的那些日子，她真正打开了自我
上完课就和一群朋友去开party唱k
结果却意外让朋友发现了她的歌唱天赋。
1998年，萧亚轩经不住朋友的一再鼓励
硬着头皮参加了歌唱选秀—《华人新秀歌唱大赛》
唱法自然，声音有穿透力，引起了音乐人姚谦的注意
这位大名鼎鼎的音乐制作人给王菲写过歌
还一手捧红了刘若英蔡健雅等实力唱将
萧亚轩还没出道就被这样的金牌制作人赏识
日后的走红仿佛是注定的。
选秀比赛结束后
节目组安排她和另外两个女歌手组一个组合出道
结果另外两个女歌手因为身体不舒服退出组合
萧亚轩只能以独立歌手的身份冲进乐坛。
第二年发布个首张专辑《萧亚轩》
从此之后在乐坛便一发不可收拾
二专《红蔷薇》销量同样领先，各种奖拿到手软
第三张专辑让她直接在红勘体育馆连办两场体育会
这个体育馆不是一般的场地
窦唯、何勇都以曾在这里开过演唱会为荣
而萧亚轩发布了三张专辑
就成了继张惠妹之后第二个
出道即走红的萧亚轩顺风顺水一直到03年
那一年，她奔波在开演唱会和参加音乐盛会拿奖的道路上
成为港台地区最受欢迎的女歌手。
事业上顺风顺水，爱情上也没闲着
从参加选秀节目的时候萧亚轩就和同期歌手谈起了恋爱
前两个都没什么名气，所以也无声无息
直到03年，在朋友的跨年party上
萧亚轩认识了帅哥王阳明，随即火速谈起了恋爱。
满足了萧亚轩对于爱情的所有想象
帅，脾气好，会撩，家里还有钱
萧亚轩为了这段恋情不管不顾
萧亚轩就放下手里的所有工作
2004年，萧亚轩和经纪公司的合同到期
一手挖掘她的恩师姚谦满怀希望笃定她会续约
然而，萧亚轩当时一头扎在爱情里
不想再受经纪公司的束缚，向姚谦提出了解约
转头和经纪人自己开了公司。
这可能是她感情受挫最多的阶段，王阳明是高富帅不假
同时也是一个花心浪子，在一起的几年时间里
萧亚轩总是为他身边那些莺莺燕燕和王阳明吵架
在04年的一整年里，萧亚轩没有发行过一首歌曲
只顾着和男友分分合合。
签了新的公司华纳也基本不工作，让公司高层颇为不满
加上之前解约得罪了老东家
萧亚轩被雪藏长达三年的时间。
2006年，萧亚轩和王阳明正式分手
经历了专辑被延期演唱会被取消的萧亚轩不再当恋爱脑
知道了工作的重要，重新出发开始工作
几年的时间里再也没有谈过王阳明这样
身边美女无数的大明星
基本上都是25岁左右的鲜肉模特，颜值有余，名气不足。
直到2012年，萧亚轩这次的恋爱对象不再是嫩模
舆论纷纷攻击萧亚轩，粉丝也跟着唱衰
但萧亚轩一改以往半年一换男友的惯例
和柯震东硬是谈了两年才和平分手
在柯震东吸D被抓的时候
我们的女神亚轩早就换了富二代新男友。
和富二代男友、其他两位不知名帅哥各谈了一年后
萧亚轩喜欢鲜肉都知道，然而这次的年龄差创了新高
和萧亚轩在一起的时候，黄皓还在读书
相差16岁的年龄让观众除了调侃之外并无祝福
但是萧亚轩并不在乎
为了让不知名的男朋友在内地打开知名度
萧亚轩带着男朋友上综艺节目，在一档恋爱节目里
萧亚轩说出为什么要谈这么多男朋友：因为太需要爱了。
父母离异后由姥姥抚养
自己出道做艺人后与家人更是聚少离多
她的内心没有安全感，需要被爱来获得肯定。
黄皓接受女友的任何安排，练舞蹈练声乐
一度累到晕倒咳血，黄皓被送到医院后
萧亚轩不断自责逼着男朋友工作太厉害
萧亚轩把男友当做依靠，即使心疼黄皓的劳累
也不能减少他的工作量，在娱乐圈不勤奋
不出几年，观众就会忘掉你
而黄皓到底年纪太轻，像一个被家长排满课外班的孩子
斥责萧亚轩不给自己自由。
两个人的状态由甜蜜变成了紧张
萧亚轩的状态也一天比一天差
娱乐圈的巨大压力让她早就患上了抑郁症
心情低落的时候，经常说自己完了
甚至在粉丝群说一些莫名其妙的话，说有大事要发生
让不明所以的看客一度觉得她精神有问题。
今年7月份，萧亚轩在社交平台上宣布分手
不同于以往官宣分手时的落落大方
萧亚轩这次显得格外难过
发布视频的时候不断重复：“l am done”(结束了，我完了)
没多久经纪人紧急宣布说二人不是真正分手
只是暂时分开，没多久黄皓就独自一人去了加拿大
长达四年的感情中止，萧亚轩的第十七个男朋友离她而去
她也没有开始新的恋情。
自从在家被狗咬伤后，她就一直在医院接受治疗
身体上的伤容易痊愈，心理上的伤却不见好
可能真的如她最喜欢的一句歌词
“爱情不会留下太容易疗的伤”
祝她早日伤口痊愈。
不出席任何活动，也没发表任何作品。
最近一篇关于她的报道
是关于她因为被宠物狗咬伤入院做手术的采访。
提及感情状态，战遍情场的萧亚轩也第一次流露出不知所措
不知道如何定义和黄皓的关系
两人最近一次上热搜，还是7月份萧亚轩发ins宣布分开
自此之后，黄皓便独身一人前往了加拿大
虽说经纪人在后来接受采访的时候澄清二人只是暂时分开
然而明眼人都能看得出来，长达四年的恋爱
自然不能说分开马上就分开
但是想要和好如初也基本是不可能了。
大家都有各自想做的事情，理念不合。
然而这个理由太笼统，吃瓜群众纷纷猜测起来
明明二三月份的时候，两人还合体上综艺秀恩爱
怎么短短几个月就忽然走向分手了呢？
难道是因为，黄皓已经过了25岁生日吗?
真正的答案恐怕只有当事人才知道。
作为和小李子不分上下的恋爱天才，萧亚轩的快乐
不只是总能谈到年轻有活力的帅哥
还有一个有钱的土豪母亲。
她的快乐人人可见，而她的痛苦，却鲜为人知。
乡下的姥姥家里度过的，父母早早离婚都忙于事业
没有人管他们，在姥姥那里，萧亚轩永远是拘谨的
对姐弟俩要求很严格，不仅成绩要好
连发型衣服都要听从姥姥的指挥安排
姥姥重男轻女，对弟弟的教育，是要成家立业有番作为
对于萧亚轩，姥姥的要求是小时候乖乖的
成绩好好的，长大了嫁人就行了。
在这样缺乏关爱又常常受到忽视的古板家庭长大
萧亚轩慢慢有了叛逆的想法
想要逃离这个家，走到外面去看看世界。
高中毕业那年，萧亚轩选择去温哥华
在国外的那些日子，她真正打开了自我
上完课就和一群朋友去开party唱k
结果却意外让朋友发现了她的歌唱天赋。
1998年，萧亚轩经不住朋友的一再鼓励
硬着头皮参加了歌唱选秀—《华人新秀歌唱大赛》
唱法自然，声音有穿透力，引起了音乐人姚谦的注意
这位大名鼎鼎的音乐制作人给王菲写过歌
还一手捧红了刘若英蔡健雅等实力唱将
萧亚轩还没出道就被这样的金牌制作人赏识
日后的走红仿佛是注定的。
选秀比赛结束后
节目组安排她和另外两个女歌手组一个组合出道
结果另外两个女歌手因为身体不舒服退出组合
萧亚轩只能以独立歌手的身份冲进乐坛。
第二年发布个首张专辑《萧亚轩》
从此之后在乐坛便一发不可收拾
二专《红蔷薇》销量同样领先，各种奖拿到手软
第三张专辑让她直接在红勘体育馆连办两场体育会
这个体育馆不是一般的场地
窦唯、何勇都以曾在这里开过演唱会为荣
而萧亚轩发布了三张专辑
就成了继张惠妹之后第二个
出道即走红的萧亚轩顺风顺水一直到03年
那一年，她奔波在开演唱会和参加音乐盛会拿奖的道路上
成为港台地区最受欢迎的女歌手。
事业上顺风顺水，爱情上也没闲着
从参加选秀节目的时候萧亚轩就和同期歌手谈起了恋爱
前两个都没什么名气，所以也无声无息
直到03年，在朋友的跨年party上
萧亚轩认识了帅哥王阳明，随即火速谈起了恋爱。
满足了萧亚轩对于爱情的所有想象
帅，脾气好，会撩，家里还有钱
萧亚轩为了这段恋情不管不顾
萧亚轩就放下手里的所有工作
2004年，萧亚轩和经纪公司的合同到期
一手挖掘她的恩师姚谦满怀希望笃定她会续约
然而，萧亚轩当时一头扎在爱情里
不想再受经纪公司的束缚，向姚谦提出了解约
转头和经纪人自己开了公司。
这可能是她感情受挫最多的阶段，王阳明是高富帅不假
同时也是一个花心浪子，在一起的几年时间里
萧亚轩总是为他身边那些莺莺燕燕和王阳明吵架
在04年的一整年里，萧亚轩没有发行过一首歌曲
只顾着和男友分分合合。
签了新的公司华纳也基本不工作，让公司高层颇为不满
加上之前解约得罪了老东家
萧亚轩被雪藏长达三年的时间。
2006年，萧亚轩和王阳明正式分手
经历了专辑被延期演唱会被取消的萧亚轩不再当恋爱脑
知道了工作的重要，重新出发开始工作
几年的时间里再也没有谈过王阳明这样
身边美女无数的大明星
基本上都是25岁左右的鲜肉模特，颜值有余，名气不足。
直到2012年，萧亚轩这次的恋爱对象不再是嫩模
舆论纷纷攻击萧亚轩，粉丝也跟着唱衰
但萧亚轩一改以往半年一换男友的惯例
和柯震东硬是谈了两年才和平分手
在柯震东吸D被抓的时候
我们的女神亚轩早就换了富二代新男友。
和富二代男友、其他两位不知名帅哥各谈了一年后
萧亚轩喜欢鲜肉都知道，然而这次的年龄差创了新高
和萧亚轩在一起的时候，黄皓还在读书
相差16岁的年龄让观众除了调侃之外并无祝福
但是萧亚轩并不在乎
为了让不知名的男朋友在内地打开知名度
萧亚轩带着男朋友上综艺节目，在一档恋爱节目里
萧亚轩说出为什么要谈这么多男朋友：因为太需要爱了。
父母离异后由姥姥抚养
自己出道做艺人后与家人更是聚少离多
她的内心没有安全感，需要被爱来获得肯定。
黄皓接受女友的任何安排，练舞蹈练声乐
一度累到晕倒咳血，黄皓被送到医院后
萧亚轩不断自责逼着男朋友工作太厉害
萧亚轩把男友当做依靠，即使心疼黄皓的劳累
也不能减少他的工作量，在娱乐圈不勤奋
不出几年，观众就会忘掉你
而黄皓到底年纪太轻，像一个被家长排满课外班的孩子
斥责萧亚轩不给自己自由。
两个人的状态由甜蜜变成了紧张
萧亚轩的状态也一天比一天差
娱乐圈的巨大压力让她早就患上了抑郁症
心情低落的时候，经常说自己完了
甚至在粉丝群说一些莫名其妙的话，说有大事要发生
让不明所以的看客一度觉得她精神有问题。
今年7月份，萧亚轩在社交平台上宣布分手
不同于以往官宣分手时的落落大方
萧亚轩这次显得格外难过
发布视频的时候不断重复：“l am done”(结束了，我完了)
没多久经纪人紧急宣布说二人不是真正分手
只是暂时分开，没多久黄皓就独自一人去了加拿大
长达四年的感情中止，萧亚轩的第十七个男朋友离她而去
她也没有开始新的恋情。
自从在家被狗咬伤后，她就一直在医院接受治疗
身体上的伤容易痊愈，心理上的伤却不见好
可能真的如她最喜欢的一句歌词
“爱情不会留下太容易疗的伤”
祝她早日伤口痊愈。
#漫威电影#为什么这么多人喜欢漫威电影？
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。
在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。
上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。
而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。
1、好莱坞电影工业头一号
随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。
更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。
用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。
可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。
好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：
改编自童话、漫画或小说；
以儿童或少年为主角；
没有裸露或交欢场景；
都有长相怪异的配角适合做成玩具；
有大的动作场面，但不血腥；
大团圆结局；
采用身价未到一线的演员等。
这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。
今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。
比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。
领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。
2、技术前沿的领头羊
从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。
在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。
21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。
所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。
漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。
从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。
电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。
卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。
推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。
体现在数据上就是票房。
商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。
然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。
无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。
正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。
《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。
独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。
这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。
在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。
《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。
《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。
甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。
小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。
正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。
漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。
如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。
3、地位超然的“剪辑师”
漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。
好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。
吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。
剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。
而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。
就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”
从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。
《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。
火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。
“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。
微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。
在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。
如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。
剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。
看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。
这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。
这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。
在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。
当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。
《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。
在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。
上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。
而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。
1、好莱坞电影工业头一号
随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。
更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。
用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。
可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。
好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：
改编自童话、漫画或小说；
以儿童或少年为主角；
没有裸露或交欢场景；
都有长相怪异的配角适合做成玩具；
有大的动作场面，但不血腥；
大团圆结局；
采用身价未到一线的演员等。
这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。
今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。
比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。
领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。
2、技术前沿的领头羊
从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。
在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。
21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。
所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。
漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。
从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。
电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。
卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。
推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。
体现在数据上就是票房。
商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。
然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。
无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。
正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。
《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。
独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。
这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。
在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。
《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。
《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。
甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。
小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。
正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。
漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。
如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。
3、地位超然的“剪辑师”
漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。
好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。
吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。
剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。
而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。
就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”
从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。
《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。
火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。
“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。
微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。
在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。
如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。
剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。
看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。
这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。
这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。
在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。
当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。
《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。
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