[照相机]博物館展覽要想「賣座」，自然需要在某種程度上更貼近於大眾的預期；但如若想要「賣好」，似乎也不能全然被大眾帶著走。如何在大眾的期待當中游走，如何在完成對「爆款」的追求的同時不失自己的內容追求，這是大多數博物館展覽都不得不面對的難題。
提起「古埃及」，我們總是圍繞著「金字塔」、「木乃伊」、「黃金面具」等關鍵詞來展開一系列遐想，偶爾還帶著一絲科幻色彩。在原有印象中，大眾似乎帶著一層粉色濾鏡看待那段歷史，留下最深的感觸也多半是「神秘莫測的傑作」。
中華世紀壇舉辦的「遇見古埃及 黃金木乃伊」展覽，主辦方充分抓住大眾對於「古埃及」的既定幻想，以「黃金」以及「木乃伊」作為標題，彷彿帝王谷法老們進京。實際上，這次展覽所展示的歷史並非埃及鼎盛時期，而是古埃及歷史上最後一個王朝——托勒密（公元前300年-公元300年），一個已經經歷了希臘羅馬化雜糅的埃及文明。展品多為貴族或平民使用物——以哈瓦拉地區的木乃伊為線索，通過展示法尤姆肖像、彩繪木乃伊面具、神像雕塑石碑、貴族陶罐和首飾以及玻璃器皿和莎草紙文件，不僅再現古埃及末代王朝的掠影，亦是以不同風貌打破了人們想像「埃及」時常以金粉塗飾、佐以神秘的慣性。
考慮到大多數觀眾對埃及的歷史文化並不熟悉，在展覽的單元劃分上，策展方選擇打破傳統故事線式的敘述結構，從多元文化生活、來世思想、成為神、身份藝術、遇見眾神、遺體保護、現代發現七個單元展出107件現藏於曼切斯特博物館的古埃及文物。上述107件文物均為1880-1910年英國統治埃及期間的發掘成果，其中包含6具首次在國內展出的黃金木乃伊。
結合實際觀展體驗，我認為原有敘述結構中的七個單元可以進一步歸納為多元文化生活、生死與信仰、身份藝術、遺體與保護四個部分。
展覽第一部分為「多元文化生活」，提綱挈領地介紹埃及與希臘羅馬的淵源。展品涉及政治、經濟、宗教信仰、墓葬禮儀等方面，大到神像、神龕、香爐、帶有希臘文、埃及神像的石碑，小到貴婦們用的刺蝟、狒狒香水瓶等生活器皿，以及與周邊各國往來的貿易文書。希臘化時期的展品雖然沒有純粹的「埃及血統」，但整體風格和主題調性依然遵循傳統，在細節上增加部分外來元素，如長著歐洲面孔的埃及女神伊西絲、埃及版阿佛洛狄忒——哈托爾、身著托勒密戰袍的貝斯以及由埃及神奧西里斯與希臘眾神融合而成的王朝新寵塞拉皮斯等。
雖然展覽在開篇已經打破多個幻想，但也不盡全然脫離一個觀眾過往印象中的埃及。第二部分「生死與信仰」展出的黃金木乃伊仍舊符合了部分展覽標題帶來的期待。在希臘化時期，埃及人積極的生死觀也影響著希臘羅馬人。展品以「黃金木乃伊」為重頭戲，延伸出木乃伊面具、棺蓋版、裹屍布等一系列隨葬品，闡述「來世信仰」、「永生保護」、「成為神」的生死觀三部曲。這個時期的木乃伊，「黃金」已經不是「法老特供」原料，而滲透至貴族階層。除了繼承原有的墓葬禮儀，木乃伊在美術形式和製作工藝上化繁為簡，用亞麻和石膏製成面板塗上金漆，細節上隨處可見希臘化元素，也成為這是一時期墓葬藝術的典型。「黃金木乃伊」作為金字招牌確實讓人眼前一亮，算是打破了觀眾將「黃金面具=圖坦卡蒙」的慣性思維，拓寬了大眾對木乃伊的認知邊界。
第三部分「身份藝術」中的「法尤姆肖像」旨在呈現徹底希臘化的木乃伊。作為公元1-4世紀時期的墓葬潮流，它的熱度和影響力與黃金木乃伊不相上下。「逼真寫實」是該部分的關鍵詞，在展出13幅法尤姆肖像和兩具帶有肖像的木乃伊中，乍一看，一張逼真的人臉的木乃伊確實吸引人，甚至有些跳戲，彷彿將一個歐洲人裝進木乃伊。正如策展人坎貝爾·普萊斯博士所言：「他們看起來如此現代並能吸引你的注意力，而傳統的埃及木乃伊面具卻不能。」 他們神態各異表情豐富，既承載了傳統木乃伊的功能，又滿足了雇主「個性化」需求，尤其是瞳孔深處傳遞的情感，比黃金木乃伊擁有更多的思考空間，究竟是對永生的渴望還是對死亡的恐懼？展覽還通過CT斷層掃描圖揭開其背後真容，早在3000年前他們已深諳「一鍵美顏」之道。如果說上一部分尚未動搖觀眾的刻板印象，該部分的法尤姆肖像便徹底顛覆了觀眾對木乃伊的固有認知。同時，展覽在進入最後一部分的過道中設計了互動打卡區域，觀眾可以免費租賃主題道具拍照留念，這樣的互動設置讓大眾感官體驗都停留在主題氛圍中便於更好地觀展。
展覽第四部分「遺體與保護」依舊以「木乃伊」為視角，通過分體展示棺材、棺蓋、面罩以及隨葬品，介紹了木乃伊的製作工藝、舉行的儀式與適用人群，以及木乃伊的發現過程、保護措施與研究成果。
總體來說，「遇見古埃及 黃金木乃伊」展覽的主辦方在營銷宣傳上做足了功夫，獲得了巨大的票房成功，從經濟效益來看的確是一場非常成功的商業展覽。
從內容上看，這次展覽選擇打破傳統展覽的線性思路，選擇一種自由開放式邏輯思路詮釋主題，將解讀的權利更多交給觀眾，這樣的初衷是好的。但是，如此一來在內容的延展度上便更應該做足功夫，做到形散神聚。但本次展覽看下來，還是流於碎片化的介紹，更像一個沒有主題情節混亂的故事。其次，文本介紹不夠簡單明確，可讀性不強。尤其對於初次接觸」埃及文明「的人來說顯得並不友好。
展覽從第一部分開始便顯得有些「雜亂」，展品看似面面俱到，但是堆砌不等於多元，缺少一條清晰主線讓人很難進入狀態游離在外。即便是本次展覽呼聲最高的黃金木乃伊與法尤姆肖像，也依然讓人覺得「驚奇有餘，細緻不足」！前者將筆墨著重放在「獵奇」和「吸睛」，而相關內容的延展和挖掘還做得不夠深入。後者僅展示「逼真與寫實」似乎略有單薄，若能再豐富下法尤姆肖像的形成與變遷以及對後世的影響，包括與黃金木乃伊對比展示，這樣既能增加了展覽厚度又能拓寬大眾的想象邊界。展覽的結尾應該是點題封筆讓人回味無窮，但現有的內容卻像一篇沒有寫完的文章，草草收尾。在內容上，只見遺體展示與工藝介紹，而在挖掘與保護可凸出」本次展品的重要性「，卻寥寥數筆帶過；在展品挑選上，展品之間的銜接度弱，與主題關聯性不大，本該在前面章節出現的展品卻出現在這裡，略顯得突兀，比如公元1世紀的珠寶首飾，與黃金木乃伊配套或許更有連貫性，可以幫助大眾對木乃伊身份的解讀。
展覽，尤其是文物展，更像是一場記憶的再現，它承載人類的記憶與情感，將那些我們未接觸的事物在特定的情境下重現。倘若去除對古埃及的幻想濾鏡，會發現它的歷史文化仍舊極其豐富又複雜，可能也因為如此，展覽想盡可能展示該文明的全貌，因此在展品的挑選上較繁雜，沒有一條清晰的主線。這樣的安排對於古埃及專家而言可能是場盛宴，但對一般觀者卻是挑戰。或許木乃伊在當代仍是萬靈丹——展覽若與木乃伊有關總是受益無窮，但我們不能止步於此，否則就如一場「網紅展」，停留在與木乃伊或 「埃及主題」合影留念，單單滿足獵奇心理。其實在「木乃伊」的號召下，如果能順利讓觀者瞭解到埃及除了盛極一時的文明以及神秘莫測的傑作以外的面貌，讓觀者能在幻象與真實之間自由探索、打破自我，或許才能真正感受到古埃及文明的魅力所在。[照相机]
提起「古埃及」，我們總是圍繞著「金字塔」、「木乃伊」、「黃金面具」等關鍵詞來展開一系列遐想，偶爾還帶著一絲科幻色彩。在原有印象中，大眾似乎帶著一層粉色濾鏡看待那段歷史，留下最深的感觸也多半是「神秘莫測的傑作」。
中華世紀壇舉辦的「遇見古埃及 黃金木乃伊」展覽，主辦方充分抓住大眾對於「古埃及」的既定幻想，以「黃金」以及「木乃伊」作為標題，彷彿帝王谷法老們進京。實際上，這次展覽所展示的歷史並非埃及鼎盛時期，而是古埃及歷史上最後一個王朝——托勒密（公元前300年-公元300年），一個已經經歷了希臘羅馬化雜糅的埃及文明。展品多為貴族或平民使用物——以哈瓦拉地區的木乃伊為線索，通過展示法尤姆肖像、彩繪木乃伊面具、神像雕塑石碑、貴族陶罐和首飾以及玻璃器皿和莎草紙文件，不僅再現古埃及末代王朝的掠影，亦是以不同風貌打破了人們想像「埃及」時常以金粉塗飾、佐以神秘的慣性。
考慮到大多數觀眾對埃及的歷史文化並不熟悉，在展覽的單元劃分上，策展方選擇打破傳統故事線式的敘述結構，從多元文化生活、來世思想、成為神、身份藝術、遇見眾神、遺體保護、現代發現七個單元展出107件現藏於曼切斯特博物館的古埃及文物。上述107件文物均為1880-1910年英國統治埃及期間的發掘成果，其中包含6具首次在國內展出的黃金木乃伊。
結合實際觀展體驗，我認為原有敘述結構中的七個單元可以進一步歸納為多元文化生活、生死與信仰、身份藝術、遺體與保護四個部分。
展覽第一部分為「多元文化生活」，提綱挈領地介紹埃及與希臘羅馬的淵源。展品涉及政治、經濟、宗教信仰、墓葬禮儀等方面，大到神像、神龕、香爐、帶有希臘文、埃及神像的石碑，小到貴婦們用的刺蝟、狒狒香水瓶等生活器皿，以及與周邊各國往來的貿易文書。希臘化時期的展品雖然沒有純粹的「埃及血統」，但整體風格和主題調性依然遵循傳統，在細節上增加部分外來元素，如長著歐洲面孔的埃及女神伊西絲、埃及版阿佛洛狄忒——哈托爾、身著托勒密戰袍的貝斯以及由埃及神奧西里斯與希臘眾神融合而成的王朝新寵塞拉皮斯等。
雖然展覽在開篇已經打破多個幻想，但也不盡全然脫離一個觀眾過往印象中的埃及。第二部分「生死與信仰」展出的黃金木乃伊仍舊符合了部分展覽標題帶來的期待。在希臘化時期，埃及人積極的生死觀也影響著希臘羅馬人。展品以「黃金木乃伊」為重頭戲，延伸出木乃伊面具、棺蓋版、裹屍布等一系列隨葬品，闡述「來世信仰」、「永生保護」、「成為神」的生死觀三部曲。這個時期的木乃伊，「黃金」已經不是「法老特供」原料，而滲透至貴族階層。除了繼承原有的墓葬禮儀，木乃伊在美術形式和製作工藝上化繁為簡，用亞麻和石膏製成面板塗上金漆，細節上隨處可見希臘化元素，也成為這是一時期墓葬藝術的典型。「黃金木乃伊」作為金字招牌確實讓人眼前一亮，算是打破了觀眾將「黃金面具=圖坦卡蒙」的慣性思維，拓寬了大眾對木乃伊的認知邊界。
第三部分「身份藝術」中的「法尤姆肖像」旨在呈現徹底希臘化的木乃伊。作為公元1-4世紀時期的墓葬潮流，它的熱度和影響力與黃金木乃伊不相上下。「逼真寫實」是該部分的關鍵詞，在展出13幅法尤姆肖像和兩具帶有肖像的木乃伊中，乍一看，一張逼真的人臉的木乃伊確實吸引人，甚至有些跳戲，彷彿將一個歐洲人裝進木乃伊。正如策展人坎貝爾·普萊斯博士所言：「他們看起來如此現代並能吸引你的注意力，而傳統的埃及木乃伊面具卻不能。」 他們神態各異表情豐富，既承載了傳統木乃伊的功能，又滿足了雇主「個性化」需求，尤其是瞳孔深處傳遞的情感，比黃金木乃伊擁有更多的思考空間，究竟是對永生的渴望還是對死亡的恐懼？展覽還通過CT斷層掃描圖揭開其背後真容，早在3000年前他們已深諳「一鍵美顏」之道。如果說上一部分尚未動搖觀眾的刻板印象，該部分的法尤姆肖像便徹底顛覆了觀眾對木乃伊的固有認知。同時，展覽在進入最後一部分的過道中設計了互動打卡區域，觀眾可以免費租賃主題道具拍照留念，這樣的互動設置讓大眾感官體驗都停留在主題氛圍中便於更好地觀展。
展覽第四部分「遺體與保護」依舊以「木乃伊」為視角，通過分體展示棺材、棺蓋、面罩以及隨葬品，介紹了木乃伊的製作工藝、舉行的儀式與適用人群，以及木乃伊的發現過程、保護措施與研究成果。
總體來說，「遇見古埃及 黃金木乃伊」展覽的主辦方在營銷宣傳上做足了功夫，獲得了巨大的票房成功，從經濟效益來看的確是一場非常成功的商業展覽。
從內容上看，這次展覽選擇打破傳統展覽的線性思路，選擇一種自由開放式邏輯思路詮釋主題，將解讀的權利更多交給觀眾，這樣的初衷是好的。但是，如此一來在內容的延展度上便更應該做足功夫，做到形散神聚。但本次展覽看下來，還是流於碎片化的介紹，更像一個沒有主題情節混亂的故事。其次，文本介紹不夠簡單明確，可讀性不強。尤其對於初次接觸」埃及文明「的人來說顯得並不友好。
展覽從第一部分開始便顯得有些「雜亂」，展品看似面面俱到，但是堆砌不等於多元，缺少一條清晰主線讓人很難進入狀態游離在外。即便是本次展覽呼聲最高的黃金木乃伊與法尤姆肖像，也依然讓人覺得「驚奇有餘，細緻不足」！前者將筆墨著重放在「獵奇」和「吸睛」，而相關內容的延展和挖掘還做得不夠深入。後者僅展示「逼真與寫實」似乎略有單薄，若能再豐富下法尤姆肖像的形成與變遷以及對後世的影響，包括與黃金木乃伊對比展示，這樣既能增加了展覽厚度又能拓寬大眾的想象邊界。展覽的結尾應該是點題封筆讓人回味無窮，但現有的內容卻像一篇沒有寫完的文章，草草收尾。在內容上，只見遺體展示與工藝介紹，而在挖掘與保護可凸出」本次展品的重要性「，卻寥寥數筆帶過；在展品挑選上，展品之間的銜接度弱，與主題關聯性不大，本該在前面章節出現的展品卻出現在這裡，略顯得突兀，比如公元1世紀的珠寶首飾，與黃金木乃伊配套或許更有連貫性，可以幫助大眾對木乃伊身份的解讀。
展覽，尤其是文物展，更像是一場記憶的再現，它承載人類的記憶與情感，將那些我們未接觸的事物在特定的情境下重現。倘若去除對古埃及的幻想濾鏡，會發現它的歷史文化仍舊極其豐富又複雜，可能也因為如此，展覽想盡可能展示該文明的全貌，因此在展品的挑選上較繁雜，沒有一條清晰的主線。這樣的安排對於古埃及專家而言可能是場盛宴，但對一般觀者卻是挑戰。或許木乃伊在當代仍是萬靈丹——展覽若與木乃伊有關總是受益無窮，但我們不能止步於此，否則就如一場「網紅展」，停留在與木乃伊或 「埃及主題」合影留念，單單滿足獵奇心理。其實在「木乃伊」的號召下，如果能順利讓觀者瞭解到埃及除了盛極一時的文明以及神秘莫測的傑作以外的面貌，讓觀者能在幻象與真實之間自由探索、打破自我，或許才能真正感受到古埃及文明的魅力所在。[照相机]
Project area：127㎡
Project style：原木风格
对于久居闹市的朋友来说，很多人都向往一个清新自然的生活居所。可事实上，搬离现有的住房又不太现实。因此，改变自己的居住环境，应该是一个最好的选择。
比如本案中的屋主，为了更加贴近自然，在新房设计中，就以原木风来定位新家。而从最后的效果来看，不仅实现了屋主心中所想的空间环境，大白墙的运用，还使整个空间看起来干净清爽，非常舒适。
#室内设计# #好设计共欣赏#
Project style：原木风格
对于久居闹市的朋友来说，很多人都向往一个清新自然的生活居所。可事实上，搬离现有的住房又不太现实。因此，改变自己的居住环境，应该是一个最好的选择。
比如本案中的屋主，为了更加贴近自然，在新房设计中，就以原木风来定位新家。而从最后的效果来看，不仅实现了屋主心中所想的空间环境，大白墙的运用，还使整个空间看起来干净清爽，非常舒适。
#室内设计# #好设计共欣赏#
【剧场：正在走向“生活化”】春节期间，开业不久的济南开心麻花剧场成为市民休闲娱乐的新选择。《醉后赢家》《舒克和贝塔》《隐婚男女》等喜剧轮番上演，不少观众走进剧场，感受舞台上的年味儿。
剧场是什么？起初，它似乎只是一个演出场所，“去剧场看戏”，很多人认为这是颇为高端的文化活动；随着它的属性向文化中心拓展，逐渐成为一座城市的标志性建筑，在某种程度上体现着一座城市的品格。
如今，剧场努力在大众生活中扎得更深，正在成为“生活化”的一部分。
“如果剧场能建立起一个健康的生态，那撒下种子，任它发展，戏剧和戏剧文化一定会处处生根发芽。”这是戏剧学家赖声川对剧场发展趋势的某种期待。
不可替代的现场性：
剧场不会消亡的理由
剧场是多种艺术形式组合起来产生奇妙审美效果的艺术空间，也是从创作到接受、从艺术到市场的最终环节。即便大众能够通过电影、电视剧，甚至短视频等形式观赏表演艺术，但剧场凭借其不可替代的现场性，为戏剧的传承发展提供了坚实载体。在剧场里，台上的演员、台下的观众，在同一个空间，共同感受艺术的场域力量，这是手机、电脑、电视等载体无法替代的仪式感，也是剧场不会消亡的最重要理由。追溯我国剧场的发展，哪怕形态形式多样，现场性一直被重视，以此来保证观众能够获得最佳观赏体验。
据记载，我国最早的实体建筑剧场是戏台，出现在唐代。戏台多为木结构，平面呈四方形，三面敞开，背后有上下场门，观众从三面围观看戏。宋代剧场被称作勾阑，作为中国营业性剧场的开端，勾阑延续到元、明以至清初。
元初杜善夫的《庄家不识勾栏》套曲中就有对看戏场景的描述：“要了二百钱放过咱。入得门上个木坡。见层层叠叠团圞坐。抬头觑是个钟楼模样、往下觑却是人旋窝。见几个妇女向台儿上坐。又不是迎神赛社、不住的擂鼓筛锣。”大概可以得知，勾栏（同“勾阑”）看戏先付钱，戏台有顶、上面像个钟楼模样，观众席是个木坡，大家层层围坐，有的甚至坐上了台。这样热闹的演出情况，让当时进城的农民感到新奇不已。
明清时期戏楼出现，剧场的观演建筑变得更为精致，观众能够获取不同的现场观感。《中国大百科全书（第二版）》记载，清代宫苑中的戏楼，不仅面积大，而且变单层为两层或三层。戏楼坐南朝北，和观戏的殿堂组成四合院。正殿明间是皇帝的席位，两廊各间赐王公大臣观戏。
一直以来，剧场被认为是帮助提升鲜活感、现场感等体验感受的特定表演场地。近代，受欧美的影响，我国新式的现代剧场出现。1874年，兰心大剧院重建开幕，观众可以在封闭空间欣赏一场气势磅礴的演出，极为震撼。兰心大剧院“观众席分上下两层，上层有豪华包厢，座位面朝舞台横列，剧场和舞台之间设置乐池。”作为近代上海话剧场的典型舞台样式，这样的观剧氛围感一直保持至今。
综合性剧场的变与不变
当下，现代剧场如雨后春笋般涌现，除了对现场性一如既往的追求，它们呈现出不同的发展路径。根据中国统计年鉴最新数据，2014年至2019年，中国剧场数量从576个增长至977个，但增速逐步放缓，完成了由快速扩张走向冷静发展的转变。
最为普遍的是综合性剧场。一般来说，它们的规模很大，场地可以容纳一千多位观众同时观看，涵盖不同的表演门类，包括音乐剧、话剧、舞剧等，并且采用联合或独自运营演出项目的方式运作。记者梳理发现，2019年，青岛大剧院不断策划高品质、现象级的演出项目，特别引进了当时大热综艺《声入人心》中人气较高的几位演员出演的剧目，如音乐剧《信》《我的遗愿清单》，全年接待观众约29万人次；2021年青岛大剧院引进被誉为“国内话剧界天花板”的话剧《如梦之梦》、中央芭蕾舞团的《天鹅湖》等5个项目，再次引爆青岛演出市场。一位业内人士向记者透露：“用优质的演艺剧目，吸引更多观众走进剧场，仍然是综合性剧场不变的‘拿手好戏’。”
剧场的功能变得更加多元化。有研究从经营的角度梳理出不同类型的综合性剧场。如表演艺术中心业态，拥有多种艺术门类的创作生产或演出的能力，对所在的城市文化氛围具有一定的影响力，还能承担文化交流、艺术教育和文创开发的功能，典型代表是国家大剧院、北京天桥艺术中心；再如生产经营性剧院，一般同时拥有剧场和剧团，有“保留剧目制”“场团合一制”的特征，典型代表是首都剧场、中国儿童剧场等。
除此之外，更多剧场着眼于年轻观众的需求，推出相关文化产品及服务。北京天桥艺术中心副总经理杨树聪表示，天桥艺术中心剧目的定位是音乐剧、戏剧、儿童剧、舞剧，其实是基于消费人群的定位。除了剧目创作之外，他们结合自己的优势，在文创方面进行了大力的开发和推广，还酝酿了一个商业展览，“在剧场里做商业展览是不多见的。”杨树聪说。
而在行业共识里，剧场的发展已经融入当地城市的整体文化建设，需要在城市发展中找准自己的定位，拓展更多的发展空间。
小剧场的优势
苔花如米小，也学牡丹开。“高大上”综合性剧场一路高歌猛进，同时，受专业主义者与相当高品格观众拥趸的小剧场也越来越受欢迎。在剧场正成为“生活化”的努力中，小剧场担负的责任更大。
与综合性剧场的“雄心壮志”不同，有从业者坚持用小剧场营造艺术空间新消费场景抓住观众。从戏剧的存在及传播方式看，小剧场是相对于大剧场而言的一种当代戏剧演出形式。它的表演空间小，演员与观众贴近，各种要素相互协同呈现最佳的演出效果，令观众有完整的戏剧观赏体验。
赖声川曾多次表达了对小剧场形式的认同。他认为，综合性剧场涵盖了很多艺术门类，但每个门类需要的表演空间是不一样的。如果是看话剧，座位与舞台最合适的距离应该在24米之内，一旦超过了，观众就看不清演员的表情了，观看体验必定大打折扣。“在很多大剧院，第一排座位与舞台的距离已经有十几米，超过十几排，观众的观看效果就很差了。”赖声川表示。
实际上，做好了小剧场，一条街道甚至一个城市同样会因为它的存在而散发出奇特的吸引力磁场。2015年，赖声川在上海徐汇区美罗城商场5层建起了属于自己的剧场——“上剧场”，以此为契机组建“上剧团”。作为为大商城量身定制的精品小剧场，“上剧场”有巧思，其阶梯状的观众席整体高于舞台，避免了观众总是看到前排观众后脑勺的尴尬，同时设置一定数量的“情侣座”。开业7年来，“上剧场”先后推出了《暗恋桃花源》《曾经如是》等剧，一直保持着超高的人气，远近闻名。各种文化活动也将这里作为据点，它不仅是戏剧爱好者的“圣地”，更成为了普通市民的生活方式。
无独有偶，创立于2003年的开心麻花，在创新剧场表现形式中找到了生存空间，赚到了“多桶金”。目前，开心麻花已经在全国拥有21家剧场，一跃成为国内著名的演出全产业链公司。拿济南开心麻花剧场来说，自2021年8月正式启幕以来，凭借着独特的小剧场运营模式，一跃成为“网红打卡地”。开心麻花剧场配备高科技舞台、先进灯光、音响设备，极具市场号召力的戏剧品牌，将剧中展现的娱乐精神、生活态度、欢乐和感动一一传递给观众。在济南高新区工作的王晨告诉记者，自己花费680元购买了音乐剧《隐婚男女》的门票。2月12日演出当晚，全场600个座位座无虚席，热闹非凡。“现场实在是太震撼了，散场后还有很多戏剧发烧友在剧场门口排队‘打卡’拍照。”王晨说，抛开戏剧本身，小剧场呈现出的舞台效果更加别具一格。
“在内容生产方面，我们要在运维角度拓展新的端口，比如优质小剧场作品的生产。”开心麻花集团副总裁刘岩曾在公开场合介绍，未来，他们要把一些在商圈中或者交通便利的合适场所，做成新剧场，推动剧场在一线、二线甚至三线城市快速成长。
其实，当我们惊叹于纽约百老汇、伦敦西区、日本宝冢这样的成熟戏剧产业链时，国内剧场正在用实际行动一步步缩小差距，用“诗与远方”和大众生活连得更紧、走得更深。（大众日报）
剧场是什么？起初，它似乎只是一个演出场所，“去剧场看戏”，很多人认为这是颇为高端的文化活动；随着它的属性向文化中心拓展，逐渐成为一座城市的标志性建筑，在某种程度上体现着一座城市的品格。
如今，剧场努力在大众生活中扎得更深，正在成为“生活化”的一部分。
“如果剧场能建立起一个健康的生态，那撒下种子，任它发展，戏剧和戏剧文化一定会处处生根发芽。”这是戏剧学家赖声川对剧场发展趋势的某种期待。
不可替代的现场性：
剧场不会消亡的理由
剧场是多种艺术形式组合起来产生奇妙审美效果的艺术空间，也是从创作到接受、从艺术到市场的最终环节。即便大众能够通过电影、电视剧，甚至短视频等形式观赏表演艺术，但剧场凭借其不可替代的现场性，为戏剧的传承发展提供了坚实载体。在剧场里，台上的演员、台下的观众，在同一个空间，共同感受艺术的场域力量，这是手机、电脑、电视等载体无法替代的仪式感，也是剧场不会消亡的最重要理由。追溯我国剧场的发展，哪怕形态形式多样，现场性一直被重视，以此来保证观众能够获得最佳观赏体验。
据记载，我国最早的实体建筑剧场是戏台，出现在唐代。戏台多为木结构，平面呈四方形，三面敞开，背后有上下场门，观众从三面围观看戏。宋代剧场被称作勾阑，作为中国营业性剧场的开端，勾阑延续到元、明以至清初。
元初杜善夫的《庄家不识勾栏》套曲中就有对看戏场景的描述：“要了二百钱放过咱。入得门上个木坡。见层层叠叠团圞坐。抬头觑是个钟楼模样、往下觑却是人旋窝。见几个妇女向台儿上坐。又不是迎神赛社、不住的擂鼓筛锣。”大概可以得知，勾栏（同“勾阑”）看戏先付钱，戏台有顶、上面像个钟楼模样，观众席是个木坡，大家层层围坐，有的甚至坐上了台。这样热闹的演出情况，让当时进城的农民感到新奇不已。
明清时期戏楼出现，剧场的观演建筑变得更为精致，观众能够获取不同的现场观感。《中国大百科全书（第二版）》记载，清代宫苑中的戏楼，不仅面积大，而且变单层为两层或三层。戏楼坐南朝北，和观戏的殿堂组成四合院。正殿明间是皇帝的席位，两廊各间赐王公大臣观戏。
一直以来，剧场被认为是帮助提升鲜活感、现场感等体验感受的特定表演场地。近代，受欧美的影响，我国新式的现代剧场出现。1874年，兰心大剧院重建开幕，观众可以在封闭空间欣赏一场气势磅礴的演出，极为震撼。兰心大剧院“观众席分上下两层，上层有豪华包厢，座位面朝舞台横列，剧场和舞台之间设置乐池。”作为近代上海话剧场的典型舞台样式，这样的观剧氛围感一直保持至今。
综合性剧场的变与不变
当下，现代剧场如雨后春笋般涌现，除了对现场性一如既往的追求，它们呈现出不同的发展路径。根据中国统计年鉴最新数据，2014年至2019年，中国剧场数量从576个增长至977个，但增速逐步放缓，完成了由快速扩张走向冷静发展的转变。
最为普遍的是综合性剧场。一般来说，它们的规模很大，场地可以容纳一千多位观众同时观看，涵盖不同的表演门类，包括音乐剧、话剧、舞剧等，并且采用联合或独自运营演出项目的方式运作。记者梳理发现，2019年，青岛大剧院不断策划高品质、现象级的演出项目，特别引进了当时大热综艺《声入人心》中人气较高的几位演员出演的剧目，如音乐剧《信》《我的遗愿清单》，全年接待观众约29万人次；2021年青岛大剧院引进被誉为“国内话剧界天花板”的话剧《如梦之梦》、中央芭蕾舞团的《天鹅湖》等5个项目，再次引爆青岛演出市场。一位业内人士向记者透露：“用优质的演艺剧目，吸引更多观众走进剧场，仍然是综合性剧场不变的‘拿手好戏’。”
剧场的功能变得更加多元化。有研究从经营的角度梳理出不同类型的综合性剧场。如表演艺术中心业态，拥有多种艺术门类的创作生产或演出的能力，对所在的城市文化氛围具有一定的影响力，还能承担文化交流、艺术教育和文创开发的功能，典型代表是国家大剧院、北京天桥艺术中心；再如生产经营性剧院，一般同时拥有剧场和剧团，有“保留剧目制”“场团合一制”的特征，典型代表是首都剧场、中国儿童剧场等。
除此之外，更多剧场着眼于年轻观众的需求，推出相关文化产品及服务。北京天桥艺术中心副总经理杨树聪表示，天桥艺术中心剧目的定位是音乐剧、戏剧、儿童剧、舞剧，其实是基于消费人群的定位。除了剧目创作之外，他们结合自己的优势，在文创方面进行了大力的开发和推广，还酝酿了一个商业展览，“在剧场里做商业展览是不多见的。”杨树聪说。
而在行业共识里，剧场的发展已经融入当地城市的整体文化建设，需要在城市发展中找准自己的定位，拓展更多的发展空间。
小剧场的优势
苔花如米小，也学牡丹开。“高大上”综合性剧场一路高歌猛进，同时，受专业主义者与相当高品格观众拥趸的小剧场也越来越受欢迎。在剧场正成为“生活化”的努力中，小剧场担负的责任更大。
与综合性剧场的“雄心壮志”不同，有从业者坚持用小剧场营造艺术空间新消费场景抓住观众。从戏剧的存在及传播方式看，小剧场是相对于大剧场而言的一种当代戏剧演出形式。它的表演空间小，演员与观众贴近，各种要素相互协同呈现最佳的演出效果，令观众有完整的戏剧观赏体验。
赖声川曾多次表达了对小剧场形式的认同。他认为，综合性剧场涵盖了很多艺术门类，但每个门类需要的表演空间是不一样的。如果是看话剧，座位与舞台最合适的距离应该在24米之内，一旦超过了，观众就看不清演员的表情了，观看体验必定大打折扣。“在很多大剧院，第一排座位与舞台的距离已经有十几米，超过十几排，观众的观看效果就很差了。”赖声川表示。
实际上，做好了小剧场，一条街道甚至一个城市同样会因为它的存在而散发出奇特的吸引力磁场。2015年，赖声川在上海徐汇区美罗城商场5层建起了属于自己的剧场——“上剧场”，以此为契机组建“上剧团”。作为为大商城量身定制的精品小剧场，“上剧场”有巧思，其阶梯状的观众席整体高于舞台，避免了观众总是看到前排观众后脑勺的尴尬，同时设置一定数量的“情侣座”。开业7年来，“上剧场”先后推出了《暗恋桃花源》《曾经如是》等剧，一直保持着超高的人气，远近闻名。各种文化活动也将这里作为据点，它不仅是戏剧爱好者的“圣地”，更成为了普通市民的生活方式。
无独有偶，创立于2003年的开心麻花，在创新剧场表现形式中找到了生存空间，赚到了“多桶金”。目前，开心麻花已经在全国拥有21家剧场，一跃成为国内著名的演出全产业链公司。拿济南开心麻花剧场来说，自2021年8月正式启幕以来，凭借着独特的小剧场运营模式，一跃成为“网红打卡地”。开心麻花剧场配备高科技舞台、先进灯光、音响设备，极具市场号召力的戏剧品牌，将剧中展现的娱乐精神、生活态度、欢乐和感动一一传递给观众。在济南高新区工作的王晨告诉记者，自己花费680元购买了音乐剧《隐婚男女》的门票。2月12日演出当晚，全场600个座位座无虚席，热闹非凡。“现场实在是太震撼了，散场后还有很多戏剧发烧友在剧场门口排队‘打卡’拍照。”王晨说，抛开戏剧本身，小剧场呈现出的舞台效果更加别具一格。
“在内容生产方面，我们要在运维角度拓展新的端口，比如优质小剧场作品的生产。”开心麻花集团副总裁刘岩曾在公开场合介绍，未来，他们要把一些在商圈中或者交通便利的合适场所，做成新剧场，推动剧场在一线、二线甚至三线城市快速成长。
其实，当我们惊叹于纽约百老汇、伦敦西区、日本宝冢这样的成熟戏剧产业链时，国内剧场正在用实际行动一步步缩小差距，用“诗与远方”和大众生活连得更紧、走得更深。（大众日报）
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