#读书笔记#
《人，诗意地栖居》是存在主义大师海德格尔的经典语录集，是一部极简存在主义哲学书。此书是从海德格尔的众多著作中精选一些语段进行翻译而形成的，所以看起来很有跳跃感，主要分为“存在的真理”、“思想的任务”、“语言是存在的家”、“人，诗意地安居”、“技术和人的命运”五个部分，大致的表达了海德格尔的主要思想与话题中心，但作为非哲学专业读者，这种不连贯的纯理论读起来就有点吃力了。
《人，诗意地栖居》是存在主义大师海德格尔的经典语录集，是一部极简存在主义哲学书。此书是从海德格尔的众多著作中精选一些语段进行翻译而形成的，所以看起来很有跳跃感，主要分为“存在的真理”、“思想的任务”、“语言是存在的家”、“人，诗意地安居”、“技术和人的命运”五个部分，大致的表达了海德格尔的主要思想与话题中心，但作为非哲学专业读者，这种不连贯的纯理论读起来就有点吃力了。
【创作谈｜161.6米的黄河长卷如何绘就】黄河自古以来便是文学艺术创作的绝佳对象。以黄河为主题的美术创作，持续诞生了大量经典之作，展示了大河的壮阔、文化的深厚。近年来，这类创作更是掀起了新的高潮。日前，“黄河——王克举”美术展在山东美术馆举办，一幅161.6米恢弘油画长卷，全景式、多角度地展示了黄河或质朴，或厚重，或瑰丽的多个侧面。这幅作品广受关注，得到业内高度评价的同时，还成为了新的网红打卡地。
“一笔笔从黄河的源头画到黄河入海口，我将心中的黄河镌刻在画布上，每一笔都充满憧憬，就像藏民匍匐在长满草丛的路上……那是一种朝圣的感觉。”长卷作者、中国油画学会理事、中国美术家协会会员、中国人民大学艺术学院教授王克举说。
“游观”引领“沉浸”
160多米长卷如何绘就？王克举告诉记者，他构思10年，用了4年时间，驾车超过4万公里，跨越沿黄九省（区），36个景别共101单幅画面都是现场完成的即兴创作。年过六旬的他，就这样自黄河发源地一路画到入海口。“黄河流域的地理风貌粗犷、苍茫，特别适合用油画来展现。而在西方油画的基础上，融入中国文化的写意特征，更能展示一条中国人心目中的黄河。”王克举说。
在这幅长卷中，王克举借用了移动视线的方式，将中国绘画的意象性和油画写生的焦点透视进行了有机结合——每个场景的视角都在跟随景别需要而上下左右变换，时而仰视，时而俯视，这种“游观”的空间观念，对于观众而言，会不自觉地产生“沉浸式”的绝妙欣赏体验——由《星宿海》开始，画家用苍莽而舒缓的节奏拉开帷幕，呈现了黄河深沉神秘的源头；紧接着，《扎陵湖》《鄂陵湖》《果洛草原》《阿尼玛卿雪山》徐徐展开，王克举以线条驰骋表现水流的轻重缓急，以色彩明暗冷暖丰富画面节奏，从涓涓细流汇为银海微澜，再到水银泻地般地穿越峡谷，构成飞流夹巘之壮景；从《贵德丹霞》《冰凌丹霞》开始，画面色调逐渐由冷变暖，深沉的蓝黑色与朱红色、深红、赭石，构成了自由而跳跃的节奏，与静静的长河相望；继续向前，《壶口》《三门峡—小浪底》陡然出现，黄河以撞击天地之势发出巨龙般的吼声，恍然间如临“黄河之水天上来”之境界；转而入《豫鲁大地》《泰山·黄河玉带》《鹊华春色》《齐鲁大地》，黄河又尽显母亲般的慈爱祥和，稻谷肥硕、草木幽香、晴空浩然，终而入海；在《黄河》的终章，色彩的运用被发挥到了极致，玫瑰色、橘黄色交织而成的绯红色巨流，缓缓涌入湛蓝澄明的大海，满目光华，预示着母亲河更加美好时代的到来……长卷带来的丰富画面与情绪的跌宕，超出了“图像”营造的艺术范畴，俨然是一部交响诗，以丰富的音色和节奏的起落，糅合景色的绝美与人文的感怀，吟唱出激昂的诗篇。
“我从黄河的源头画到入海口，越发觉得黄河的伟大与不朽。虽然我画的是一条自然的黄河，但在我的内心里，它始终是汹涌澎湃的，所以我要把整条黄河画得波涛汹涌、气势磅礴。不过，画到家乡山东段的时候，广袤的大平原上，黄河已经没有了大江大河的波澜壮阔，我便在画那些庄稼的时候，也让它们像黄河水一样，呈现汹涌澎湃的状态。”谈起创作心得，王克举说，“黄河从上游到下游，河道基本上是被镶嵌在峡谷之间，中上游除壶口外，基本上没有河水奔腾的展现，小浪底是我后期有意增加的一段，放大了翻滚汹涌的河水，用以增加汹涌澎湃的气势。壶口是我画黄河的开端，为的是给整条黄河的创作定下一个气势磅礴、波涛汹涌的基调。小浪底是整幅作品的收笔之作，画到这里的时候，我异常地兴奋，画得特别快，也特别爽。笔法来自于我被小浪底放水冲沙的那种气势震撼后的抒发，当然画的时候也需要同样的激越，这种激烈的感觉非常贴切地表达了当时汹涌澎湃的心情。”
为母亲河做整体性造像
其实，在中国美术史上，虽然有很多画家画过黄河，知名的作品有吴作人的油画《三门峡工地》、李仲耘的中国画《向黄河进军》、傅抱石的中国画《黄河清》、艾中信的油画《夜渡黄河》、尚扬的油画《爷爷的河》、周韶华的中国画《黄河魂》、蒋志鑫的中国画《母亲的咆哮》等等，但此前没有艺术家画出黄河五千公里的路线、尽展黄河全貌。而且，受题材、尺幅的局限，奔腾不息的黄河水，几乎成为黄河在视觉形态上的唯一符号。王克举的创作，无疑是开创性的。
“我觉得只有大尺幅才能表现出黄河的气魄，要连贯成卷，才能完整展现出黄河万古奔流、生生不息的中华民族精神意象。”王克举告诉记者，这个想法的萌发已有十年。2009年，他带领学生前往山西碛口写生时，画了《天下黄河》和《溪镇》，再想到张大千画的《长江万里图》、王希孟画的《千里江山图》后，他就决心要为黄河绘就一幅“全身像”。自此，他开始反复写生、锤炼语言，研究前人的长卷巨制经验，制订环环相扣的创作计划和路线。直至2016年，《黄河》长卷创作正式启程，王克举以自驾的形式，身临其境、深度对话，熟悉黄河历史、了解黄河文化，沿河作画，为母亲河做整体性造像。
翻开王克举创作时用的笔记本，有几页写满了黄河沿线的地名。海拔3000米以上的，就有玛多的星宿海、鄂陵湖、扎陵湖、阿尼玛卿雪山、同德县、龙羊峡水电站等等，在乾坤湾、炳灵寺、果洛草原、泰山黄河玉带、泰山等，也都留下了他和团队的足迹。创作条件的艰苦也显而易见：黄河源头位于青藏高原，高原作画，就要克服当地低温、道路不便、饮食不便与高原反应等一系列困难；大河流经山区，路窄难行，各式画具、实木画框画架等装备，货车载不进去，就人背肩扛……
不过，王克举和他的团队以高度的热情投入其中，反而甘之如饴。“从一开始的把握不好到后来的驾轻就熟；从开始的被动描写到主动的绘画语言转换；从对画面的理性把握到情绪的注入，由此逐渐到达自己的内心并从中发现一片更为宽阔的天地。这个天地不管怎样，它是自己走过来的，是承载个人理想的天地，是内心世界最真实的表白。”
这表白中，还传递了艺术家独特的艺术思想与审美意志。特别是在绘图的色彩运用上，画家大量运用互补色释放了画作的空间张力，视觉上增强了作品的视觉感受，给予其画作在视觉上强烈的“在场性”。“在场性有着现实的意境和强烈的象征性。比如说有些水的地方画成黄色、橙黄色，这就是作者强烈的人文精神驱动所使，传达了一种个性化的精神诉求，暗含着非常浪漫的想象力。浪漫的情怀有两个，一是构图的浪漫，二是色彩的浪漫。他在色彩方面突破了以往中国人看山水的意境。”清华大学美术学院教授顾黎明评价。
“追寻黄河魂”
“现在回想起来，如何画黄河对我来说难度并不是最大的，因为毕竟对景写生、画大画创作20年了，好像前20年的探索、积累就是为了画黄河，所以在技术上或者是在艺术处理上都不是最大的困难，最大的难度是如何能靠近黄河，黄河在哪里？黄河魂在何处？”王克举坦言。
“追寻黄河魂”，或许也是黄河主题创作中，每一位文艺工作者都在深入思考的重要课题。特别是在当下，如何避免“蹭热点”式的“营销创作”，能将展现母亲河的历史脉络、人与自然的良性互动、展望高质量发展的美好未来相结合，这些问题都考验着艺术家们的创作力和创新力。总体来看，这一题材的经典之作还不够多。
王克举的《黄河》为这一题材的创新作了良好的示范。画家努力通过对黄河沿岸自然风貌的描绘和再现，概括几千年来中国人对黄河的认知、记忆和想象，把自然的黄河、人文的黄河和精神的黄河融合起来，凸显黄河不屈不挠、排除千难万险、奋勇向前的顽强精神，表达对黄河母亲及对民族的崇高敬意。“他表现黄河的节奏呼应生命之流从缘起到百转千回汇入大海的自然节奏，而且铺陈刻画着黄河所饱含的历史气息、生活脉络和民族精神，作品细节带有微妙而又充满力度的韧性。油画长卷表现的不仅是黄河的景观、黄河的文化，更是黄河的精神和境界，那是‘忽听浪声浩长空，唯见黄河天上来’人与自然的碰撞，是小我与天地的交融；那是‘九曲黄河万里沙，浪淘风簸自天涯’历史沧桑、人生浮沉的雍容豁达和坚韧顽强；那是先民历经自然洗礼、顽强生活、创造辉煌文明的智慧和生命力，是我们透过长卷感受到的震撼和感动。”中国文联副主席、中国民协主席、山东工艺美术学院院长潘鲁生高度评价。
而要做出精品，还可以围绕IP进行立体化打造。在山东美术馆的此次展览中，可见这样的探索。一方面，是展览本身的丰富。现场特别陈设了艺术家写生过程中的装备，画材画具、泥沙石块，一辆SUV直接“开”入场地中，支起的帐篷下可以观看《黄河》创作诞生的纪录片，这无疑延展了创作的深度和广度。另一方面，与展览内容相呼应，山东美术馆在161.6米的《黄河》巨制前，还举办了一场别开生面的音乐与朗诵会，《将进酒》《黄河序曲》《母亲河》，吉他弹唱《龙的传人》《你就是黄河，你就是泰山》……不同的艺术表演形式在同一空间里相见，共同为现场观众奏响中华民族心灵深处的乐章。此外，该馆近日还进一步梳理馆藏精品，挖掘出一批与黄河有关的美术作品，在不同时间节点陆续推出馆藏展，并同步在官网、官微进行推介，其中有毛岱宗的《黄河东去》，有王刚的《黄河三号》《老万》等系列作品，有张永见的雕塑作品《黄河四重奏》等等。山东美术馆特邀艺术家撰写创作思路、分享创作历程，详述作品诞生背后的故事，站在创作者或者评论家的专业视角，对馆藏作品进行解读，看见不同的艺术创作方式之下，隐含着共通的民族血脉和家国情怀。
“黄河主题创作，需要更多这样的整合、策划。”一位业内专家告诉记者，艺术创作伸出多个触角，吸纳融合更多的艺术形式进行联动，引领着观众不仅能“看到”黄河，还能“看懂”黄河，也就是在不断唤醒越来越多人骨子里的‘黄河文化基因’。这最终会带动观众体量的扩大、创作质量的双丰，“那时，艺术歌咏生命之河、人文之河、发展之河的这曲大合唱将愈加雄壮。”
“一笔笔从黄河的源头画到黄河入海口，我将心中的黄河镌刻在画布上，每一笔都充满憧憬，就像藏民匍匐在长满草丛的路上……那是一种朝圣的感觉。”长卷作者、中国油画学会理事、中国美术家协会会员、中国人民大学艺术学院教授王克举说。
“游观”引领“沉浸”
160多米长卷如何绘就？王克举告诉记者，他构思10年，用了4年时间，驾车超过4万公里，跨越沿黄九省（区），36个景别共101单幅画面都是现场完成的即兴创作。年过六旬的他，就这样自黄河发源地一路画到入海口。“黄河流域的地理风貌粗犷、苍茫，特别适合用油画来展现。而在西方油画的基础上，融入中国文化的写意特征，更能展示一条中国人心目中的黄河。”王克举说。
在这幅长卷中，王克举借用了移动视线的方式，将中国绘画的意象性和油画写生的焦点透视进行了有机结合——每个场景的视角都在跟随景别需要而上下左右变换，时而仰视，时而俯视，这种“游观”的空间观念，对于观众而言，会不自觉地产生“沉浸式”的绝妙欣赏体验——由《星宿海》开始，画家用苍莽而舒缓的节奏拉开帷幕，呈现了黄河深沉神秘的源头；紧接着，《扎陵湖》《鄂陵湖》《果洛草原》《阿尼玛卿雪山》徐徐展开，王克举以线条驰骋表现水流的轻重缓急，以色彩明暗冷暖丰富画面节奏，从涓涓细流汇为银海微澜，再到水银泻地般地穿越峡谷，构成飞流夹巘之壮景；从《贵德丹霞》《冰凌丹霞》开始，画面色调逐渐由冷变暖，深沉的蓝黑色与朱红色、深红、赭石，构成了自由而跳跃的节奏，与静静的长河相望；继续向前，《壶口》《三门峡—小浪底》陡然出现，黄河以撞击天地之势发出巨龙般的吼声，恍然间如临“黄河之水天上来”之境界；转而入《豫鲁大地》《泰山·黄河玉带》《鹊华春色》《齐鲁大地》，黄河又尽显母亲般的慈爱祥和，稻谷肥硕、草木幽香、晴空浩然，终而入海；在《黄河》的终章，色彩的运用被发挥到了极致，玫瑰色、橘黄色交织而成的绯红色巨流，缓缓涌入湛蓝澄明的大海，满目光华，预示着母亲河更加美好时代的到来……长卷带来的丰富画面与情绪的跌宕，超出了“图像”营造的艺术范畴，俨然是一部交响诗，以丰富的音色和节奏的起落，糅合景色的绝美与人文的感怀，吟唱出激昂的诗篇。
“我从黄河的源头画到入海口，越发觉得黄河的伟大与不朽。虽然我画的是一条自然的黄河，但在我的内心里，它始终是汹涌澎湃的，所以我要把整条黄河画得波涛汹涌、气势磅礴。不过，画到家乡山东段的时候，广袤的大平原上，黄河已经没有了大江大河的波澜壮阔，我便在画那些庄稼的时候，也让它们像黄河水一样，呈现汹涌澎湃的状态。”谈起创作心得，王克举说，“黄河从上游到下游，河道基本上是被镶嵌在峡谷之间，中上游除壶口外，基本上没有河水奔腾的展现，小浪底是我后期有意增加的一段，放大了翻滚汹涌的河水，用以增加汹涌澎湃的气势。壶口是我画黄河的开端，为的是给整条黄河的创作定下一个气势磅礴、波涛汹涌的基调。小浪底是整幅作品的收笔之作，画到这里的时候，我异常地兴奋，画得特别快，也特别爽。笔法来自于我被小浪底放水冲沙的那种气势震撼后的抒发，当然画的时候也需要同样的激越，这种激烈的感觉非常贴切地表达了当时汹涌澎湃的心情。”
为母亲河做整体性造像
其实，在中国美术史上，虽然有很多画家画过黄河，知名的作品有吴作人的油画《三门峡工地》、李仲耘的中国画《向黄河进军》、傅抱石的中国画《黄河清》、艾中信的油画《夜渡黄河》、尚扬的油画《爷爷的河》、周韶华的中国画《黄河魂》、蒋志鑫的中国画《母亲的咆哮》等等，但此前没有艺术家画出黄河五千公里的路线、尽展黄河全貌。而且，受题材、尺幅的局限，奔腾不息的黄河水，几乎成为黄河在视觉形态上的唯一符号。王克举的创作，无疑是开创性的。
“我觉得只有大尺幅才能表现出黄河的气魄，要连贯成卷，才能完整展现出黄河万古奔流、生生不息的中华民族精神意象。”王克举告诉记者，这个想法的萌发已有十年。2009年，他带领学生前往山西碛口写生时，画了《天下黄河》和《溪镇》，再想到张大千画的《长江万里图》、王希孟画的《千里江山图》后，他就决心要为黄河绘就一幅“全身像”。自此，他开始反复写生、锤炼语言，研究前人的长卷巨制经验，制订环环相扣的创作计划和路线。直至2016年，《黄河》长卷创作正式启程，王克举以自驾的形式，身临其境、深度对话，熟悉黄河历史、了解黄河文化，沿河作画，为母亲河做整体性造像。
翻开王克举创作时用的笔记本，有几页写满了黄河沿线的地名。海拔3000米以上的，就有玛多的星宿海、鄂陵湖、扎陵湖、阿尼玛卿雪山、同德县、龙羊峡水电站等等，在乾坤湾、炳灵寺、果洛草原、泰山黄河玉带、泰山等，也都留下了他和团队的足迹。创作条件的艰苦也显而易见：黄河源头位于青藏高原，高原作画，就要克服当地低温、道路不便、饮食不便与高原反应等一系列困难；大河流经山区，路窄难行，各式画具、实木画框画架等装备，货车载不进去，就人背肩扛……
不过，王克举和他的团队以高度的热情投入其中，反而甘之如饴。“从一开始的把握不好到后来的驾轻就熟；从开始的被动描写到主动的绘画语言转换；从对画面的理性把握到情绪的注入，由此逐渐到达自己的内心并从中发现一片更为宽阔的天地。这个天地不管怎样，它是自己走过来的，是承载个人理想的天地，是内心世界最真实的表白。”
这表白中，还传递了艺术家独特的艺术思想与审美意志。特别是在绘图的色彩运用上，画家大量运用互补色释放了画作的空间张力，视觉上增强了作品的视觉感受，给予其画作在视觉上强烈的“在场性”。“在场性有着现实的意境和强烈的象征性。比如说有些水的地方画成黄色、橙黄色，这就是作者强烈的人文精神驱动所使，传达了一种个性化的精神诉求，暗含着非常浪漫的想象力。浪漫的情怀有两个，一是构图的浪漫，二是色彩的浪漫。他在色彩方面突破了以往中国人看山水的意境。”清华大学美术学院教授顾黎明评价。
“追寻黄河魂”
“现在回想起来，如何画黄河对我来说难度并不是最大的，因为毕竟对景写生、画大画创作20年了，好像前20年的探索、积累就是为了画黄河，所以在技术上或者是在艺术处理上都不是最大的困难，最大的难度是如何能靠近黄河，黄河在哪里？黄河魂在何处？”王克举坦言。
“追寻黄河魂”，或许也是黄河主题创作中，每一位文艺工作者都在深入思考的重要课题。特别是在当下，如何避免“蹭热点”式的“营销创作”，能将展现母亲河的历史脉络、人与自然的良性互动、展望高质量发展的美好未来相结合，这些问题都考验着艺术家们的创作力和创新力。总体来看，这一题材的经典之作还不够多。
王克举的《黄河》为这一题材的创新作了良好的示范。画家努力通过对黄河沿岸自然风貌的描绘和再现，概括几千年来中国人对黄河的认知、记忆和想象，把自然的黄河、人文的黄河和精神的黄河融合起来，凸显黄河不屈不挠、排除千难万险、奋勇向前的顽强精神，表达对黄河母亲及对民族的崇高敬意。“他表现黄河的节奏呼应生命之流从缘起到百转千回汇入大海的自然节奏，而且铺陈刻画着黄河所饱含的历史气息、生活脉络和民族精神，作品细节带有微妙而又充满力度的韧性。油画长卷表现的不仅是黄河的景观、黄河的文化，更是黄河的精神和境界，那是‘忽听浪声浩长空，唯见黄河天上来’人与自然的碰撞，是小我与天地的交融；那是‘九曲黄河万里沙，浪淘风簸自天涯’历史沧桑、人生浮沉的雍容豁达和坚韧顽强；那是先民历经自然洗礼、顽强生活、创造辉煌文明的智慧和生命力，是我们透过长卷感受到的震撼和感动。”中国文联副主席、中国民协主席、山东工艺美术学院院长潘鲁生高度评价。
而要做出精品，还可以围绕IP进行立体化打造。在山东美术馆的此次展览中，可见这样的探索。一方面，是展览本身的丰富。现场特别陈设了艺术家写生过程中的装备，画材画具、泥沙石块，一辆SUV直接“开”入场地中，支起的帐篷下可以观看《黄河》创作诞生的纪录片，这无疑延展了创作的深度和广度。另一方面，与展览内容相呼应，山东美术馆在161.6米的《黄河》巨制前，还举办了一场别开生面的音乐与朗诵会，《将进酒》《黄河序曲》《母亲河》，吉他弹唱《龙的传人》《你就是黄河，你就是泰山》……不同的艺术表演形式在同一空间里相见，共同为现场观众奏响中华民族心灵深处的乐章。此外，该馆近日还进一步梳理馆藏精品，挖掘出一批与黄河有关的美术作品，在不同时间节点陆续推出馆藏展，并同步在官网、官微进行推介，其中有毛岱宗的《黄河东去》，有王刚的《黄河三号》《老万》等系列作品，有张永见的雕塑作品《黄河四重奏》等等。山东美术馆特邀艺术家撰写创作思路、分享创作历程，详述作品诞生背后的故事，站在创作者或者评论家的专业视角，对馆藏作品进行解读，看见不同的艺术创作方式之下，隐含着共通的民族血脉和家国情怀。
“黄河主题创作，需要更多这样的整合、策划。”一位业内专家告诉记者，艺术创作伸出多个触角，吸纳融合更多的艺术形式进行联动，引领着观众不仅能“看到”黄河，还能“看懂”黄河，也就是在不断唤醒越来越多人骨子里的‘黄河文化基因’。这最终会带动观众体量的扩大、创作质量的双丰，“那时，艺术歌咏生命之河、人文之河、发展之河的这曲大合唱将愈加雄壮。”
象外求真 刀笔怡情——忆王琦先生
纪念王琦先生最好的方式是回顾他的艺术成就和思想。1945年2月23日在重庆枇杷山苏联大使馆举行的红军节纪念酒会上，他回答了美国《时代》 《生活》杂志记者白修德的三个提问，即一问：中国木刻版画与外国木刻版画的区别何在？答：中国木刻的表现方法以阳刻为主，注重线条的作用，画面明朗；外国木刻的表现方法以阴刻为主，注重块面作用，画面较暗淡。二问：中国现代木刻与古代木刻的区别何在？答：中国古代木刻是复制木刻，画家只是作画稿，由刻工来刻制；现代木刻是创作木刻，画稿和刻制都出自版画家一人之手。三问：国统区木刻与延安木刻的区别何在？答：国统区的木刻内容主要是暴露旧社会的阴暗面，表现形式有较浓重的外国风；解放区的木刻内容主要是歌颂解放区的新气象，歌颂光明，表现方法有浓厚的中国风。
这个简明扼要的问答揭示了版画艺术发展的规律，也探明了版画艺术的发展方向，深谙此规律的王琦先生这一时期的作品已经很成熟，无论版画，还是素描，综合体现了三个区别论点的所在。王琦先生自言他的木刻创作离不开素描写生，但是他的素描非同于一般生活速写，不是几分钟完成，而是用一二小时或半天时间才能画一张。素描一直支撑他的版画发展，在上世纪五六十年代，一些建设大场面的大写生和作画中，素描发挥了关键性作用。
上世纪八十年代是王琦先生版画创作上的最后十年，也是收获最丰富的十年，如《古墙老藤》《故宫楼角》《古榕道上》等一组新景版画，都是这一时期的作品。与中国版画界有着深厚友谊的日本长者内山嘉吉访华，最后一次会晤王琦先生，时逢《海滨之夏》刚刚完成，内山先生对此赞不绝口，王琦先生慨然相赠，内山回日本后不久病逝于东京。《故宫楼角》曾参加英国举办的国际版画双年展，并以每幅300英磅价格被订购，从此王琦先生版画进入国际市场。
改革开放时期的王琦，在他的思维里对现代主义形式有着客观的分析，此时在作者那里进行了最自由的发挥，刀耶？笔耶？素描耶？没有了束缚、线条和块面的自然结合、黑白艺术的空前表现、对具象与心象交感后，“象外求真”的写照，不是写实主义，而是“版画印象派” 。其中《古墙老藤》是国内外参展最多、艺术市场收藏最多的作品。大英博物馆东方部的主持人尨·安妮女士，经手购藏的中国版画超过百幅，其中王琦先生个人作品就达20余幅，大英博物馆的馆刊卷首曾以整页篇幅刊登了《大街上的旋律》组画中的《立体交叉》。这个时候的王琦先生凭借现代感的丰富语言，才有直线快节奏感的《大街上的旋律》《平地青云》的诞生，他在丰富中求单纯，竟返老还童般地回到了第一阶段的黑白世界，这类作品如《船坞景色》《海湾的早晨》 《铁臂入云端》，依然保持着艺术的生命活力和清晰的艺术思维，实现了他与时代共鸣的状态。《大街上的旋律》《平地青云》这类跳跃性的新奇和《古墙老藤》《绕着大石的藤蔓》这类静中寓动的深刻，相对而相向发展的平衡，皆源于登上了版画艺术的高峰。
不幸的是，因长期积劳成疾，王琦先生左眼视网膜脱落，左眼视力从1.5降至0.2。创作于1988年的《运河码头》竟成了他的封刀之作。次年，王琦先生战胜客观困难重拾毛笔，把中国画的笔墨、版画的力度和油画的色彩冶为一炉，在有限的时空里实现了艺术的完整性，不如说是恢复了启蒙时期迷恋过的水墨画和书法。
王琦先生介绍他的作画三过程：第一步用焦墨以素描方式画出事物形态、不同层次的色调与明暗部位；第二步以淡墨和水晕染出画面的水墨效果；第三步施以不同的色彩。“计白当墨论”是水墨画的基理，版画创作与水墨创作的黑白处理是相通的，王琦先生毕竟受过系统的西画训练尤其讲究造型的严谨和变化，他有很好的书法修养，能像使用硬笔和刻刀那样熟练地驾驭毛笔，但他从不刻意追求笔笔中锋，喜用焦墨和侧锋，这样便于造型，书法成为版画家转向水墨画的骨肉，水的活用成为版画家转向水墨画中的血脉。王琦先生的水墨画敏于大块黑白的处理和黑色线条的力度，常用直线、曲线的同向性排列，达到强化形象的动势和节奏感。他的水墨山水画不拘于传统山水画“一河两岸”和各种皱法程序，水墨更不是黑白版画的简单转换，它着力于民族文化的现代化，而不是简单地复制古董。
王琦先生认为优秀的美术作品应具有思想内容的“革命化” 、表现形式的“民族化”和“现代化” 、个人艺术风格的“个性化” 。革命化是广义的，不仅是指革命题材，还意味着新与旧之间的矛盾斗争，在自然生活和社会生活中，永远存在着新旧事物的斗争，而且贯穿着新生事物代替旧事物的辩证过程，艺术家就在于用艺术的手段去揭示表现这个规律。
纪念王琦先生最好的方式是回顾他的艺术成就和思想。1945年2月23日在重庆枇杷山苏联大使馆举行的红军节纪念酒会上，他回答了美国《时代》 《生活》杂志记者白修德的三个提问，即一问：中国木刻版画与外国木刻版画的区别何在？答：中国木刻的表现方法以阳刻为主，注重线条的作用，画面明朗；外国木刻的表现方法以阴刻为主，注重块面作用，画面较暗淡。二问：中国现代木刻与古代木刻的区别何在？答：中国古代木刻是复制木刻，画家只是作画稿，由刻工来刻制；现代木刻是创作木刻，画稿和刻制都出自版画家一人之手。三问：国统区木刻与延安木刻的区别何在？答：国统区的木刻内容主要是暴露旧社会的阴暗面，表现形式有较浓重的外国风；解放区的木刻内容主要是歌颂解放区的新气象，歌颂光明，表现方法有浓厚的中国风。
这个简明扼要的问答揭示了版画艺术发展的规律，也探明了版画艺术的发展方向，深谙此规律的王琦先生这一时期的作品已经很成熟，无论版画，还是素描，综合体现了三个区别论点的所在。王琦先生自言他的木刻创作离不开素描写生，但是他的素描非同于一般生活速写，不是几分钟完成，而是用一二小时或半天时间才能画一张。素描一直支撑他的版画发展，在上世纪五六十年代，一些建设大场面的大写生和作画中，素描发挥了关键性作用。
上世纪八十年代是王琦先生版画创作上的最后十年，也是收获最丰富的十年，如《古墙老藤》《故宫楼角》《古榕道上》等一组新景版画，都是这一时期的作品。与中国版画界有着深厚友谊的日本长者内山嘉吉访华，最后一次会晤王琦先生，时逢《海滨之夏》刚刚完成，内山先生对此赞不绝口，王琦先生慨然相赠，内山回日本后不久病逝于东京。《故宫楼角》曾参加英国举办的国际版画双年展，并以每幅300英磅价格被订购，从此王琦先生版画进入国际市场。
改革开放时期的王琦，在他的思维里对现代主义形式有着客观的分析，此时在作者那里进行了最自由的发挥，刀耶？笔耶？素描耶？没有了束缚、线条和块面的自然结合、黑白艺术的空前表现、对具象与心象交感后，“象外求真”的写照，不是写实主义，而是“版画印象派” 。其中《古墙老藤》是国内外参展最多、艺术市场收藏最多的作品。大英博物馆东方部的主持人尨·安妮女士，经手购藏的中国版画超过百幅，其中王琦先生个人作品就达20余幅，大英博物馆的馆刊卷首曾以整页篇幅刊登了《大街上的旋律》组画中的《立体交叉》。这个时候的王琦先生凭借现代感的丰富语言，才有直线快节奏感的《大街上的旋律》《平地青云》的诞生，他在丰富中求单纯，竟返老还童般地回到了第一阶段的黑白世界，这类作品如《船坞景色》《海湾的早晨》 《铁臂入云端》，依然保持着艺术的生命活力和清晰的艺术思维，实现了他与时代共鸣的状态。《大街上的旋律》《平地青云》这类跳跃性的新奇和《古墙老藤》《绕着大石的藤蔓》这类静中寓动的深刻，相对而相向发展的平衡，皆源于登上了版画艺术的高峰。
不幸的是，因长期积劳成疾，王琦先生左眼视网膜脱落，左眼视力从1.5降至0.2。创作于1988年的《运河码头》竟成了他的封刀之作。次年，王琦先生战胜客观困难重拾毛笔，把中国画的笔墨、版画的力度和油画的色彩冶为一炉，在有限的时空里实现了艺术的完整性，不如说是恢复了启蒙时期迷恋过的水墨画和书法。
王琦先生介绍他的作画三过程：第一步用焦墨以素描方式画出事物形态、不同层次的色调与明暗部位；第二步以淡墨和水晕染出画面的水墨效果；第三步施以不同的色彩。“计白当墨论”是水墨画的基理，版画创作与水墨创作的黑白处理是相通的，王琦先生毕竟受过系统的西画训练尤其讲究造型的严谨和变化，他有很好的书法修养，能像使用硬笔和刻刀那样熟练地驾驭毛笔，但他从不刻意追求笔笔中锋，喜用焦墨和侧锋，这样便于造型，书法成为版画家转向水墨画的骨肉，水的活用成为版画家转向水墨画中的血脉。王琦先生的水墨画敏于大块黑白的处理和黑色线条的力度，常用直线、曲线的同向性排列，达到强化形象的动势和节奏感。他的水墨山水画不拘于传统山水画“一河两岸”和各种皱法程序，水墨更不是黑白版画的简单转换，它着力于民族文化的现代化，而不是简单地复制古董。
王琦先生认为优秀的美术作品应具有思想内容的“革命化” 、表现形式的“民族化”和“现代化” 、个人艺术风格的“个性化” 。革命化是广义的，不仅是指革命题材，还意味着新与旧之间的矛盾斗争，在自然生活和社会生活中，永远存在着新旧事物的斗争，而且贯穿着新生事物代替旧事物的辩证过程，艺术家就在于用艺术的手段去揭示表现这个规律。
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